Carlos Barba Salva

CONCLUYE CON ÉXITO ROTUNDO EL PRIMER FESTIVAL MUNDIAL DE CINE EXTREMO “SAN SEBASTIÁN DE VERACRUZ 2012”

2012-01-26T16:32:00.000-08:00

ARRASA CUBA CON LOS PREMIOS EN TODAS LAS CATEGORÍAS

Enviado por Fabrizio Prada
Cineasta y Director del festival

Con la participación de 22 países de los cinco continentes, se efectuó con gran éxito el Primer Festival Mundial de Cine Extremo “San Sebastián de Veracruz”, en el marco de las Fiestas Patronales del puerto de Veracruz. Dicho Festival fue posible gracias a la alianza estratégica de la Fundación de la Crónica de la Ciudad de Veracruz presidida por el escritor Miguel Salvador Rodríguez Azueta con la compañía productora independiente Prada Films, dirigida por el reconocido cineasta Fabrizio Prada. La característica principal del festival fue la de presentar películas extremadamente independientes realizadas sin presupuestos ni subvenciones.

El jurado estuvo integrado por personalidades del cine y las artes, dividido en dos categorías: largometraje: el actor y productor mexicano Hugo Stieglitz, la actriz checa Zaneta Seilerova y el caricaturista mexicano Patricio Ortiz; cortometraje: la historiadora del arte boliviana Elda Rojas de Prada, la promotora cultural mexicana Luchy Ortiz y el fotógrafo mexicano Jorge Acevedo.

La ceremonia de clausura se realizó el domingo 22 de enero en el majestuoso Teatro Clavijero de la Ciudad de Veracruz, conducida por Yarizeth Santamaría, Reina del Carnaval de Veracruz 2012, y por el director del Festival, Fabrizio Prada.

Se entregaron 13 premios de la siguiente manera:

En la categoría de cortometraje:
Premio Especial por Fotografía “Alex” de la directora Mariana Romero, México.
Premio Especial en Documental “Día de Muertos” del director Carlos Barba, Cuba-México.
Premio Especial en Ficción “Fábrica de Muñecas” de la directora Ainhoa Menéndez de España.
Premio Especial en Experimental “Una Película con Muertos y Toda la Cosa” del director Enrique Favela, México.
Premio a la Mejor Película Corta Documental “ La Bendición de Dios” del director Miguel Reyes Mendoza, Cuba.
Premio a la mejor Película Corta de Ficción “ Farewell 2” de la directora Irena Skoric, Croacia.
Premio a la Mejor Película Corta Experimental “B(y) margot” de las directoras Diana Andrea Fuentes Salinas, Yeira Ramos y Alicia Rubio, México.
En la categoría de largometraje:
Premio Especial por Humanismo “Aficionados” del director Arturo Dueñas, España.
Premio Especial por Fotografía “La estación de las flautas” del director Raydel Araoz, Cuba.
Premio Especial en Documental “Cómo hervir una rana/How to boil a Frog” del director Jon Cooksey, Canadá.
Premio Especial en Ficción “Ferozz” del director Jorge Molina, Cuba.
Premio a la mejor película documental “El animal de la floresta” de los directores Ursula Marini y Carlos Ordónez, Brasil.
Premio de mejor película de ficción “Memorias del Desarrollo” del director Miguel Coyula, Cuba.

Así mismo, la Lic. Patricia Carranza de la Parra, en representación de la Lic. Carolina Gudiño Corro, alcaldesa del puerto de Veracruz, entregó un reconocimiento a Hugo Stieglitz por por su valioso apoyo a noveles directores como productor independiente siendo pilar fundamental del cine extremo en México.

El director del Festival, Fabrizio Prada, convocó a los cineastas ultra-independientes del mundo a participar en el Segundo Festival Mundial de Cine Extremo “San Sebastián de Veracruz” 2013 invitándolos a visitar Veracruz el próximo año para reunirse y juntos redactar el “Manifiesto del Cine Extremo Mundial”.

La gala de clausura concluyó con la Premier Nacional de la película “Escrito con sangre” de Fabrizio Prada escrita por Carlos Manuel Cruz Meza, escritor veracruzano que no pudo asistir dado que el día anterior fue atropellado por una camioneta sin placas y no recibió ninguna ayuda, coincidentemente, de esa indiferencia social es de lo que trata la película. Asistieron los integrantes del reparto y personal técnico como Al Castillo, Carlos Ortega, Raúl Santamaría, Guillermo Jiménez, Elda Rojas, Frida Mazzotti, María León, Aureliano Castillo, Juan Carlos Ortega, entre otros.

Para lograr un evento de esta magnitud en el Puerto de Veracruz y primero en su tipo se necesita de un equipo de apoyo integrado por varios patrocinadores: Las autoridades del Gobierno del Estado, La Secretaría de Turismo, Cultura y Cinematografía del Gobierno del Estado de Veracruz, el Ayuntamiento de Veracruz, el Comité organizador del Carnaval 2012, la Regiduría XII, la Cámara Nacional de la Industria de Restaurantes y Alimentos Condimentados, la Diócesis de Veracruz, la Canaco, Asociación Mexicana de Hoteles y Moteles de Veracruz, Periódico Imagen, Taxis GL, Renault, TV Marke, Notaria 42, Las Abadesas, Grupo Cultural Fénix, Cerveza Toro, Logra.mx, Pannys, Restaurante La perla, Piel Caliente, Lydeas, Grupo Agnes, Cri Congresos y Convenciones, Hotel Emporio, Hotel Diligencias, Hotel Veracruz, Hotel Principal, Hotel Ruiz Milán, Teatro Clavijero, Museo de la Ciudad, Casa Museo Salvador Díaz Mirón y todo el equipo organizador y jurados del Festival Mundial de Cine Extremo San Sebastián de Veracruz.

Gracias Enrique

2012-01-26T09:30:00.000-08:00

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO PARA EL DOCUMENTAL DÍA DE MUERTOS, DE CARLOS BARBA, EN EL FESTIVAL MUNDIAL DE CINE EXTREMO SAN SEBASTIAN DE VERACRUZ 2012.

"LA ALEGRÍA ME INUNDA. NADA TAN MERECIDO. EL CINE CUBANO Y EL CINE MEXICANO SE ANOTAN UNA VICTORIA CON ESTE PREMIO Y ESTE DOCUMENTAL. GRANDES FELICITACIONES. GRAN ORGULLO, UN ORGULLO PARA EL CINE CUBANO"

enrique pineda barnet
cineasta cubano
Premio Nacional de Cine 2006

Obtiene documental "Día de Muertos", de Carlos Barba Premio Especial del Jurado en Festival Mundial de Cine Extremo Veracruz 2012

2012-01-23T10:34:00.000-08:00

FESTIVAL MUNDIAL DE CINE EXTREMO "SAN SEBASTIAN DE VERACRUZ" 2012

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el Premio Especial en Documental a: DIA DE MUERTOS del director Carlos Barba de México

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el Premio Especial en ficción a: FÁBRICA DE MUÑECAS de la directora Ainhoa Menéndez de España

En la categoría de Cortometraje Experimental, nuestro jurado otorga el Premio Especial a: ENRIQUE FAVELA por su película UNA PELÍCULA CON MUERTOS Y TODA LA COSA de MÉXICO

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el premio de Mejor Película Corta Documental a: LA BENDICIÓN DE DIOS del director Miguel Reyes Mendoza de Cuba

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el premio a la Mejor Película Corta de Ficción a: FAREWELL 2 de CROACIA

En la categoría de cortometraje, nuestro jurado otorga el premio a la Mejor Película Corta de Experimental a: B(y) MARGOT de las directoras Diana Andrea Fuentes Salinas, Yeira Ramos y Alicia Rubio de México

En la categoría de cortometraje, el jurado otorga el Premio Especial por Fotografía a la película: ALEX de la directora Mariana Romero de Veracruz, México

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial por “Humanismo” a la película AFICIONADOS del director Arturo Dueñas de España.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial por Fotografía a la película LA ESTACION DE LAS FLAUTAS del director Raydel Araoz de Cuba.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial en Documental a la película CÓMO HERVIR UNA RANA/How to boil a Frog del director Jon Cooksey de Canadá.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio Especial en Ficción a la película MOLINA FEROZZ del director Jorge Molina de Cuba.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el Premio a la Mejor Película Documental a la película “EL ANIMAL DE LA FLORESTA de los directores Ursula Marini y Carlos Ordónez de Brasil.

En la categoría de largometraje, el jurado otorga el premio de mejor Película de Ficción a la Película MEMORIAS DEL DESARROLLO, del director Miguel Coyula de Cuba.

Foto: Carlos Barba e Ivonne Carrillo durante el rodaje del documental

20 años del filme "El siglo de las luces" (1992-2012), de Humberto Solás

2012-01-20T09:15:00.000-08:00

Decía Humberto Solás en un momento de mi documental Memorias de Lucía (2003): "Cuba, como cualquier otro país, se define por décadas...", y es verdad. Atrás han quedado los recientes aniversarios cerrados de filmes cubanos como La Bella del Alhambra (1989), de Enrique Pineda Barnet, Papeles sencundarios (1989), de Orlando Rojas, Adorables mentiras (1991), de Gerardo Chijona o Miel para Oshún (2001), del propio Solás. Ahora toca el turno en este 2012 a El siglo de las luces (1992), cuando se acumulan veinte años de su estreno, cinta que el maestro Solás consideraba su obra "fantasma", así lo manifestó hace más de diez años, en medio del asombro cuando le planteaba la idea de emprender un trabajo de diploma sobre su versión de la extraordinaria novela de Alejo Carpentier, hecho teórico sin precedentes hasta aquel momento. Una vez "concluida" la tesis en la que Humberto devino en más que un asesor, poco tiempo después, en 2006, realicé un par de trabajos audiovisuales sobre esta película, El hombre del siglo y La otra Sofía, documentales que de cierta forma ayudaron a conformar el universo de la investigación que nunca dejé descansar y que lleva por título: "El siglo de las luces, un mismo espíritu en el viaje de la palabra a la imagen". Se sabe que Humberto Solás nunca estuvo conforme con el resultado de la versión de dos horas proyectada por primera vez en el XIV Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, -expresando que el filme que "a ratos amaba" es el resultado de los tres capítulos pertenecientes al serial para la televisión francesa-, pero dejó claro, sobre todo, el deseo latente de montar la versión ideal de tres horas que nunca llegó al set de edición, a pesar de tener el guión listo. A dos décadas del acontecimiento que sigue siendo esta película, estoy seguro que todavía falta mucho por conocer, investigar, publicar y estudiar acerca de una de las obras más destacadas de Iberoamérica: El siglo de las luces-filme.

Los invito desde este blog, pequeño espacio que ama el cine y la trayectoria de Humberto Solás, a todo un año de celebración y, por supuesto, a revisitar este filme en sus respectivas versiones.

Carlos Barba

FICHA TÉCNICA GENERAL: EL SIGLO DE LAS LUCES.

Ficción, versión para cine: 120 minutos, versión para televisión: 240 min,
Color, 35 mm

Dirección: Humberto Solás
Guión: Alba de Céspedes, Jean Cassies, Humberto Solás
Diálogos: Humberto Solás, Jean Cassies, Alba de Céspedes
Producción: Miguel Mendoza, Denise Cassoti, Leonid Gomorin, ICAIC (Cuba), SFR, FR 3, LA SEPT (Francia), TV Española, SA YALTA FILMS (Ucrania)
Director de fotografía: Livio Delgado
Cámara: Ignacio Rodríguez, Christian Decreton, Jacques Bourguignon, Roger Dooloy
Director asistente: Mayra Segura
Director de Arte: Guillermo Mediavilla
Escenografía: Calixto Manzanares, Gérard Roger, Boris Komavacov
Ambientación: Calixto Manzanares, Isabelle Lapierre, Agnes Lev, Gilbert Dulin, Christian Thomas, Daniel Tourier
Utilería: José Amat, Claude Lovigny, Pascual Chevalier, Louis Le Goff
Diseño de vestuario: Manuel Tortosa
Vestuario: Violeta Cooper, Anniek Garel, Danièle Schemla, Larisa Chepik, Francisco Poulin, Vera Lationova
Maquillaje: Magaly Pompa, Nadine Gayet, Irma Gorbunova
Edición: Nicole Dedieu, Jean Pierre Rogues
Asesoramiento para la versión cinematográfica: Nelson Rodríguez
Sonido: Germinal Hernández, Jules Dantan, Joel Faure, Jorge Luis Chijona
Mezcla final: Sofía Menuet, Catherine Gabrielidis
Efectos sonoros: Laurent Levy
Música: José María Vitier, Orquesta Sinfónica Nacional, piano: Jorge Luis Prats, soprano: Alina Sánchez, Coro del Gran Teatro de La Habana
Bailarines: Ballet Rosalía de Castro, Danza Contemporánea, Ballet Nacional de Cuba
Iluminación: Humberto Figueroa, Michel Vasseur, Alexander Gzovsij, Patrick Gaudry, Jean Claude Marishal
Efectos especiales: José Granados, Marc Chauviret
Asistencia de dirección: Lourdes de los Santos, Eduardo Portal, Jacques Pisière, Elisa Ravelo, Marguerite Gourgue
Película: 3587 m

Intérpretes: Jacqueline Arenal, Francois Dunoyer, Rustam Urazaev, Frèdèric Pierrot, Alexis Valdés, Miguel Gutiérrez, Omar Valdés, Philippe Caroit, Jean Fanval, Elvira Valdés, Eric Deshors, André Julien, Francoise Audollent, Patrick Massiah, Tito Junco Mireya Chapman, Dagoberto Gaínza, Carlos Padrón, Vicente Revuelta, Bernardo Menéndez, Omar Alí, Alberto Pujol, Nicolas Silber, Margia Magdalina, Jean-Ives Martínez

Sinopsis: Basada en la novela homónima de Alejo Carpentier. Repercusión de la Revolución Francesa en el Caribe. La relación de Víctor Hughes, revolucionario francés, con tres jóvenes de una familia cubana, Sofía, Esteban y Carlos, quienes por su influencia asumen las ideas del iluminismo. Pasión y desilusión en un universo que aunque esperanzador, no logra cuajar sus aspiraciones de igualdad y justicia. Un filme espectacular y filosófico a la vez, en el que Humberto Solás se propuso una experiencia intelectual y un cine de ideas, no sólo emocionante y efectista. Un trabajo de dirección artística profundo y detallado que va desde la gama de colores utilizados, hasta el tipo de iluminación y los movimientos de cámara, todo a partir de la concepción barroca del filme.

FICHA TÉCNICA: EL HOMBRE DEL SIGLO.

Documental, Cuba, MiniDV, 2006, Color, 35 min
Productora: MAREAFILMES con la colaboración de la EICTV

Dirección: Carlos Barba
Guión: Carlos Barba
Producción: Luciano Castillo
Fotografía: Carlos Rafael Solís
Edición: Ramón Ramos
Música (para el filme "El siglo de las luces"): José María Vitier

Sinopsis: Al cumplirse 15 años del filme "El siglo de las luces" (1992), su director, Humberto Solás, nos narra cómo enfrentó ese ambicioso proyecto en medio de circunstancias adversas, pero siempre fiel a su deseo de llevar a la pantalla grande la magnífica novela de Alejo Carpentier.

FICHA TÉCNICA: LA OTRA SOFÍA.

Documental, Cuba, MiniDV, 2006, Color, 20 min
Productora: MAREAFILMES

Dirección: Carlos Barba
Guión: Carlos Barba
Producción: Luciano Castillo
Fotografía: Enrique Carriazo
Edición: Ramón Ramos
Música (para el filme "El siglo de las luces"): José María Vitier

Sinopsis: La protagonista femenina del filme "El siglo de las luces" (1992), Jacqueline Arenal, cuenta cómo llegó al personaje y su experiencia dentro de este proyecto del director Humberto Solás, donde tenía que figurar en escenas con actores rusos y franceses, entre otros detalles interesantes.

Programa pag.1. Festival Mundial de Cine Extremo Veracruz 2012

2012-01-19T09:25:00.000-08:00

Festival Mundial de Cine Extremo exhibirá documental sobre el Día de Muertos

2012-01-16T15:55:00.000-08:00

"UNA HISTORIA DE MUERTOS"
(Publicado por Expreso de Campeche el 26 de octubre de 2009)

ENTREVISTA CARLOS BARBA, DIRECTOR DEL FILME "DÍA DE MUERTOS"

POR EFRAÍN DURÁN

El próximo lunes 2 de noviembre, a las 10:00 de la noche por Telesur, Campeche podrá ser testigo de una de las prácticas más importantes de nuestra cultura: el festejo del día de muertos en la comunidad de Pomuch. Ignorada por muchos campechanos, esta impresionante y peculiar práctica milenaria es distintiva de esta tierra. En ningún otro lugar del país o del mundo puede verse lo que aquí.

Este es en si el mérito del Documental "Día de muertos" que Telesur transmitirá. Aunque en otras ocasiones se ha presentado este tipo de trabajos, esta es una nueva manera de observar la forma en que los habitantes de este lugar suelen honrar a sus muertos.

Si eres de los que piensas que esta tradición se limita a comer pibipollos, entonces no te puedes perder este programa bajo el guión y dirección de Carlos Barba, quien concedió a CLICK! una breve entrevista, cuya primera parte te presentamos a continuación.

¿Qué es lo que te cautivó de este lugar?

- Pomuch es un pueblo impresionante, cuando llegas puede no gustarte nada, pero una vez que te adentras en su tradición, te
atrapa. Y es que todo México es así, repleto de historias a la espera de ser filmadas, sólo hay que salir a buscarlas. Ya antes de conocer México y llegar a Campeche, conocía la relación-tradición que tienen los mexicanos con la muerte. Pero escogí Pomuch en primer lugar porque me cautivó su hermosa humildad y su cementerio atípico: sus osarios al aire libre y aquellas personas limpiando los huesos y cráneos de sus difuntos era un espectáculo que no podía dejar escapar. Cuando llegamos a realizar la investigación, mucho antes a la festividad del Día de Muertos, ya se respiraba un ambiente diferente de celebración. En primer lugar, el humilde cementerio maya, sus estrechos pasillos y los osarios con los restos de los difuntos al descubierto, son una experiencia que hay que vivir. Una vez que regresamos a filmar, fue todavía más impactante.

Día de Muertos usualmente se asocia a algo terrorífico…

-En Pomuch los familiares veneran los restos de sus antepasados, limpiándolos uno a uno, hecho que cualquiera pudiera juzgar de manera superficial como macabro o espeluznante, pero no, cuando nos acercamos y enfocamos a cada uno de los personajes que aparecen en el documental y captamos con nuestra lente el cariño con que hacen el cambio de paños, acomodan los huesos ordenadamente y colocan el cráneo en la cima con los escasos cabellos que le quedan al difunto, (si es difunta conserva aún su peineta arraigada), a simple vista comprendes que es un acto de profundo amor. Hablan de sus seres queridos como si ayer mismo se hubieran marchado de esta vida; creo que descubrir esto fue lo más conmovedor de la experiencia.

¿Cómo se da esta práctica?

-Para los pobladores de Pomuch, limpiar los restos de sus muertos antes del Día de Fieles Difuntos es una tradición al parecer única en el mundo. Es como si le estuvieran dando un baño a sus muertos, pues tienen la creencia que una vez llegada la fecha, las ánimas deben encontrar sus restos limpios. Así lo creían los mayas antiguos y así lo creen los mayas de hoy. Ya desde el 27 de octubre comienzan las familias a limpiar los nichos, retocar la pintura y tener listos los paños que han sido bordados previamente a punto de cruz, y donde exhiben las iniciales de los occisos, flores o figuras infantiles o de otro tipo, de acuerdo
a la personalidad o edad del fallecido. (...) Ellos, literalmente, no dejan que sus muertos descansen en paz, pues cada año les estarán removiendo, eso sí, con mucha devoción, de su lecho final.

Duración: 29 minutos
Guión y Dirección: Carlos Barba
Productor: Abel Álvarez
Jefe técnico: Miguel Ángel Hernández
Fotografía: Claudio Escamilla
Editor: Israel Vargas
Sonido: Alfonso Arana
Productor ejecutivo: Mauricio Castillo
Actuación de: Ivonne Carrillo
Cartel: Ricardo Chávez (Creativo Carey)
Una producción de Telesur.

"Día de Muertos", de Carlos Barba al Festival Mundial del Cine Extremo San Sebastián de Veracruz 2012

2012-01-14T07:54:00.000-08:00

El documental cubano-mexicano "Día de Muertos" rodado en el sur de México, escrito y dirigido por Carlos Barba, con producción de Abel Álvarez y la colaboración de la actriz Ivonne Carrillo, que antes había participado en certámenes como el Riviera Maya Underground Film Festival, Cine Pobre Humberto Solás, CinEnAguas o el Nuits Document A.L. 4 Colores Latinoamericanos en Francia, ahora llega a éste nuevo y necesario evento -que arrancará el 19 de enero hasta el 22- competitivo y especializado en cine extremadamente independiente y hecho con bajo presupuesto en cualquier lugar del mundo. Se proyectarán películas ultra-independientes de los cinco continentes que hayan sido rodadas en cualquier formato y serán proyectadas en Blu-Ray y DVD. Como reglamento, el festival propone exhibir largometrajes de presupuestos inferiores a 100,000 dólares así como cortometrajes de presupuestos inferiores a 10,000. En general se promoverán las películas que para su realización no hayan contado con apoyos del gobierno mayores al 25% de sus presupuestos y no producidas por grandes compañías productoras o estudios tras-nacionales. Las secciones estarán compuestas por los siguientes apartes: Sección de largometrajes de ficción. Duración superior a 60 minutos. Sección de largometrajes documentales. Duración superior a 60 minutos. Sección de cortometrajes de ficción. Duración inferior a 30 minutos. Sección de cortometrajes documentales. Duración inferior a 30 minutos. Sección de cine y vídeo experimental. El director del festival, el cineasta mexicano Fabrizio Prada, autor de la premiada cinta "Tiempo real" rodada en una sola toma, en un solo plano-secuencia y que ostenta por ello el récord Guiness, estrenará el día de la clausura, en premier nacional, su más reciente entrega, el filme veracruzano "Escrito con sangre". Igualmente habrá un reconocimiento especial al productor independiente Hugo Stieglitz y la inauguración de la exposición fotográfica del destacado artista Gustavo Pastrana.

A continuación, un artículo sobre el documental "Día de Muertos":

SIN MIEDO EN DÍA DE MUERTOS

Por Rafael Grillo
Crítico cinematográfico

La teoría del Periodismo de Viajes enseña a diferenciar entre la mirada del “turista” y la del “viajero”. Al primero le interesa la foto al pie del monumento, el paisaje de postal, el traje y el baile típico, la bebida y comida típica. Todo lo típico, el país de folclor…
Mientras que el segundo aspira a cargar en su morral las esencias del país que visita, atrapar con el lente el retrato del alma de sus habitantes, escudriñar en los orígenes de las tradiciones, correlacionar los mitos históricos y culturales con los hábitos que identifican a un pueblo y lo distinguen del otro.
Esta definición del viajero le encaja muy bien al cubano Carlos Barba, ahora por los rumbos de México. Alejado de las recurrencias de su anterior filmografía, marcada por la influencia de Humberto Solás (colaboró con él en "Barrio Cuba" y "Adela", le dedicó "Memorias de Lucía", "Gibara, ciudad abierta", entre otros) y la historiografía-homenaje a todo el cine cubano ("Mujer que espera", "Papeles principales", "Canción para Rachel"); en su último documental, "Día de muertos", con la producción de Tele Sur Campeche, apela al ejercicio de investigación antropológica, que ausculta bajo la piel del rito con el que un pueblo se singulariza de todos los demás.
Parece siniestro, pero a los habitantes de Pomuch le parece muy normal. ¿Miedo? “No, me da sentimiento”, dice ante la cámara una anciana que acaba de extraer del nicho funerario los restos de sus antepasados, y que comienza pausada, exhaustivamente, a limpiar hueso por hueso del cadáver entero, para colocarlos al final sobre una caja pulcra, recubierta con una tela blanca y bordada con hilos de color.
Ellos, en el día que la cristiandad llama de los Fieles Difuntos, el 2 de Noviembre, ni siquiera hacen como sus compatriotas mexicanos, que en su peculiar Día de Muertos pasean a la “Catrina” y elaboran suntuosos altares. Humildemente, estos descendientes de los mayas, tanto viejos como jóvenes, persisten en la ancestral costumbre del “cambio de paños”, y en cocinar bajo la tierra su plato a base de pollo y maíz.
Alrededor de este acto heredado, se posan los prejuicios de los extraños y flotan historias de aparecidos… Carlos Barba evita la pose sensacionalista, la escatología y el horror, para envolvernos, por el contrario, en un registro fílmico reposado, sencillo y naturalista.

Fuente del artículo: Cuba en Noticias

Prosigue rodaje de documental sobre Humberto Solás, dirigido por Carlos Barba

2012-01-13T15:39:00.000-08:00

Nota de prensa, resumen año 2011, programa De cierta manera, Televisión Cubana, Canal Educativo 2.

VERDE VERDE, de próximo estreno en salas de Cuba en febrero de 2012

2012-01-07T19:26:00.000-08:00

2012

2012-01-06T14:20:00.000-08:00

Para el primer post del 2012 quiero compartir esta tarjeta que me llegó durante los días de fiestas, deseándoles muchas cosas buenas, Salud, Amor, Cine...

"Verde verde", filme de Enrique Pineda Barnet y afiche de Julioeloy Mesa

2011-12-29T19:41:00.000-08:00

El buen amigo Julioeloy Mesa me ha dado luz verde para colgar este afiche de "Verde verde" (2011), su regalo al reciente filme de Enrique Pineda Barnet, pero, sobre todo, el regreso a la cartelística del cine cubano de uno de sus más grandes exponentes. Gracias Julio.

Humberto Solás: "La única prédica es una ética de cineasta..."

2011-12-04T09:17:00.000-08:00

Por Carlos Barba
Foto: Isabel Santos.

En homenaje al maestro Humberto Solás, en el aniversario 70 de su natalicio, vuelvo a publicar los fragmentos de una entrevista realizada en abril de 2007, en Gibara, que aparecerá íntegra en el libro inédito "Cuaderno de entrevistas del Cine Cubano" y en el documental "Humberto", ambos en fase de preparación.

"La noche del estreno de Miel para Oshún, aquí en Gibara, que fue una noche muy contradictoria, porque yo había hecho una secuencia donde se robaban una bicicleta, y la bicicleta era robada aquí en Gibara, que es una de las ciudades con menos delincuencia en toda la Isla y nunca habían robado una bicicleta y a mi se me ocurre ubicar a Gibara como escenario de esa secuencia, que podía ser Gibara u otra población de Cuba. De todas maneras era contradictorio porque yo había seleccionado Gibara como locación para unos veinte minutos de la película y se le daba relieve a la ciudad. Pero cuando el público de Gibara vio aquella escena, al final yo sentí que la película no había funcionado entre los espectadores y me pongo a averiguar y era que estaban, con mucha razón, disgustados porque es una ciudad que es un paradigma de comportamiento civil y yo había puesto el único robo, el único acto delictivo que ocurría en la película, lo situaba aquí. Inclusive, esa noche me iban a entregar un premio, me nombraban o me daban la llave de la ciudad, me nombraban algo y lo guardaron en una gaveta. Pero mientras eso ocurría, que yo me daba cuenta que algo malo estaba pasando, ya yo durante la proyección había imaginado la idea de un festival y les lancé la idea de hacer un festival en Gibara, anual, donde se exhibieran películas de muy bajo presupuesto, donde hubiera límites para la entrada de esas películas, y desde luego que les gustó la idea, ahí comenzó toda una aventura que culmina en este primer lustro, pero donde yo, para terminar respondiendo tu pregunta, tuve quijotescamente que enfrentarme a todos los dragones, a toda la mordacidad, la sorna, la risa, el escarnio, de mucha gente que se burlaba de la idea de un festival de películas pobres, de películas hechas con muy modestos recursos (...)

No vamos a confundirnos, en el Cine Pobre no hay ortodoxia, aquí nadie está obligado a una ideología estética, ética, no, Cine Pobre es cada uno hace su cine, su estilo, su género, como quiera hacerlo, como prefiera, no es esa cosa cerrada de Dogma en los países escandinavos que te dicen que no puedes hacer ésto, no puedes hacer lo otro, ¿qué tontería es esa?, aquí cada uno hace el musical, la comedia de costumbre, la comedia mordaz, satírica, de la sociedad contemporánea o el drama social, la tragedia, lo que tú quieras hacer, el género que tú quieras, documentales…, pero la única prédica es una ética de cineasta y utilizar modestos recursos que son los únicos que tienes a tu alcance, y el no tener grandes recursos no significa que tú te detienes, o se aprovechen de ello los productores de todos lados, para que tú no hagas tu obra, porque a lo mejor tú eres considerado un individuo que haces una obra incisiva, cuestionadora, polémica y eso tú sabes…, que no hay mejor censura que la de Hollywood, y la que tienen todos los países después de Hollywood, es decir: “Este proyecto es muy costoso, señor, no tenemos ahora el dinero, vamos a ver si dentro de cinco años tenemos los recursos, y el público este tipo de proyecto no lo asimila, la gente que va al cine tiene entre 14 y 20 años”. Estos son los malabarismos que utilizan las industrias y los estados,las instituciones supuestamente “altruistas”, “filantrópicas” y de “mecenazgo cultural”, para cortarle la lengua a los autores.

(...)aquí no se predican los diplomas, aquí tienen que ser premios que signifiquen que el realizador o realizadora se van a alimentar con tranquilidad por lo menos seis meses, ellos y su familia, o van a tener un instrumental tecnológico que les va a permitir mejorar la calidad de sus trabajos y ahorrar en recursos económicos, para que no gasten dinero alquilando equipos, etc; yo no favorezco en este festival el hecho de no otorgarle nada material a los autores: ¿usted quiere dar premios?, no se aparezca con las manos vacías, de un premio en tecnología o en metálico, afortunadamente tenemos 10 premios con esa consistencia, que son los premios fundamentales, que, de arriba para abajo, comienzan con el de Swiss Effetcs, que es el premio del ampliado a 35 mm, equivalente a unos 15 000 €uros, y hay premios más pequeños de 1000 €uros, que le viene muy bien a los cineastas, o también 1000, 2000, 5000 €uros en tecnología, con 5000 €uros tú te puedes hacer de un buen equipo, una buena cámara, un buen sistema de montaje de edición o de programas de edición, en fin, eso es lo que aspira el Festival. Los pequeños eventos tenemos que hacer eso porque Cannes es el único Festival que te da trabajo, cuando tú te llevas la Palma de Oro de Cannes, puedes esperar que vengan tres productores a decirte: ¿Qué película quiere hacer ahora?, porque Cannes da dinero, el Oscar también, pero de ahí para abajo, ni Venecia, ni ningún festival te da la posibilidad de continuarte en la profesión, entonces existen muchos pequeños eventos que son para atraer turistas a la ciudad, porque las autoridades o los negocios de la ciudad van a prosperar e inventan un festival. Gibara no se hace por estos motivos, no tenemos esa estructura de pensamiento ni económica, se hace para favorecer un determinado tipo de cine alternativo, independiente, libertario, y justamente la prédica va unida a la praxis, aquí los premios deben ser todos en especies. El premio "Cesare Zavattini" que lo daba Vando Martinelli, que era un empresario solidario en este país y de su pecunio personal, porque no se iba a ninguna macro-institución de beneficencia a buscar el dinero, de sus ganancias personales, él entregaba 3000 dólares anuales, lo que nosotros le dijimos: Vando, coge un respiro, porque además sabíamos que los negocios no le iban nada bien, pero afortunadamente entraron otros a sustituirlo, otras instituciones(...)

(...)cuando yo después de ese letargo obligatorio en que me tuve que sumir a los 50 años que es la edad mejor que puede tener un director de cine, entre los 50 y los 60, estadísticamente está considerado así, cuando yo regreso al cine gracias a la revolución tecnológica, no a una revolución social, sino tecnológica, yo descubro muchas cosas que también me inspiran a hacer el festival: al no tener el coproductor que esté arriba de mi diciéndome que tengo que tener a la actriz o al actor tal, porque ni él tiene dinero para traerme a nadie ni pagar el billete de avión de ningún actor, voy adquiriendo cada vez más libertad, y cada euro o dólar que se va ahorrando, es un euro de libertad, es un dólar de libertad, entonces descubro que el Cine Pobre te da una gran libertad de autor, como artista tú eres muy libre lo que te tienes que acomodar a un presupuesto y no hacer la historia de la Revolución Francesa como yo tuve el privilegio de hacer en un momento determinado o hacer el gran clásico de la literatura cubana de siglos anteriores, como fue Cecilia, El siglo de las luces, o sea, adaptándote a tu realidad, a tu presupuesto tú tienes una libertad con la cual yo nunca gocé hasta ese momento(...)

El Festival se propone una multivalencia, ha ido como haciendo pequeños laboratorios, primero fue con la música, que todos los años vienen, por ejemplo tener a Carlos Varela, Kelvis Ochoa inaugurando el Festival todos los años, ¡Dios Mío!, un hombre como Carlos, que hace un concierto cada dos o tres años y que la gente duerme frente al teatro Carlos Marx la noche anterior o dos noches anteriores para conseguir asiento, pues aquí él viene todos los años e inaugura y como él una pléyade de artistas que no los puedo nombrar todos, porque realmente es impresionante; lo cierto es que el Festival se ha convertido en un paradigma de actividad musical de vanguardia y música popular, y para mi la vanguardia es Cándido Fabré también, aquí no hay prejuicio, es la gran música cubana que puede ser Cándido Fabré, que puede ser Kelvis Ochoa, no se extrañen que Pablito Milanés o Silvio Rodríguez vengan en próximas ediciones, Omara Portuondo estuvo ayer aquí, en este maravillo lugar que es el teatro Ordoño que nunca se acaba de reconstruir, a pesar de que todos los años me dicen que tienen el presupuesto y los materiales, no se qué pasa, habrá razones técnicas, porque los gibareños aman mucho su ciudad y su patrimonio, alguna razón hay, a mi modo de ver tiene que ser presupuestal o técnica, llevamos cinco años, el presupuesto creo que ya el año pasado estaba consolidado y realmente no se ve el avance. Pero bueno, los pintores, presididos por Alicia Leal, Bejarano, bueno, en fin, la pléyade de fabulosos pintores que vinieron este año que fueron seis e hicieron una intervención aquí en el teatro, lo adornaron, lo engalanaron, con las obras que estamos viendo por allá atrás, que ahora van a formar parte del patrimonio de la ciudad, y el Festival logra ya ir consolidando un proyecto que el año que viene ya para mi va a ser oficial: El Festival del Cine Pobre invita a manifestaciones de las artes plásticas, manifestaciones musicales, y manifestaciones de artes escénicas: ballet, danza y teatro dramático, para que el año próximo sea multidisciplinario el Festival, en tanto todos estamos conscientes de que el cine es una suma de todas estas artes, como decía Eisenstein, incluye la ópera, mira, anoche hubo teatro lírico, es decir, toda la idea Eisenstaniana de que el cine era, algo que también era obvio pero que la gente no tenía mucha conciencia en ese momento, de que era la pintura, la escultura, el movimiento, la pintura en movimiento, el teatro magnificado por el montaje, un teatro que se desplaza por diez mil localizaciones, que puede saltar de un plano al otro, de un continente al otro, y entonces lo lógico es que el Festival no sólo sea de cine sino de todas las artes que contribuyen y que a su vez, en el último siglo, el arte cinematográfico ha influenciado también a la pintura, el cine ha influenciado a la literatura, a la música, al teatro, a las artes plásticas, eso lo vemos por doquier, la interacción que hay (...) El teatro Ordoño yo espero que con esta intervención de los pintores, y cuantas haya que hacer, logremos el objetivo de que se consolide y podamos hacer aquí lo que yo sueño: durante el Festival hacer en las mañanas exhibición de documentales y quizás algún que otro largometraje, en una sala bellísima, y en las tardes y las noches hacer actividades culturales con los talentos que nos visiten y que invitemos o que vengan espontáneamente. Otra cosa importante que el Festival se planteó desde el primer año: que la ciudad de Gibara acogiera una colección de arte contemporáneo cubano que fuera solamente superada por la colección habanera del museo, yo creo que ya se logró, con estas primeras, fíjate: Nelson Domínguez hizo dos obras, Agustín Bejarano seis obras, Alicia Leal por el estilo, y todos por el estilo, William Hernández, Rafael Pérez Alonso, Aziyadé Ruiz, la esposa de Bejarano, una gran pintora también, y la muchacha Nadia, que hace el performance Maraya Shells, que es una gran pintora también, es decir, ya la mejor colección de arte contemporáneo cubano, fuera de La Habana, está en Gibara, en total son como quince obras que ya entran en la galería permanente de la ciudad de Gibara, que maravilla, pero eso no se queda ahí, porque el año que viene ellos regresan e invitan a otros seis pintores para hacer las intervenciones en la ciudad, ah, ¿creemos que la INIT ?, pues ahí nos vamos a engalanar y recordamos que hay que restaurar la INIT y esas obras el museo las va recibiendo, el local es espléndido, los salones son inmensos, los van a remodelar ahora, los van a mejorar y ahí van a estar colgadas ya las primeras obras, dentro de un mes, y realmente lo vamos a inaugurar oficialmente en la próxima edición del Festival, está en la calle Independencia, en los bajos del museo colonial. Nelson Domínguez vino de jurado este año, pero muy pícaramente le dijimos: Tú te vas a quedar atrás, todos los muchachos pintando, ¿y no nos vas a dejar dos obras en Gibara?, porque Nelson es un hombre de muchos compromisos internacionales, traerlo aquí es un éxito, que haya estado en La Habana en ese momento, que no haya tenido una exposición, de hecho le comenzamos a hacer un documental(...)

Bueno lo de mis collages..., eso es una tontería, eso es una manifestación, es como una terapia que yo hago que he tenido la desvergüenza de exponerlo ahí y yo me he divertido mucho haciéndolo porque me ha quitado… Mira, en once años sin hacer cine y haciendo unos cursitos por ahí para poder sobrevivir, pues mi hobby ha sido dibujar cosas, coger una tijera, cortarlas, pegarlas (...) para mi ha sido divertido sobre todo cuando estoy en las sesiones de seminario y miro los cuadritos, yo me acuerdo muy bien el día, más o menos, la etapa en que lo hice y me digo: Estoy vivo, puedo hablar de cine y estoy aquí haciendo una actividad social importante, que nunca es suficiente, Carlitos, te lo juro..."

70 aniversario del nacimiento de Humberto Solás: "Un hombre con éxito"

2011-12-02T08:20:00.000-08:00

Escrito por © Carlos Barba.-NOTICINE.com Viernes 02 de Diciembre de 2011 14:04

El gran cineasta cubano Humberto Solas, del que se celebra este domingo el 70 aniversario de su nacimiento, es el protagonista del documental "Un hombre con éxito", que dirigió su colaborador Carlos Barba, quien nos ha hecho llegar en su recuerdo la transcripción de sus palabras, referidas a una de sus películas más conocidas, "Un hombre de éxito". Barba trabajó al lado de Solás en la última etapa de su trayectoria, en "Barrio Cuba" y "Adela":

"Es "Un hombre de éxito" una película que yo quiero mucho, es una película que significó varios retos, no solo el reto económico, ¿cómo hacer una película que hablara del presente perfectamente y que el público entendiera que estábamos hablando del presente, sin embargo una historia que ocurría en el pasado. Yo creo que el público entendió muy bien esta suerte de metáfora que es "Un hombre de éxito"(1986).

El motor directriz que hizo que yo me enfrentara a este proyecto era una honda preocupación en relación al ascenso casi irrefrenable de un oportunismo en el país que estaba generado por la bonanza, las vacas gordas de aquel momento del segundo quinquenio de los años ochenta, fue un momento de cierto esplendor, yo dije, bueno, vamos a hablar de esto, y para evitar los escollos de la censura, para que nadie, ninguna institución..., pues tú sabes que ha ocurrido que has hecho una película en que un médico comete tal error o una enfermera y entonces Salud Pública protestaba o sino el ministerio tal, de Relaciones Exteriores o el ministerio del Azúcar, porque no podía ocurrir que en la plantilla de esas instituciones pues que hubieran personas que hicieran actos execrables, en fin toda esa tontería de los ecos de cierto stalinismo cultural, que desgraciadamente llegan hasta hoy día, a pesar de todo lo que hemos sufrido parece que todavía no acabamos de aprender la lección, a pesar de tanta tragedia que se pudo haber evitado, tanta tragedia inútil, seguimos insistiendo en no pasar las películas cubanas de los noventa por la televisión, y menos las del dos mil, etc. Es decir, todo eso parte de un criterio extraño obstinado de pensar que el público, que es algo tan vago, inconexo, etcétera, está desprovisto de ideología, de mecanismos de defensa, el paradigma de la indefensión, "el público es tonto, el público es acéfalo, el público se rinde ante los proyectos del enemigo, el público claudica", y toda esa parafernalia, que de cierta forma también se convierten en un estímulo para el creador, es cierto que es un molino de viento porque realmente podría ser absolutamente suprimible, en tanto es parte de la imaginación o de la paranoia del Quijote, pero bueno si está ahí resulta hasta divertido, puede resultar hasta hermenéuticamente divertido decodificar toda esa armazón de tonterías que en definitiva...

Y este tipo de personaje proliferó mucho en ese quinquenio; yo diría que en toda esa década. Yo estaba harto, yo estaba harto ya, y dije, vamos a hacer una película que hable de esto, vamos a ubicarla, a insertarla dentro del panorama del antecedente histórico, porque desde luego el oportunismo de los ochenta no sale de la nada, tiene que haber largas tradiciones en el país para que aflore con tal soltura escénica. Y dije: vamos a comenzar la película en la década del 30, época muy dramática, lucha contra Machado, fin del machadato, una nueva etapa democrática más bien en bambalinas, después en los años 50, época igualmente paroxística desde el punto de vista de dónde nos ubicamos, quiénes somos, porqué optamos. Construí con Juan Iglesias y Nelson Rodríguez, la saga de la familia Argüelles, un triángulo, la madre, los dos hijos, devenían como una especie de panteón donde nosotros hacíamos toda la carga dramatúrgica y donde establecíamos diferentes puntos de vista alrededor del compromiso con la sociedad en caso de que ese existiese. Entre los dos hermanos Argüelles se creaba un abismo de incomprensiones, de diferentes militancias, diferentes actitudes ante la vida, y la madre en el centro como un punto neutro, un poco como la nación que es capaz de albergar al mismo tiempo las bondades y las excrecencias sociales, pero bueno en su rol mesiánico maternal pues tiene que amparar, le da cobija, le da espacio a todas las actitudes por antagónicas que resulten. Yo venía por otro lado de haber repasado en mi vida personal un muestrario también bastante crítico que me ponía sobreaviso con la condición humana y su vulnerabilidad a la hora de hacer juicios. Yo había hecho "Cecilia" (1981) unos años antes, había sido anatematizado, había sido vilipendiado esa película y yo mismo, la cantidad de anatemas que se hicieron alrededor de esa obra fue de tal magnitud que yo pude presenciar también los vaivenes de la política. La operación contra "Cecilia" no fue más que una macrooperación política para hacer un cambio de ficheros dentro del panorama de la cultura, un cambio de autoridades, quítate tú para ponerme yo, etcétera, etcéctera, o se intentó y después no se logró, pues yo tenía muy de cerca estas agonías, estas evidencias y esta proliferación de actitudes oportunistas. Son los detonantes para la existencia de la película "Un hombre de éxito".

A mi me habían calificado como el director que dilapidaba los recursos habidos y por haber no solo del cine cubano, latinoamericano, español..., una fama que me acompaña hasta hoy día, a despecho que llevo cinco años bregando con la idea del Cine Pobre. Lo cierto es que parte de los estigmas que acompañó la promoción en contra de "Cecilia" uno de ellos se basaban en los altos costos de producción, que yo había dilapidado el arca nacional, era casi como un enemigo público, si no el uno, era el dos, pero estaba en un rango muy alto, y me di a la tarea también de encontrar temas que fueran harto complejos desde el punto de vista de la puesta en escena, que no es el caso de "Amada" (1983) que era una película prácticamente de una sola locación, una obrita de Carrión que efectivamente se podía hacer con pocos recursos, en pocas semanas de rodaje, no era suficiente hacer "Amada", yo tenía que hacer una película de época y demostrar que mi staff y yo teníamos la pericia, la sabiduría, -ya hay que decirlo porque de tanto vilipendio pues uno tiene también que tener un poco de autoestima-, que teníamos la sabiduría de hacer una película que iba a dar la impresión de que había costado los millones que todo el mundo temía que yo dilapidara y hacer una película con un cuarto de millón, 250 000 pesos cubanos, y dar una visión de magnificencia; realmente hicimos la película con muy pocos recursos, con muchos elementos de utilería que son préstamos de amigos, o de personas que tenían colecciones particulares y la ofrecieron a la película, el vestuario era lo poco que quedaba en el ICAIC, ya en los años ochenta el vestuario estaba muy desvanecido, destruido, y bueno, fue una película donde la labor tanto del director artístico como del diseñador de vestuario fue muy encomiable pues de la nada, cual acto de magia crearon una imagen, una ostensión de prolijidad económica, la película da la impresión, según me dicen, de que costó millones, millones de dólares y realmente fue una película de muy modestos recursos.

Fue una apuesta muy bonita porque, de cierta forma, Humberto Hernández, el productor, fue el que decidió definitivamente que se hiciera esa película; cuando presentamos el proyecto estaba en que aprobado, en que no aprobado, había mucha reticencia, todavía estaba el maleficio con que habían coronado a "Cecilia" dando vueltas, y había cierta reticencia por parte de la dirección a no entrar en un nuevo periplo de riesgo, el caso que Humberto Hernández dijo: vamos a hacer la película, y vamos a hacerla y la vamos a hacer y esa voluntad, esa decisión, más todo un espíritu de cooperativa, de coherencia entre todos, logró que se hiciera la película. Es una película que yo amo mucho, "Un hombre de éxito", es decir, yo soy considerado el director de una sola película, yo soy considerado el director de "Lucía" (1968), está bien, yo estoy muy orgulloso de eso porque "Lucía" finalmente es una película muy carismática y que ha tenido un éxito mundial, así que me viene muy bien ser el director de una sola película, pero "Un hombre de éxito" es una película que yo quiero mucho.También significa una película en que yo experimentaba en muchos órdenes, en el orden de la música, es una película que la banda sonora es muy especial, Nelson Rodríguez trabajó muy bien conmigo esta banda sonora, es una película donde prácticamente no hay música incidental, se podría decir que es la historia de la música cubana la que va llevando incidentalmente la historia, la película hace un recorrido por diferentes etapas de la vida nacional, y al mismo tiempo ese recorrido está apoyado por las diferentes partituras de grandes hitos musicales que tenían ese carácter simbólico casi, de iconos sonoros.

La imagen fue una osadía. El director de fotografía Livio Delgado logró, a mi modo de ver, con el ORWO color, una policromía, y una densidad visual, hasta ese momento no lograda; el ORWO color tenía como problemas, el resultado siempre en las copias era muy terroso y había como una cierta vaguedad en la definición de los contornos, no sé si me equivoco yo no soy especialista en esta materia, entonces Livio ya en "Cecilia" había experimentado, pero bueno aquí yo creo que logró en base a mucha iluminación y después reduciendo el diafragma, una densidad, unos contornos bien definidos y una policromía que realmente no parecía una película hecha con un material tan polémico, a mi modo de ver, tan débil.

Luigi Nono, el gran músico de la vanguardia europea, lo había conocido, estaba aquí en La Habana, fui a un concierto de él que me parecía maravilloso, le pedí la partitura y me dijo: Hágala, es de usted, me dio los derechos de autor, yo que había trabajado con Leo Brouwer, pues también tuve el privilegio de tener a Luigi Nono en una partitura musical, que son los pocos momentos de música incidental en la película, porque como es una música absolutamente vanguardista, no funciona dentro del epicismo dramatúrgico de la música incidental del cine, funciona como un contrapunto, funciona en virtud de una dicotomía, nunca se enlaza, es como una especie de personaje sincopado en la historia.

Me gusta mucho Daisy Granados, me parece es de las mejores cosas que ella ha hecho, el personaje de esta cabaretera, picarona, ese pobre diablo de mujer, mujer de origen humilde que ha ascendido gracias a un precario talento y más que nada a ser la concubina de personalidades políticas, es un personaje que ella plasmó con mucha sagacidad, es muy inteligente la manera en que Daisy construyó su personaje, lo compuso, ayudada por mi, pero sabiendo todos que Daisy es una gran actriz, es como Isabel Santos, actrices que tienen una autonomía de criterio, y que realmente tú estás trabajando con grandes intérpretes de un instrumento, grandes ejecutantes, y basta una conversación para lograr la tesitura, la modulación que tú necesitas para tu puesta en escena. Tuvo el debut en el cine de Mabelita Roch, que fue una revelación en el cine cubano, actriz que desgraciadamente abandonó el país porque yo tenía muchos proyectos con ella, y César Évora que se "cosmopolitizó" con "Un hombre de éxito" y de ahí salió directo para las telenovelas mexicanas.

Si tenía sagacidad para dirigir actrices también lo tenía para dirigir actores porque había dirigido nada más y nada menos que a Eduardo Moure, en "Lucía", y a Ramón Brito, en el segundo cuento, es decir, que yo había demostrado saber hacer mi trabajo también con los actores masculinos, me parecía que me estaban metiendo en un cliché, en una especie de maniqueísmo, el director de las actrices, el que sabe llegar al alma femenina y toda esa tontería, y bueno, no era que me lo propusiera muy conscientemente, pero evidentemente mi inconsciente me llevaba a realizar una película como "Un hombre de éxito" donde realmente son los personajes masculinos los que tienen una preeminencia, para después en el futuro, pues hacer un cine donde tanto el personaje masculino como el femenino alcanzan igual grado de protagonismo, como es el caso de "El siglo de las luces" (1992), "Miel para Oshún" (2001), de la reciente "Barrio Cuba" (2005).

El estreno de la película fue muy simpático porque el mismo día que se estrenaba en el marco del Festival de Cine de La Habana, se hizo una crítica nefasta, cambiaron el nombre de la película por "Un hombre sin éxito", y el hombre sin éxito era yo, que no lograba poner una, que no atinaba a hacer nada de calidad, digo ahora divertido porque después la película obtuvo el Premio Coral compartido con otra película brasileña, al Mejor Largometraje de Ficción, y obtuvo Corales de fotografía, no recuerdo si de montaje, de dirección artística, etc, tuvo varios premios. A la sazón estaban en Cuba, Jack Lemmon y Gregory Peck, dos actores de Hollywood muy célebres, y ellos apadrinaron la película, la llevaron a Los Ángeles, la película resultó clasificada. Tú sabes que antes no era como ahora, la entrega del Óscar tenía varias etapas, y la película clasificó en esa primera etapa, inclusive yo estuve preparado para ir a Hollywood en caso de que clasificara entre las seis finalistas como Mejor Película Extranjera, es decir que la película tuvo un cierto éxito, también fue invitada a Un Certain Regard en Cannes, de hecho fue mi tercera participación en Cannes con una película. Fue una película que estuvo bien desde el punto de vista de la crítica, aunque con la crítica nacional yo seguía teniendo problemas todavía, y yo no tengo rencores, son heridas que se han cerrado.

Es de las películas cubanas, que se exhibe casi todos los años por la televisión cubana, es muy curioso, es la única película mía que yo puedo ver todos los años, y lo que pasa es que tiene una cierta magia, porque es de las películas que si tú mueves la cámara un milímetro para acá, descubres que es un desastre, es decir, está tan perfilada la imagen, está tan bien aprovechado el pequeño espacio de lujo, en el caso de que estemos buscando el lujo; el vestuario: César Évora tenía un smoking que estaba lleno de huecos, mejor dicho, tenía dos sacos, cuando eran los planos frente a cámara utilizábamos el saco que la polilla había desvastado por la espalda, y cuando él estaba de espaldas utilizábamos el otro smoking, y así fue hecha esa película, en la que un milímetro te podía traicionar, a mi me crea como un encanto de magia, circense, ¡cómo pudimos dar una imagen tan rica, tan ostensible con tan pocos elementos! Recuerdo otras cosas, yo tenía que hacer una fiesta en la casa del señor Argüelles, un hombre vinculado a la política, y no tenía el vestuario ni tenía los extras con el aire ese propio de gentes de la aristocracia, y tuve la ayuda hasta del cuerpo diplomático de aquel momento, a través de un grupo de amigos, pues estuvieron disponibles, las señoras fueron a Europa, mandaron a comprar sombreros de la época, charpes, bisutería de la época y por eso esa secuencia está muy bien cuando la cámara hace un largo dolly en el jardín de la casa del tío de los Argüelles, porque realmente cada uno de los extras están con un vestuario apropiado y tienen la expresión de clase que corresponde a su verdadero origen.

Yo estaba tan abrumado y traumatizado por la repercusión que había tenido "Cecilia" que me consideraba incapaz de hacer un guión, porque a pesar que yo tenía mecanismos de defensa bastante fuertes, me traicionaban a la hora de esbozar una nueva película. "Amada" es un guión de Nelson Rodríguez, y una codirección con Nelson Rodríguez, yo estaba realmente inválido, habían logrado su objetivo, me habían invalidado, o estaba en una fase de recuperación; en ese momento me sometí a un tratamiento de ortodoncia, y el dentista se llamaba Juan Iglesias, y mientras acudía a aquellas sesiones que no terminaban nunca, yo tenía la impresión que mi boca era terrible porque estuve meses siendo tratado, y desde la primera reunión él me preguntó qué película yo hubiese querido hacer en ese momento y yo le explicaba que quería hacer una saga republicana, una película contra el oportunismo, una película que todo se instrumentalizara en el seno de una sola familia, los antagonismos de credos, de visiones, de cosmogonías, de concepciones del mundo, entre hermanos, y yo hablaba y hablaba mientras él me indultaba las caries y todas esas cosas y un buen día me dijo: mira la película que tú quisieras hacer, tengo un esbozo de guión, y efectivamente me da el primer guión de "Un hombre de éxito" que fue el resultado de toda esta terapia con mis dientes, con mi boca y el guión surgió en base a eso, y fue el descubrimiento de un guionista para el cine cubano, Juan Iglesias".

Fuente: Noticine.com

Con la indiscutible fidelidad de los retratos (Textos en el blog, en homenaje al 70 aniv del Natalicio de Humberto Solás, 1941-4 de diciembre-2011)

2011-11-30T14:20:00.000-08:00

ENTREVISTA CON HUMBERTO SOLÁS

Por Joel del Río

Foto: Felipe Borrego (escena del filme Barrio Cuba, de H. Solás) Abril de 2006

El gran acontecimiento cinematográfico de los últimos cuatro meses en Cuba ha sido el estreno de Barrio Cuba, la más reciente película dirigida por Humberto Solás. Para placer de algunos y notable disgusto de otros, se ha transformado en una película muy bien reconocida internacionalmente (mención especial y premio del público en Huelva; Premio Especial del Jurado y mejor actuación femenina en La Habana; premio del público y mejor actuación masculina en el Festival de Santo Domingo; premio a las mejores actuaciones secundarias en Cartagena; elogiosas reseñas en publicaciones norteamericanas de tanto prestigio como Variety) al tiempo que en nuestro patio interior se transformaba en notable éxito de taquilla. Todo el mundo hablaba de ella, para bien o para mal, y así se convirtió, también, en una película polémica.

Un reciente estudio del ICAIC develó que un 75,5 % de los encuestados refirieron que el filme les había gustado Mucho o Bastante, y la mayoría (84.5%) consideró la película Excelente o Buena. Por todas estas razones, y porque se trata de uno de los cineastas cubanos más cultos, elocuentes y francos, decidí entrevistar a Humberto Solás, cuestionario, correos electrónicos y computadoras mediante, y creo sinceramente que el resultado escapó a la supuestas distancias y frialdades que le imputan al método. Juzgue el lector sobre estos fragmentos de una conversación por escrito que fue mucho más extensa y profunda de lo que es prudente presentar en estas páginas.

Barrio Cuba provoca una suerte de eclosión emotiva en la mayor parte de sus espectadores, como pocas veces se ha visto en las salas de cine de este país. Pero están aquellos que no se identifican para nada, que se resisten al mecanismo de identificación y hablan entonces de profusiones melodramáticas, de excesos operísticos muy poco relacionados con el ambiente contemporáneo, e incluso de estética telenovelera. ¿A qué tipo de público está dedicada la película? ¿A los más activos, sofisticados y críticos, o más bien busca inundar los invisibles pero innegables vasos comunicantes de la sentimentalidad cubana?

Confieso que he hecho el filme que quería ver, más como espectador que como cineasta. A ello debo añadir que pienso que el último cine cubano, tan sagaz en su incursión en la comedia popular, urgía de una versatilidad genérica donde al sarcasmo y a la aguda ironía que caracteriza esta experiencia de los últimos años se paralelizara otra modalidad, o sea, el drama social. Si Barrio Cuba es para algunos sentimental, melodramática o manipuladora de emociones, ello estará en dependencia del gusto o las aversiones estéticas de cada cual. Si, por el contrario, resulta una obra genuina, válidamente catártica en una gran mayoría, entonces me inclino a pensar que tuve razón en ejecutarla y que ella expresa con legitimidad esa subcorriente de complicidad que denominamos cubanía.

Es curioso, yo no soy espectador de telenovelas y cuando veo algunos capítulos de los seriales nacionales es en función del casting para mi próximo filme. No tengo mayores prejuicios contra el género, y admito esporádicos valores, sobre todo cuando pienso en las difíciles condiciones de trabajo a que la tradición productiva del género obliga. En cuanto a la ópera, pertenezco a aquella sección del público que “entra en el palco” cuando se interpreta el aria de mi predilección. En todo caso, recordemos la experiencia de Cervantes, que recogió el legado de la novela de caballería, que era en su época el equivalente de la telenovela latinoamericana actual, y reinvirtió el género, sin apartarse de él, construyendo la más grande obra literaria que jamás se ha escrito. Si queremos ver Barrio Cuba ―guardando la prudente distancia con el ejemplo anterior― como un filme que retoma aspectos de la telenovela (situación al límite, tramas y subtramas sostenidas a lo largo de la historia, una banda sonora que subraya emociones y sentimientos, etc.) podríamos estar de acuerdo, siempre que reconozcamos que yo no he hecho un filme de banal entretenimiento, que he puesto el dedo en la yaga de fenómenos de nuestra sociedad, y he construido una imagen fidedigna y no tontamente sublimada de un gran estrato de la sociedad cubana contemporánea, tal vez, la mayoría de nuestro pueblo.

Si la telenovela y sus hábitos dramatúrgicos ayudan a que Barrio Cuba, a pesar de la dureza que algunos le señalan, sea apropiada patrimonialmente por el público, entonces quizás yo esté en contacto con los mecanismos de la urdimbre colectiva, y habré sido capaz de enriquecerlos, renovándolos con un nuevo paradigma, más enjundioso, de ese subconsciente-consciente que nos imbrica como nación.

Barrio Cuba es el resultado de una urgente, irrefrenable y diría visceral necesidad de comunicación con el público y, ciertamente, no he emitido ni descartado, con gran satisfacción ético-estética, los recursos epistemológicos necesarios para lograrlo. Hacer, en cambio, premeditadamente un filme para complacer a la crítica cinematográfica o a los comités de selección de los grandes festivales, es a todas luces un absurdo, en tanto se trata de un grupo heterogéneo y extremadamente minoritario. Cierto es que se han hecho filmes muy bellos partiendo de estos objetivos, pero admitamos que ello reduce el papel del cineasta a un juego proclive al narcisismo, casi frívolo y en general con un nulo resultado de ascendencia en el público.

Si el cuerpo crítico es un ilustrado y lúcido intermediario entre la obra del autor y el público, ¿por qué castrar ese objetivo primigenio que lo valida? A estas alturas podría decir que estoy satisfecho con las manifestaciones de la crítica alrededor de mi película, porque ha primado la honestidad y no aparecen signos demasiado prejuiciosos en relación con mi derecho estilístico de autor.

Esta es probablemente su película más musical, si excluimos El siglo de las luces, pues en todo momento la música es un elemento narrativo y significante. ¿Cuáles fueron los criterios rectores a la hora de seleccionar la música y añadírsela a la historia?

La partitura fundamental de Barrio Cuba fue escrita por Esteban Puebla antes y durante el rodaje. A este excelente músico le llevé copias de filmes que él no había visto, como Umberto D, Rocco y sus hermanos y Aparajito. En estos filmes la música es ejemplar porque crea un nexo, o más bien una ósmosis indispensable con la trama, el estilo y los personajes. Yo adoro la buscada desmesura y la falta de prudencia en la música del neorrealismo. Los ecos de la ópera están por doquier. En Rocco y sus hermanos el dúo Visconti-Rota utiliza magistralmente una famosa aria de Tosca. Si imaginamos Ladrón de bicicletas, La Strada o Amarcord sin la partitura musical, ¿qué clase de películas serían? Otro tanto podríamos decir con las de Chaplin, y de la mayoría de los scores de los más grandes filmes. Claro que está el caso de Buñuel. En Viridiana no hay música compuesta. Seguramente todos los cineastas anhelaríamos lograr tanta intensidad de puesta en escena economizándonos la extensión emocional que proporciona una partitura que apoye nuestros propósitos. Pero Buñuel era único e irreversible, y que no utilice score Viridiana no quiere decir que superara a sus ilustres coetáneas de la mitad del siglo XX cinematográfico.

En Barrio Cuba yo tenía dos acápites fundamentales. Por un lado la partitura compuesta para el filme y por el otro un fresco musical de la contemporaneidad cubana que aparecía como música incidental, tal como lo había hecho años atrás con Un hombre de éxito y más recientemente con Miel para Ochún. En esta dicotomía de música compuesta e incidental, ninguno de los dos elementos debía alcanzar protagonismo sobre el otro. Y solo Dios sabe los dolores de cabeza que me proporcionó la esfera de la música incidental. Ello se debió a la tiranía de las casas productoras de música y a los derechos de actor, que a menudo piden cifras impagables para un filme del Cine Pobre. Resulta bochornoso que los cineastas cubanos estemos casi imposibilitados de usar nuestro propio patrimonio musical. Hasta los músicos recientes se escapaban de nuestro alcance, ya que la mayoría de ellos han vendido su obra a disqueras foráneas. Ello provocó, en un principio, que imaginásemos la utilización de la música incidental partiendo de lo que los diferentes autores compusiesen, o que interpretasen las canciones de manera gratuita, al igual que hacían los actores y actrices del filme, o sea, en espera de una eventual retribución que en el caso de los músicos sería a través de los ingresos que proporcionara el futuro disco del filme. En ello tuvo mucho que ver la capacidad de gestión de Jorge Perugorría, quien convocó a sus amigos de la esfera musical y que inmediatamente estuvieron de acuerdo. Hasta un músico extranjero se apasionó ―en su momento― con la idea y grabó gratuitamente un bolero a sugerencia mía. De hecho Silvio y Pablo nos cedieron sus estudios de grabación absolutamente gratis. Fue así que musicalicé el filme con aquellas obras que tan generosamente se me habían entregado. Pero a posteriori la realidad fue otra porque, entre otros obstáculos, la mayoría de las canciones, aun siendo inéditas, eran interpretadas por artistas que tenían contratos de exclusividad y había que negociar irremediablemente con las casas productoras. Como quiera que el filme ya estaba editado y hecha la mezcla final, nos vimos obligados a sustituir más de un 50% de la partitura incidental, lo que influyó desastrosamente en los costos, y muy negativamente en mi relación profesional con los coproductores españoles, ya que me vi forzado a rehacer el muy caro proceso de la mezcla final, amén de doblar las canciones que canta Limonta en la escena de seducción de Luisa María sobre la base de canciones que compusimos entre él y yo (¡!) en dos horas de grabación en La Habana.

Usted aseguró alguna vez que “el más imperceptible movimiento de la cámara, la más sutil intención de las luces adquieren valor de contenido”. ¿Mantuvo ese criterio fotográfico para Barrio Cuba, que podría suponerse signado por un modo de hacer menos programático y más espontáneo? ¿Le aporta algo nuevo la tecnología digital al empeño por lograr una cámara participante del discurso dramático, y comprometida tanto con la magnificación del trabajo histriónico como con la expresión acuciosa de ciertos ambientes?

Cada filme exige una imaginería determinada y ello establecerá un método de trabajo. En Cecilia, Amada, Un hombre de éxito y El siglo de las luces, Livio Delgado y yo preestablecíamos los planos día a día, a pesar de que no había un previo story board, que sí se iba creando al menos en nuestras mentes, en el fragor del rodaje. Rara vez nos alejábamos, en la marcha, de lo que ya habíamos planificado al inicio del día de rodaje. De manera que los actores entraban dentro del plano y ahí debían ser genuinos. Se trataba de filmes que yo amo mucho, barrocos, neoacadémicos y no transgresores. La luz y el movimiento de la cámara correspondían a una caligrafía elaborada más o menos cuidadosamente. El valor filosófico y emocional de un determinado cromatismo, el diseño de vestuario, el énfasis del carácter de la luz... se ocupaban de robustecer aquellos metarrelatos plenos en simbologías y referentes culturales.

Si algo me hizo descubrir Lucía fue que yo tenía, a despecho de un denominador común esencial, diversas maneras para expresar esa constante de individualidad artística. Me explico: El primer episodio, o sea, Lucía 1895 fue filmado de manera orgiástica, dionisíaca, donde la puesta se organizaba a base de impulsos e intuiciones irrefrenables. El segundo cuento, Lucía 1933, tuvo un carácter muy diferente ya que supuso una puesta más preelaborada y pensante. En cambio, durante el tercer episodio se estableció una mezcla de pasión y raciocinio que se explicaba porque la historia era interrumpida de manera épico-brechtiana por las tonadas tragicómicas de la “Guantanamera” primigenia, aquella que narraba los hechos espeluznantes de la crónica roja, y que nada tenía que ver con la reinvención que hiciera Peter Seeger años después.

En cuanto a la estética particular de Barrio Cuba, me gustaría antes explicar los presupuestos que la han generado, los cuales son afines al discurso que propaga el Cine Pobre y que podría ser una suerte de propósito fundamental que explica esta etapa de mi carrera, o sea, un rechazo a la verticalidad temática o al espíritu mesiánico de consejero del público. Un deseo de recuperar la voluntad de un cine nacional que solo es posible naturalmente a partir de muy modestos recursos de producción. De todo ello emana el diseño estilístico de Barrio Cuba, que caracterizaría como una propuesta de honestidad ético-estética donde desaparecen los aspectos frívolos “cosmopolitizoides” que favorecen las coproducciones tradicionales. Teníamos una cámara y una luz al servicio de la historia que se cuenta, un grupo de actores entregados a revivir sus personajes diría que en ‘estado de gracia’, se trataba de un autodocumental de la vida cotidiana, de un deseo de comunicación, de hacernos preguntas, de hurgar todos en lo conflictivo de nuestra realidad nacional sin que imperara la opinión del autor.

“Pocos años atrás, cuando muchos se mofaban de la idea del Cine Pobre no pude menos que expresarle a un grupo de ellos que los conmiseraba, al verlos defendiendo sin aliento ese Hollywood patético en que se había convertido el cine cubano en aquel momento. Afortunadamente mi terca prédica tiene ya resultados visibles y aquellos mismos han dado una vuelta de tornillo y ahora, para el bien de todos, auspician económicamente filmes modestos y sinceros. Yo no había inventado nada, porque muchos jóvenes en Cuba y fuera de nuestras costas se esfuerzan en hacer cine lejos de las instituciones que los excluyen, y por otro lado estuvo el ejemplo de Dogma y sus ecos en profesionales de América Latina (Ripstein, Subiela, entre otros) que desmontaban el narcisista andamiaje de los daneses y se proponían continuar su carrera gracias a las nuevas tecnologías. Estoy satisfecho porque en la pasada edición del Festival pudimos mostrar dos filmes que hubieran sido inimaginables solo una década antes. Soy de los que cree en la redención de la cinematografía y en una vuelta en espiral ascendente al verdadero cine de autor, inspirado en vivencias comunales, un cine ambicioso, artísticamente y éticamente tesonero en su lucha contra los demonios del mercadeo, y contra la falacia de la moda seudocultural organizada por la mediática y sus brazos estranguladores en Festivales y revistas especializadas, orientadas al servicio de una deliberada negligencia. Debo añadir que paralelo a la respuesta de este cuestionario estoy inmerso en la lectura de guiones y la visión de filmes que llegan al concurso del Festival. ¡Qué placer enorme descubrir algunas joyas literarias y cinematográficas realizadas en entera libertad y ajenas al ajetreo depredador antes mencionado!

Filme ocre, triste, desmesurado y sobrio a la vez, Barrio Cuba no pretende disimular la calidez de sus propósitos esencialmente humanísticos. El cine que yo hago está movido por la compasión, o al menos es lo que intento. Aun si ello significase una velada, solapada expresión de vanidad individual no renuncio, a partir de ahora, a que así sea. Me mueve el elogio al bien, aunque este consciente de que una polaridad excesiva me pudiera alejar de un vínculo preciso con los hechos. La objetividad clínica, de laboratorio, la subordino al deleite del amor al prójimo, so riesgo de que algunos me acusen de maniqueo y, en el peor de los casos, de haber pretendido justificar el dolor en aras de un mundo mejor. La degradación, la falta de esperanza, la pérdida de valores son acontecimientos que me laceran profundamente. Entonces, ¿qué hacer? Existen muchas formas de evasión, pero prefiero no optar por ninguna y arriesgarme a ser solidario con los que sufren y sufrir igualmente estos infortunios de nuestra época, consciente de que son inevitables y que son el sacrificio indispensable para los enormes cambios que acontecen en la condición humana.

Además de cierto vínculo con cierto neorrealismo (La tierra tiembla u Obsesión, de Visconti; Accattone o Mama Roma, de Pasolini), con algunos momentos del free cinema británico, o con la monumental Short Cuts de Robert Altman, Barrio Cuba se aproxima tanto al humanismo crédulo como al realismo filosófico que tantas veces usted mismo ha celebrado en cineastas como Charles Chaplin o Serguei Eisenstein. ¿Es esta una película de compendio o de resumen de influencias y referentes? ¿Acaso se ha liberado de toda influencia autoritaria y demarcada en términos de género, tema o estilo?

Seguramente Barrio Cuba significa una relativa liberación. Es como cuando los hijos se becan, o se mudan para otra casa y viven independientes, pero que retornan, quizás cada domingo, al lugar de origen. Ningún viaje es definitivo, al menos para mí. Es también como cuando se cree ir en línea y descubres que solo has hecho un círculo que te devuelve al lugar de partida. Estoy consciente de mis logros y nunca he practicado el ejercicio de la originalidad a ultranza, convencido de su mentirosa ilusión. Pero cierto es que este filme lo he realizado menos apegado a mis tutores, casi en estado de identidad confesional, sin la evocación de referentes, como si se tratase de un dialogo con el público a partir de cero. Nunca me ha interesado repetirme, y esta vocación surge en Lucía. No he querido ser reconocido por una marca de estilo a la vista, porque siempre he temido a un manierismo de mí mismo, cosa que me conduele en otros autores. Seguramente están los “genéticos” ecos de Satyajit Ray, de Vittorio de Sica, de Luchino Visconti, pero de ello estoy consciente ahora después de terminar el filme. Yo no soy lo que se dice un cinéfilo, y vivo cerca del altar de mis ídolos, que son pocos. Hay directrices de ellos que respeto y preservo, pero les pido permiso a ellos, mis emblemas, para caminar con mis propios pies. Cierto es que he querido añadir nuevos iconos a mi panteón pero no han demostrado, a la larga, ser dignos de esa condición.

Me entristece ver el culto actual a cineastas que, cuarenta años atrás, solo hubieran sido uno más en el ejército de la retaguardia cinematográfica. Pero vivo en la época del neoliberalismo y pareciese que es también la de la apostasía hacia la cultura verdadera, y del culto al panorama sombrío en donde un rayo de luz, tenue por el momento, nos devuelve la esperanza, y me refiero a la renovación que han supuesto las nuevas tecnologías y de esto ya hablé, quizás ampliamente, en el pasado reciente, a propósito del ensayo editorial para el catálogo de Cine Pobre del 2004, en Gibara. En estos días visiono en casa los filmes que llegan al Festival que presido... ¡Qué alegría constatar que se regresa a la realización de filmes prístinos, sin concesiones, con una vocación casi apostólica respecto a la profesión! Yo mismo, nunca hubiese podido realizar Barrio Cuba antes de la renovación tecnológica, porque mi única esperanza como cineasta, si es que la había, hubiera sido la de acometer una coproducción internacional con un guión pleno en renuncias y ausencias. Y heme aquí impoluto, respondiendo vuestro cuestionario.

En toda su filmografía solo pueden encontrarse tres antecedentes en cuanto al tratamiento de la contemporaneidad: Lucía III, Un día de noviembre y Miel para Oshún. De ellas, solo Un día de noviembre prescindía casi por completo, como Barrio Cuba, del tono humorístico y ligero, en la recreación del destino trágico de los personajes, víctimas de fatales golpes del destino. Aunque en Un día de noviembre predomine una contención ajena a los paroxismos de Barrio Cuba, ¿no intentan ambas conformar un retrato de lo ilogrado, del infortunio, el desconsuelo, la derrota y el desaliento? ¿No teme que resurjan las prevenciones de algunos respecto a un cine de sesgo pesimista, poco edificante y demasiado sombrío?

De su pregunta creo entender que se infiere el tema de la posición de complaciente alineación versus compromiso ético con la realidad que le ha tocado vivir al autor. Es cierto que he abordado muy esporádicamente la contemporaneidad y ello se debe a que cuando realicé Un día de noviembre tuve que pagar muy caro lo que se consideró un desvarío ideológico. Ello conllevó a que mi regreso al cine después de seis años de silencio sería en el marco de la historicidad, hablando de acontecimientos pretéritos, aparentemente desconectados de la incidencia en la realidad contemporánea. Cierto es también que me propuse que solo había de regresar al tema de la contemporaneidad de existir mínimas condiciones objetivas para incursionar en ella, como autor, con la sinceridad y honestidad que este esfuerzo requiere. Pero estaba determinado positivamente a esta “vuelta” a un cine de mayor compromiso.

Recuerdo que los pretextos que se esgrimieron para la realización de Miel para Ochún eran financieros. ¿Cómo asumir un filme que recorría la Isla con un staff de ochenta personas transitando en infinidad de hoteles, con camiones, gasolina, etcétera, etcétera? Si alguna vez tuve conciencia de la efectividad de las nuevas tecnologías audiovisuales en su correspondencia con la libertad autoral fue en ese momento, al desmoronar los óbices enarbolados con una nueva fórmula de producción que reducía el equipo a una veintena de miembros, aligerando el parque de transporte, y todos los otros costos e infraestructuras. De ahí surgió la evidencia de que por cada centavo que yo ahorrara en la realización de un filme ello redundaba en un centavo de autonomía, de manera que podría escapar, paulatinamente de los tributadores y persecuciones de la coproducción, con su saldo de inevitables concesiones, y proponer, como ha ocurrido en Barrio Cuba, un nuevo esquema que se resume así: la grabación del rodaje en términos de autonomía nacional, y un posterior proceso de coproducción para la posproducción cuando el filme ya está hecho y resulta en extremo difícil maniatarlo.

Y es ahí adonde quería llegar tanto en mi vida de cineasta como al responder su cuestionario. La batalla por la autonomía de la expresión comienza por devolverle al cine cubano su identidad de ejecución, que solo puede acrisolarse sobre la base de un cine nacional. Recuerdo que en mis inicios solo se hacían coproducciones cuando las exigencias del presupuesto, o los temas abordados, las explicaban. Pero durante la década del 90 se comienzan a hacer filmes nacionales solo con este esquema, dado que el Instituto no podía encarar los presupuestos económicos. De ahí los males que ya he comentado, el otro aspecto se refiere a ¿y qué hacer para que un autor controle autónomamente sus recursos, sin interferencia foránea? De ahí el conflicto de fondo y la inquietante toma de posición que también aludía al inicio de mi respuesta. Debo aclarar que no soy enemigo acérrimo de las coproducciones. Creo que ellas han permitido la continuidad nuestra dentro de la profesión, exorcizando un mal que parecía inevitable. De lo que sí soy enemigo es de que en nombre de la multinacionalidad de un filme se traicione, o al menos se menoscabe, un retrato vivo y legítimo de nuestra sociedad”.

Fuente: La Jiribilla

Invitación, aniversario-tributo a Humberto Solás en su 70 aniversario

2011-11-30T08:32:00.000-08:00

¡Actor no, director de cine! (Textos en el blog, en homenaje al 70 aniversario del Natalicio de Humberto Solás, 1941-4 de diciembre-2011)

2011-11-29T09:22:00.000-08:00

Elia Solás, la guionista de Miel para Oshún, vive con el orgullo de haber tenido el gran privilegio de ser la persona que más tiempo estuvo cerca del gran cineasta Humberto Solás, desaparecido físicamente hace tres años y quien en este 2011 hubiese cumplido siete décadas de vida

Por José Luis Estrada Betancourt

Foto cortesía Familia Solás

Con una claridad absoluta, Elia Solás asegura que recuerda como si hubiese ocurrido ayer el día en que su mamá entró a la pequeña casita, ubicada en Aguiar y Tejadillo, en La Habana Vieja, con el niño en sus brazos. «Todo, todo, se puso azul. Humberto se había ganado dos canastillas: la de la Iglesia del Santo Ángel y la de unas bordadoras que celebraban el Día de Santa Bárbara, porque había nacido el 4 de diciembre de 1941.

«La gente dice que se siente celos cuando de repente aparece un hermanito más chiquito. Pero conmigo eso no ocurrió jamás. Para mí había llegado un juguete maravilloso... Bueno, un juguete maravilloso hasta que con nueve años me noqueó. En verdad, con mis 11 años era bastante dominante y quería obligarlo a hacer lo que yo quería. Por eso, para que lo respetara, me dio un trompón en la quijada como los que seguramente propinaba Teófilo Stevenson. Vi estrellitas. Y claro, nunca más lo obligué a nada. Empecé a respetarlo. Humberto se había transformado en un juguete “de cuidado”, pero muy, muy querido», sonríe a Juventud Rebelde la hermana del alma del gran cineasta cubano, desaparecido físicamente hace ya tres años.

Casi siete décadas después de aquel suceso que le cambió la vida para siempre, Elia vive con el orgullo de haber tenido «el gran privilegio de ser la persona que más tiempo estuvo cerca de Humberto. Permanecimos siempre muy unidos y éramos cómplices de millones de cosas. Ahora seguimos siéndolo y lo seremos eternamente».

Y justamente por haberle asistido ese honor es que hoy la guionista de Miel para Oshúnno olvida aquellos tiempos en que empieza a ver en Humberto —con quien se entendía hasta sin palabras—, algo más que un ser humano con ciertos «misterios». «De niño fue muy introvertido, no era un muchacho de maldades, sino inocente. Por eso siempre intentaba protegerlo, porque me daba cuenta de que era diferente, aunque no estaba consciente de a qué se debía esa diferencia. Descubrí más tarde que la respuesta se hallaba en su enorme sensibilidad.

«Ya con nueve, diez años, dijo muy firmemente que sería director de cine. Ingenuamente, y con mi falta de talento para valorarlo, hasta quise modificar sus palabras. Pero él muy serio me miró con cierta pena como diciendo: “Pobre, no me ha entendido”. Intenté convencerlo diciéndole que quizá podría actuar. Entonces me rectificó: ¡Actor no, director de cine!».

Lo cierto es que no existía ningún antecedente familiar, solo que a la madre de los Solás le fascinaba el cine. «Por ahí comenzó nuestra afición por el séptimo arte. Salíamos de la escuela pero no íbamos a hacer las tareas escolares, primero pasábamos por el cine. Mi mamá huía de la casa, porque la nuestra era el reino del juego, un lugar donde tocábamos el mundo marginal. Había etapas de más o menos juego, pero siempre perseguidos, siempre la policía amenazando con entrar y entrando. Yo sufría mucho, pero Humberto, tan callado, únicamente observaba. Vivía esa situación muy adentro, pero adorando a nuestros padres. En ese ambiente, donde no existía tradición cultural, ni hábito de lectura, Humberto se creó un mundo aparte y surgió el intelectual que conocimos. Para mí eso sigue siendo sorprendente».

Después vino la etapa cuando Humberto, con 14 años, se integró al clandestinaje. Y esa dura experiencia, sin dudas, marcó sus primeras obras cinematográficas, o al menos Elia así lo ve. Para muchos no deja de ser curioso que, a pesar de que había participado en la insurrección, en el movimiento de acción y sabotaje del 26 de Julio, «su cine andaba como en otra galaxia: Minerva traduce el mar, El retrato, documentales más cercanos a cortos de ficción; historias que parecían que se desarrollaban en cualquier otro lugar y no en Cuba. Tal vez Humberto necesitaba borrar esa vivencia tan fuerte», explica esta mujer de ojos que destellan un brillo casi inusitado.

Nace un cineasta

En 1959 se fundó el ICAIC, y Solás quiso formar parte de una institución que haría historia. Su hermana trae al presente aquella vez en que Solás se decidió a probar suerte, y a la hora de exhibir la película el proyector se quemó. «Se llamaba La huida y la rodó en el Cotorro. Entre varios amigos y la familia nos pusimos para que pudiera comprar una camarita, y con una chivichana hizo rodamiento de la cámara y todo. Era una peliculita de cinco, seis minutos, que presentó para demostrar que podía ser un cineasta».

—Porque, evidentemente, no había estudiado cine...

—¡Qué va a estudiar cine! Solo hizo, muchas veces acompañado del gran editor Nelson Rodríguez, un «posgrado» en neorrealismo italiano. Él me embullaba: Vamos a ver tal película, y yo iba detrás. Descubrir el neorrealismo resultó fascinante para Humberto, para Nelson y para mí. Humberto siempre me insistía: Yo quiero hacer un cine así. Él era mecanógrafo entonces, primero trabajó con un abogado hasta de mensajero, y después en el Ministerio del Trabajo cuando triunfó la Revolución, y yo me decía por dentro: Ay, Dios, ¿cómo va a pensar en hacer cine? Era algo tan grandioso aquel cine, y tan difícil de pensar en cine en Cuba...

«Cuando surgió el ICAIC, él vio los cielos abiertos. Ya Nelson estaba allí y no sé cómo Humberto conoció a Alfredo Guevara, quien le propuso que hiciera algo. “Haz una película”. Y aunque no se pudo proyectar La huida, el hecho sirvió para que le dieran una plaza de mecanógrafo en la revista Cine Cubano».

Sin dudas, Manuela resultó, constituyó un éxito, y le abrió definitivamente las puertas hacia el largometraje. «Acuérdate de que ya para entonces había filmado una serie de documentales. Trabaja en unos casos como asistente de dirección, y otros eran suyos. Su pasión desmedida por el cine conllevó a que le brindaran esa oportunidad».

Manuela también demostró que a Humberto se le daba muy bien encontrar a no actores. Y muchas pruebas dio de ello. «Un día se me acercó y me dijo: “Para Manuelaquiero una campesina de verdad, de la montaña». Aquello me pareció descabellado, mas como eso era normal en el neorrealismo... Y se fue a recorrer la Isla. De vuelta me confesó: “He conocido un rostro fascinante, la síntesis de la cubanía; lo más bello que uno se pueda imaginar...”.

«Legrá tenía un montón de hijos y un marido que no quería que trabajara, pero ella se paró en sus trece. “¡¿Cómo?! Sí me voy a filmar, dijo. Me marcho para La Habana y mis hijos que los cuide fulana”. Adela, que es una mujer muy valiente y demostró que podía convertirse en una gran actriz, se lanzó sin pensarlo con aquel muchacho jovencito que iba a realizar su primer proyecto importante. Claro, Humberto también había conquistado a un actorazo de primera como Adolfo Llauradó, quien disfrutó sobremanera la película y deseaba seguir colaborando con él. Llauradó se había percatado de que Humberto, a pesar de su juventud, era muy serio y muy profesional».

Un tiempo después, Humberto, Nelson, Llauradó, Elia y su hijo Sergio, se encontraron en el Centro Vasco, donde se reunieron una noche para comer. «Ahí se empezó a hablar de Lucía, rememora Elia. “Yo quiero hacer un largometraje, y que tú protagonices una de las historias”, animó Humberto a Adolfo. Y lo conquistó nuevamente».

Para esta increíble mujer, de energía inagotable, Lucía representó una etapa floreciente, tan positiva como negativa, «porque se convirtió en el referente eterno y eso es terrible cuando ocurre al principio. Él mismo sentía que debía superar Lucía, mientras a la gente le costaba admitir las otras propuestas magníficas que nos entregó, porque siempre comparaba.

«¿Quién puede negar que Cecilia es una película increíble? Asimismo, en mi opinión, El siglo de las luces es una obra maestra. Hasta Un hombre de éxito, que resultó para él una “carcajada”, que rodó con esa cosa de diablito que a veces lo acompañaba, para indicar que podía hacer parecer algo de lujo sin serlo... Pero Lucía fue la que más felicidad le propició y la que más tragedia le procuró».

No escasearon los momentos difíciles en la brillante carrera de Solás, como cuando terminó Un día de noviembre, o las ya mencionadas Cecilia y El siglo de las luces, cuyo estreno tuvo lugar en el Karl Marx. Elia nos cuenta: «Humberto vivía aún frente a mi casa. Cuando regresó del teatro se encerró en su cuarto y no recibió a nadie más que a mí. Yo le cogí la mano. Estaba tirado a morir. “Mira, Humberto, tu cine se adelanta siempre a su época. Milagrosamente hiciste Lucía y se comprendió, pero todo lo demás ha sido un cine que trata siempre de ir adelante. Eso, desgraciadamente, lo valorarán mucho después. Te toca sufrirlo”, le advertí con no poco dolor. “¿Ese es el consuelo?”, me preguntó. No, esa es la verdad, le respondí».

—Elia, años después llegó Miel para Oshún y Barrio Cuba, pero siempre se habló de una trilogía...

—Siempre pensamos que se trataba de una tercera película, pero después que él se fue me di cuenta de que la trilogía la completaba el Festival Internacional del Cine Pobre. Ese es su tercer proyecto. Jamás olvidaré el día en que se apareció y me dijo: Ya tengo el nombre del festival. ¿Sí? A ver, ¿cuál? «Festival Internacional de Cine Pobre». ¿¡Qué!? ¡Ahora sí que te volviste loco!, lo «regañé». Y él comenzó a reírse con sus carcajadas solasianas, que inundaron toda la casa. Ahora sí que los voy a poner a pensar, reía, porque a él le encantaba hacer esas maldades intelectuales, refinadas. ¿Tú estás seguro de que ese es el nombre?, le volví a interrogar, porque me daba un poco de miedo. Pues claro que sí, me reafirmó. Y Humberto una vez más, como lo consiguió a lo largo de su vida, había dado en el clavo.

Fuente: Juventud Rebelde

Barrio Solás (Textos en el blog, en homenaje al 70 aniversario del Natalicio de Humberto Solás, 1941-4 de diciembre-2011)

2011-11-28T10:35:00.000-08:00

Adela Legrá, Humberto Solás y Ana Domínguez, rodaje "Barrio Cuba", de H. Solás (foto: Felipe Borrego)

Por Rafael Grillo

La piel alba y la cabeza nevada como cumbre de montaña. Camisa y pantalones blancos. En el rostro una sonrisa pulcra, cual si encarnara el bienestar de un ángel. Tan impoluto se ve Solás, tan claro, que casi luce irreal. Empero, en un contraste como de pintura barroca, está cercado por humano estrépito y jolgorio, abrasado y abrazado por el calor y el júbilo de gente. Gente de todos los colores, de todos los sueños y todos los pensamientos, de castas y saberes múltiples, gente de pueblo, la gente de Gibara. Y también ciudadanos de todos los países, unidos junto a Humberto por la causa del Cine Pobre. Es fecha de inauguración, y Solás va al frente de la caravana del mundo que arrollará las arterias de la Villablanca para enmarcar el inicio de una nueva edición del Festival.

De Humberto Solás me llegan a la mente, y me sobrevendrán por un tiempo inmensurable, otras imágenes y recuerdos, bastantes para guardar como souvenires gratos en el almacén de la memoria…

El primero, cronológicamente, es del día que lo conocí, ya no como un icono distante del cine cubano, sino de veras, delante de mí, el hombre de verdad. Fue en los portales de una casa en las cercanías de la avenida de Puentes Grandes, en medio del trasiego del rodaje de Barrio Cuba. Estaban ahí los sobrinos Sergio y Aldo Benvenuto, aliados suyos en la realización de la película y el Festival; Adela Legrá, su actriz fetiche desde la era de Manuela; un actor bien escogido como Felito Lahera; Rafael Solís, el director de fotografía predilecto en la última etapa; Carlos Barba, un joven discípulo; y otros tantos, demasiados como para nombrarlos a todos, cada cual ocupado en sus asuntos dentro de la película. Yo, el periodista novel, comencé impresionado, disparando las preguntas a modo de ráfagas nerviosas, mientras Solás, el tipo culto y curtido, de larga vida y experiencia, fumaba su cigarrillo —ese al que los asépticos achacarán ahora el nefasto mal del Cangrejo— y me contestaba con el donaire del Don Apacible. Su actitud salvó la entrevista; y al final, terminé contagiado con su sosiego y embullado, definitivamente, a seguir los avatares de la filmación para sacar de esas vivencias un largo reportaje.

Me viene otro flash, uno que no dejaría se lo tragaran las olas furiosas del olvido: un feliz Humberto posa para mi cámara. Lleva su atuendo de hijo de Obatalá y está sentado entre tres músicos mestizos: David Torrens, Kumar y William Vivanco. Detrás, el viejo torreón sobre la colina de la Villablanca; al fondo, la boca de la bahía. Vuelvo a sentir el entusiasmo de aquel momento, cuando imaginé esa foto al día siguiente en la portada delDiario del Cine Pobre, bajo este titular: “Play it again, Solás”; como haciendo un guiño de cinéfilo de pura cepa al clásico Casablanca, y a suHumphrey que pide al pianista negro: “Tócala de nuevo, Sam”.

De esas jornadas de los Festivales de Gibara, seguro estoy de que nadie pudo dejar de reparar en un cuadro entrañable, que a diario se repetía, y año tras año: Solás, de caminante simple por las humildes calles de Gibara, era un acontecimiento maravilloso. A su paso los rostros de los lugareños se iluminaban, tal si las cerillas de la esperanza se les hubieran encendido en el interior. Ellos lo idolatraban; y nunca como en esos instantes, he podido estar tan cerca de comprender lo que significa la creencia religiosa en el advenimiento de un Mesías.

Además conservaré esta postal de vanidad: fue una mañana en las oficinas del quinto piso en el edificio del ICAIC, durante los días previos al sexto Festival, en que Humberto Solás, quien además de ojos de cineasta de estirpe demostraba a cada rato poseer una pluma atinada y lúcida, se me acercó, y a propósito de un artículo que yo había escrito sobre el Cine Pobre para El Caimán Barbudo, me dijo: “Lo que yo busco decir con mucho esfuerzo y varias páginas, lo resumes tú en pocas con elegancia y facilidad”. Elogio enorme, que no lo menciono solo porque me sirviera para dignificar el amor propio; sino, igualmente, porque me ayudó a concebir la estatura humana de Humberto Solás, la de alguien que ha adquirido la capacidad de reconocer la virtud en patio ajeno.

Por eso quisiera culminar creando la figura de Solás que dejaría para siempre en mi galería de los buenos recuerdos. Y será un retrato psicológico armado a partir de los títulos de esas hermosas películas que hizo; las que, sin duda, no serán bajadas del pedestal de la mejor tradición del cine cubano, para seguir siendo evocadas con orgullo por sus compatriotas:

Solás fue “Un hombre de éxito”; sin embargo, no alojó soberbia y se comportaba modesto. Como cualquier hombre, Solás albergó en el pecho una costilla “Lucía” y “Manuela” y “Amada” y “Cecilia”. Brumoso podía parecer Solás, algunas veces, cual “Un día de noviembre”; y en muchas ocasiones brillante, como “El siglo de las luces”. La mirada de Solás endulzaba, cual “Miel para Oshún”; y todo en él era abierto y diverso, como si entero le cupiera un “Barrio Cuba”.

Fuente: La Jiribilla

Documental "Del cine y otros demonios" en TV Cubana

2011-11-27T12:16:00.000-08:00

Hoy en el programa de la tv cubana De cierta manera, conducido por Luciano Castillo, por el canal educativo II, "Del cine y otros demonios", un documental de Carlos Barba,

con el cineasta Juan Carlos Tabío, que habla de su filme "El elefante y la bicicleta" (1994).

Humberto Solás, recorrido tangencial (Textos en el blog, en homenaje al 70 aniversario del Natalicio de Humberto Solás, 1941-4 de diciembre-2011)

2011-11-27T09:54:00.000-08:00

Escrito por © SBS-NOTICINE.com

Jueves 03 de Noviembre de 2011 10:17

Por Sergio Benvenuto Solás *

Corrían los años 70 del siglo XX y el joven de treinta y tantos años, Humberto Solás, cargaba sobre sus hombros la inmensa responsabilidad de haber creado esa gran pieza descriptiva de la nación cubana, "Lucía" (1968), desbordándose a sí mismo con este mosaico histórico, sociológico y cultural de una nación en pleno resurgimiento social, estrenada en el umbral de la extraordinaria vorágine creativa de los sesenta, el clima más revolucionario que viviría la nación cubana en el siglo XX. "Lucía", aunque tuvo también sus detractores, la acompañó de inmediato un éxito de público, crítica y premios arrollador para aquel joven que se colocaría para siempre en la primera línea de la élite cinematográfica latinoamericana.

Humberto Solás no era un teórico en el sentido más ortodoxo de la palabra y mucho menos en sus inicios. Su potencial capacidad artística era su motor, su alimento espiritual y el camino de su formación como intelectual. Transita de lo intuitivo y sensorial a lo filosófico a la premonición sociológica y a la sabiduría, virtud aún poco estudiada, pero que hoy encuentra consensos entre muchos profesionales cuando se valora su recorrido artístico tanto desde una perspectiva y un análisis contextual, como desde el presente. Su origen humilde, a diferencia del de otras figuras de su talla en nuestra cultura, corresponde al seno una familia cuyos niveles de instrucción eran muy bajos, pero donde sus padres tuvieron la inteligencia, en tanto emergían socialmente y adquirían capacidad financiera media, de garantizar a sus hijos asistir a los buenos colegios desde muy pequeños hasta lograr su formación media.

Triunfa la Revolución de 1959, cuando Humberto tiene solo 17 años. Poco tiempo después, su entrada en el ICAIC como mecanógrafo de la revista Cine Cubano, dada su irrevocable vocación de cineasta, devendrá en importante modo de formación y coyuntura decisiva para su debut como director de cortos. A pesar de ello, no es fácil comprender cuan intenso fue el proceso de formación autodidacta y construcción intelectual de un joven que luego de su magistral debut en "Manuela" (1966) con solo 24 años iniciaría luego el rodaje de uno de los films más complejos y reveladores de la cultura cubana, "Lucía" (1968). Con "Manuela" y "Lucía", Humberto configura y construye para las artes visuales la mirada estética que guiará el cine cubano e influirá en el audiovisual nacional hasta nuestros tiempos.

"Un día de Noviembre" (1972), una obra que se revaloriza día a día, en su momento fue hija adoptiva de la incomprensión que pospuso indefinidamente su estreno. El film que le ofrecía una primera experiencia de convivencia sicológica ante el eventual fracaso, lo coloca ante un doloroso periodo de introspección y reflexión, en el que finalmente Solás debe encontrar una estrategia conciliadora de su voluntad artística y el camino que podía seguir. Y cierto es que dentro del panorama de atropellos de los 70s, en el ICAIC se vive en un tono mucho más moderado en este periodo.

La “estrategia tangencial” es el camino posible ante el castigo al artista, es la opción de quien muy pronto y a solo dos años demostraría su potencialidad como creador cuando ante un “encargo menor” produce esa preciosa obra épica sobre el pueblo haitiano, el documental "Simparelé" (1974), en el que Humberto logra un majestuoso documental musical, cuya riqueza visual, manejo del cine a color y profundo contenido histórico, recreado a veces desde la ficción, una cuidada dirección de arte y el movimiento corporal de su excelente coreografía, le hacen sorprender a muchos al obtener la codiciada Concha de Oro al mejor cortometraje en San Sebastián, en ese mismo año.

Pronto, el éxito de "Simparelé" unido a la intención de Humberto de trabajar en una historia asociada al pueblo chileno, tema que hizo confluir sus intereses y los del ICAIC, generó gran interés y le permitió volver a la ficción para realizar "Cantata de Chile" (1975), film de enorme valor en su experimentación estética, que además, en la arena internacional le valió numerosos premios y gratificaciones entre los que destacó en 1976 el codiciado Gran Premio "Globo de Cristal" del XX Festival Internacional Cinematográfico de Karlovy Vary, Checoslovaquia. Solás cierra la década de los 70s con uno de los documentales imprescindibles del cine cubano, "Wifredo Lam" (1979), una obra privilegiada donde la música de Leo Brower, la fotografía de Jorge Herrera y el montaje de Nelson Rodríguez, trabajados al máximo de la exquisitez, convierten a esta pieza, en obligada referencia y obra mayor de valor patrimonial del documental latinoamericano.

Humberto Solás entiende y aprende mucho de este periodo al que pudo sobrevivir e incluso crecer como artista, etapa que lo prepara para enfrentar nuevos retos artísticos. El intelectual Solás está completamente formado cuando emprende el camino de "Cecilia" (1982). Esta superproducción, con sus diferentes versiones para el film y con un magnífico serial, quizás el más importante realizado en la Isla y desconocido por el público cubano; en el momento de su estreno y bajo una bestial ofensiva de la crítica, aupada desde sectores decisores, irrita como nunca antes (ni después) lo hiciera un film cubano a sectores ultraconservadores de la población y algunos sectores de la intelectualidad, por su manera de abordar la religión, los sentimientos y de manera especial por la incomprendida adaptación de la novela de Villaverde. Pero internamente en el ICAIC, "Cecilia" representó para otros cineastas, la espera, creó conflictos varios, porque Alfredo apostó al asumir su complejidad y volumen de producción.

Alfredo Guevara, en su condición de máximo responsable del surgimiento del ICAIC, patrocinador también de retos como la realización de Memorias del Subdesarrollo y la compleja producción de "Lucía", justo en el año 1968, ha sido en importantes circunstancias un visionario arriesgado y hoy, con "Cecilia", quizás el tiempo haya validado su actuación. Valdría preguntarse si por razones artísticas, históricas e incluso de producción, ¿sería el mismo el cine cubano sin este film?

Humberto cuando enfrenta "Cecilia" no es completamente ingenuo y seguramente puede vaticinar que su film generará polémica y algunos contratiempos, pero el siniestro ocurrido con esta obra maestra del cine latinoamericano, la humillación que conduce a Solás a estar a punto de abandonar su carrera, el dolor, la frustración y el engaño que fabrican los medios, capaces de ocultar incluso que "Cecilia" era la primera (la única) película cubana en selección oficial en Cannes y que llegó a estar entre las predilectas para el premio a la mejor fotografía, respondía a las penosas luchas de poder por arrebatar a Guevara la joya envidiada y codiciada que era el ICAIC, un ámbito cultural que se expuso con sus divisiones internas, pero que finalmente, y por ventura, no cayó en las ácidas manos que lo ambicionaron dado que se erige desde su interior la nueva dirección, que al margen de otras valoraciones, sabrá preservar con sentido de pertenencia y visión el legado colectivo del ICAIC. "Cecilia" y su debacle fue solo el pretexto para usurpar a Alfredo el proyecto cultural post-revolucionario más completo, una mina de oro vislumbrada desde la emergente prosperidad y las ambiciones surgidas en paralelo en los 80.

Como demostración ética y de respeto de un ICAIC del que siempre había sido parte indispensable el cineasta y teórico Julio García Espinosa, en su mandato se preservan intacta una mayoría de las funcionales estructuras y se crearán también otras nuevas inspiradas en el espíritu del respeto al diálogo y a la polémica defendido por los fundadores en los 60. Muy poco tiempo después del sufrimiento provocado por la ofensiva anti-"Cecilia", se ofrece a Humberto la oportunidad de realizar "Amada" (1983), film extremadamente austero a partir de una adaptación literaria realizada por Nelson Rodríguez, quien además codirigirá el film en una experiencia única en la amplia colaboración profesional de ambos. El film resultó una impecable puesta en escena, que presenta a través de una perfecta reconstrucción de época la interpretación admirable de una bellísima Eslinda Núñez, sublime en su trabajo actoral.

La década de los ochenta dejaba atrás la compleja circunstancia del Mariel al vivirse prontamente una cierta prosperidad económica necesaria y ansiada por la población. El cine cubano de entonces crecía en número de producciones y se daba un interesante proceso de interacción con el público. Si bien es cierto que pulularon también algunas obras menores de carácter puramente comercial, significativas fueron varias de las comedias de esta década. Para entonces Humberto preparaba uno de sus proyectos mayores, "Un Hombre de Éxito" (1986), a partir de una tangencialidad diferente, esta vez a través del recorrido político de un oportunista enmarcado en los principales acontecimientos de la primera mitad del siglo XX cubano hasta el año 1958. Allí, el artista denunciaba la corrupción que acompañaba al oportunismo político de los 80 en un film cuya profundidad de reflexión adquiere una contemporaneidad imperecedera. Con "Un Hombre de Éxito", película agasajada por importantes premios, el cine cubano inicia una nueva era de films críticos con la contemporaneidad que mucho aportarán al debate y a la cultura cubana.

Mientras comienza el declive económico de los 90, a partir de la caída del campo socialista, cuando el polémico estreno de "Alicia en el país de las Maravillas" propicia la salida de Julio García Espinosa de ICAIC, en medio del peligro de la desintegración de la Institución misma, Humberto Solás está enfrascado entonces en su más ambicioso proyecto "El Siglo de las Luces" (1992), que constaba inicialmente de una versión de tres horas para cine y una miniserie que finalmente quedó en tres capítulos de hora y media cada uno. "El Siglo..." se produce justo en el inicio del periodo especial y a pesar de que era la más grande producción de la historia del cine cubano, gracias a la coproducción francesa, su realización coincide con complejas circunstancias nacionales y del propio ICAIC. La errónea visión del Instituto impide la realización de la versión de tres horas, hablada en francés y Humberto se ve obligado a reducir el film a una apresurada versión de dos horas y a colocarle un desmañado doblaje al español y así estrenar su obra.

Quienes conocen la versión de la miniserie, con su excelente doblaje francés, seleccionada entre las cinco mejores miniseries del año en FIPA Internacional, en Cannes, saben que con "El Siglo de las Luces", Humberto Solás deja a la cultura cubana (como dijera en un reciente foro el cineasta Tomás Piard) una de las más grandes obras de arte de su historia. La justa recolocación de esta gran obra sigue siendo una asignatura pendiente para la intelectualidad cubana. "El Siglo de las Luces" no ha terminado de hablarnos en el presente, porque tanto Alejo Carpentier como Solás nos trasmiten a través de esta obra un lúcido testamento guía, rico en sabiduría y en símbolos que iremos descubriendo poco a poco con el devenir del tiempo.

Con "El Siglo de las Luces", Solás encuentra la incomprensión y la más solapada e injusta marginación de su carrera. Durante el último mandato de Alfredo, ni siquiera su manifestada admiración, permite que Humberto dirija un solo film de sus muchos proyectos en casi 10 años. Será merecedor entonces de la Orden Félix Varela, respetado y homenajeado en Cuba y el extranjero pero la historia, que no se deja engañar, no perdonará la irresponsabilidad de quienes desperdiciaron su talento y lo marginaron por casi una década en su profesión.

"Miel para Oshún" (2001) inicia una nueva era tangencial. En esta ocasión Solás es un nombre muy sólido y la oportunidad del digital le permite vislumbrar un camino de manera premonitoria para nuestro cine e Industria. Después de numerosos tropiezos y aprovechando una nueva coyuntura de cambios y enfrentamientos ajenos en el marco cultural, logra finalmente arrancar y ahora lo hace pícaramente con todos los elementos de su nueva estrategia bajo el brazo. Con "Miel...", Humberto se comunica como nunca con los espectadores, pues para ellos estaba diseñado el mensaje del film y su apuesta por la unidad de la nación cubana. Según el propio Humberto, "Miel para Oshún", significa endulzar el país, endulzar a la nación cubana.

Aprovechando que "Miel para Oshún" recibe numerosos lauros, Humberto realiza el lanzamiento del proyecto Cine Pobre Humberto Solás (2001-2011), que a pesar de su impacto mediático inicial, recibió una fría acogida entre muchos colegas y profesionales cubanos. Tanto los cineastas en su justificada añoranza por el 35 mm y por una producción de envergadura como algunos de los productores en su injustificado propósito de preservar los presupuestos engordados que prácticamente llevaban al cine cubano a sucumbir, o los defensores de aquellas coproducciones que en su mayoría representaban la pérdida de muchas de las esencias del cine nacional; enfrentaban o minimizaban su proyecto del Festival. A pesar de ello, Humberto Solás, el cineasta de las obras más fastuosas, logra su propósito. El artista daba el ejemplo con su obra proponiendo la dignificación del cine alternativo y de bajo presupuesto. Su Cine Pobre rápidamente alcanzó notoriedad y prestigio, ayudando a conducir al cine cubano alternativo o de la Industria, amén de influir en otras cinematografías, a una nueva fase.

Luego de una rica experiencia socio-cultural-comunitaria que acompaña al festival, llega para Humberto el momento de hablarle a la gente nuevamente con su cine, de mostrarle sus valores, de romper con la imagen edulcorada y generalizada de una realidad virtual contraponiéndolo a una sobre-ponderación del spot comercial, de la novela televisiva, del clip, del cine a pedido y de la obtención del dinero fácil. Con el largometraje "Barrio Cuba" y el corto "Adela", ambos de 2005, Humberto perfora cáusticamente y sin tapujos la realidad cubana, lo hace con el apoyo de amigos, casi solo, pero consciente de que con esta obra mayor está salvaguardando los valores verdaderos de la “gente de pueblo”, con sensibilidad profunda y responsabilidad absoluta, con una total comprensión del contexto socio-político de nuestro país en su primera década del siglo XXI.

Cierra Humberto Solás en la víspera de su 70 cumpleaños un ciclo ético con este proyecto fílmico y con el amplio legado de Cine Pobre Humberto Solás (2001-2011), dejando protegidos a los cineastas del presente, al concederles toda la fuerza moral para afrontar con la autoestima necesaria dirigir, producir y distribuir de una nueva manera, para continuar con autonomía y creatividad por los nuevos caminos que han de erigirse para sortear las complejidades de la nueva época que ya nos envuelve.

Misión cumplida, iluminado Humberto Solás, el cine de compromiso con el arte y con el país, su autonomía real, su resurgir, está en marcha…

(*): Sobrino e íntimo colaborador de Humberto Solás, Sergio Benvenuto Solás escribe este artículo próximo a cumplirse el 70 aniversario del nacimiento de su tío (14 de diciembre de 1941), el conocido cineasta y fundador del Festival de Cine Pobre de Gibara, prematuramente fallecido hace algo más de tres años, víctima del cáncer.

Fuente: Noticine.com

HUMBERTO EN LA MEMORIA

2011-11-24T13:20:00.000-08:00

Carlos Barba, Humberto Solás y Ana Domínguez durante el rodaje del filme "Barrio Cuba", de H. Solás. (Foto: Felipe Borrego)

Por Joanna Pérez Vidal

Para los meses de noviembre y diciembre la Cinemateca de Cuba ha programado “En los 70 años de Humberto Solás, sus filmes favoritos”, muestra que celebra las siete décadas del desaparecido Premio Nacional de Cine, nacido el 4 de diciembre de 1941. Estructurada en dos partes, esta selección se realizará primero entre el 24 y el 28 de noviembre y luego del 22 y al 28 de diciembre porque, como es conocido, la sala Charles Chaplin acogerá la edición 33 del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano que, a propósito, también ofrecerá un homenaje al director cubano con la proyección de sus tres entregas de El siglo de las luces, cinta basada en la obra homónima de Alejo Carpentier.

Generalmente los homenajes de este tipo proponen la filmografía del propio artista implicado; sin embargo, por primera vez se presentarán los referentes creativos, es decir, aquellas películas que le atraían y que influyeron en mayor o menor medida en su obra. En esta ocasión serán 22 títulos.

El primer acto de esta celebración será un conversatorio el día 24 de noviembre a las 3:00PM en el vestíbulo del cine Charles Chaplin con la participación de Daisy Granados, Eslinda Nuñez, Isabel Santos, Luisa María Jiménez, Aurora Basnuevo, Mario Limonta y Aramis Delgado, actrices y actores que trabajaron junto al director de títulos memorables como Lucía y Miel para Oshún.

Desde ese día se podrá apreciar la cuidadosa selección a la cual responde esta muestra de la Cinemateca, en consonancia con la sensibilidad y amplia cultura de Solás, capaz de asimilar o apropiarse de títulos de disímiles géneros, temas, cinematografías.

La primera etapa se distingue por el protagonismo de la Italia de posguerra, marcada por un movimiento neorrealista del que no pudo escapar un jovenzuelo Humberto -al igual que muchos cineastas de la generación fundacional del ICAIC-. Es por ello que el ciclo abre con Arroz amargo, la cinta de Giuseppe De Santis que le reveló la pasión por el arte gracias a la enigmática sensualidad de Silvana Mangano, su actriz preferida de siempre, y esa inusual mezcla de neorrealismo, intriga criminal, melodrama, documental obrerista y retrato social. También de este movimiento artístico llegan directores y filmes de culto como la trilogía de Luchino Visconti: Senso, Rocco y sus hermanos y Muerte en Venecia, obras que, a decir de Manolo Herrera, director de la Cinemateca de Cuba y cercano amigo, “despertaron su amor por el cine operático”.

Entre ‘los favoritos’ están también Umberto D, de Vittorio De Sica, y Ocho y medio, de Federico Fellini. El primero, lo mejor del mítico dúo Cesare Zavattini –guionista-/Vittorio De Sica –director-, es la síntesis de una nación devastada por la guerra en la que el pensionado Umberto Doménico Ferrari intenta sobrevivir junto a su perro. Mientras en el segundo, Guido Anselmi recuerda la imagen del astro Marcello Mastroianni representando a un director de cine en crisis creativa, la lucha eterna por la superación personal. Se trata de una obra reflexiva, con elementos satíricos y biográficos. La metáfora de este largometraje inspiró a Solás para su Festival de Cine Pobre, cuya música es precisamente el tema principal de la cinta; explícita alegoría al pensamiento y los modos de producción que defiende su certamen.

Al director de Lucía se le recuerda, sobre todo, por sus mujeres: Amada, Manuela, Cecilia… y otros títulos donde siempre ofreció liderazgo y fuerza a los personajes femeninos; damas tremendas, irreverentes, con carácter, sensibilidad y pasión.

Para construir estas protagonistas Humberto tomó de otras que le impactaron, en especial de la ya citada Silvana Mangano, quien por los ya distantes años cincuenta mostraba una belleza alejada de los estereotipos que posteriormente impuso el patrón hollywoodense. Es por ello que el homenaje incluye a su vez Las amigas, de Michelangelo Antonioni, y La dama del perrito, de Iosif Jeifits, películas que ubican al centro de sus respectivas tramas caracteres femeninos bien hilvanados.

Para su segunda etapa -entre el 22 y el 28 de diciembre- el ciclo se torna más diverso, pues se mezclan clásicos de varias cinematografías: francesa, estadounidense, sueca, e incluso, cubana, cuyo único exponente es La última cena, de Tomás -“Titón”- Gutiérrez Alea, quien se suma a Solás para ser considerados los dos grandes nombres del celuloide insular.

En diciembre el homenaje abre con Fresas silvestres, la obra maestra de Ingmar Bergman, donde el sueco lleva a la máxima expresión su preocupación por temas existenciales humanos. A partir del viaje del profesor Isak Borg -interpretado por Victor Sjöström- desde Estocolmo hacia Lund en busca de su título honoris causa se visualiza un recorrido al interior de su vida, donde reflexiona sobre las frustradas relaciones con sus seres queridos. También de este director se exhibe Sonata de otoño, el último filme de Ingrid Bergman, otra de esas divas que hechizara a Humberto.

Del musical se proyectarán dos de sus mejores creaciones: Los caballeros las prefieren rubias y Cantando en la lluvia, obras que ilustran la versatilidad de iconos como Marilyn Monroe y Gene Kelly -respectivamente-, por entonces en la cúspide de sus carreras. Mientras del rey del suspense Alfred Hitchcock llega su necesaria Vértigo.

Cierra el homenaje Hiroshima mi amor, cinta donde el francés Alain Resnais logra representar con singular belleza el amor. La noche que comparte la actriz gala y su amante japonés recuerda por momentos el poético romance de Un día de noviembre en su lirismo, nostalgia y candidez.

Suspense, temas más sociales, ciencia ficción, musicales; del neorrealismo, la nueva ola y otros movimientos estéticos… Humberto Solás fue un director con referentes muy diversos, los cuales asimiló y llevó al contexto cubano y su personalísimo imaginario. Estos 22 títulos que hoy le recuerdan son un modo también de descubrirle, de comprender su pensamiento y su cine.

Fuente: Cubacine

Libro imprescindible sobre Raquel Revuelta, de Juan Cueto-Roig

2011-11-18T05:09:00.000-08:00

Diciembre 8, 2011, jueves, 8:00 pm: Presentación del libro Raquel Revuelta, a la memoria de una gran actriz, de Juan Cueto-Roig, en Teatro Akuara, 4599 SW 75th Ave, Miami, FL.

Esfuerzo agradecido y notable para nuestra Raquel, nos recuerda todo lo que se debería-deberíamos hacer por preservar su obra, salvar sus kinescopios, sus recortes de periódico y su legado, para que alguna vez exista una Raquel de cuerpo entero, la misma que le dijo a Cueto-Roig "los que me conocen y me han querido, me recordarán como ellos saben que soy". (Rosa Ileana Boudet, investigadora teatral y escritora. Santa Mónica, California)

Un bello libro. Un trabajo muy meritorio que la posteridad agradecerá. (Daniel Fernández, crítico de música clásica y escritor. Miami)

Es muy hermoso este homenaje a nuestra querida Raquel: actriz extraordinaria, íntegra, honesta y amiga verdadera. Y haciéndome eco de las palabras de Raquel en la portada del libro: "yo la conocí, la quise mucho y la recordaré siempre como yo sé que fue ella". (Silvio Falcón, actor. Nueva York)

Una idea genial y oportuna que hace justo homenaje a la gran Raquel. (Carlos Barba, cineasta. Monterrey, México)

Una joya, por todo lo que salva del olvido y rescata de la destrucción. Los cubanos agradecemos este reconocimiento múltiple, por haber preservado tantos recuerdos valiosos. (Enrique Río Prado, historiador teatral. La Habana)

Una obra encomiable hecha con todo el amor del mundo y que merece darse a conocer. (Arturo Arias-Polo, periodista. Miami)

Me ha emocionado y conmovido. Hay en el libro datos y fotos sobre la vida de mi madre que no conocía. (Eduardo Casado, profesor universitario. Córdoba, España)

Gracias por una devoción tan grande a una figura mayor de nuestra cultura. Gracias por un acto de recordación que todos los que la conocimos sabemos que merece. El libro me alegra y me entristece a la vez, porque me deja ver cómo a través de empeños enteramente personales es que vamos rindiendo tributo a quienes mejor lo merecen. (Norge Espinosa, poeta, dramaturgo, investigador teatral. La Habana)

El autor, JUAN CUETO-ROIG nació en Caibarién, Cuba. Exiliado de la Isla en 1966, reside actualmente en Miami. En 1996 publicó En la tarde, tarde (Poesía), Editorial Sibi, Miami. En 2000, Palabras en fila, en clase y en recreo (Poesía), Editorial Verbum, Madrid. En 2002, Ex-Cuetos (Relatos), Ediciones Universal, Miami. En 2004, Hallarás lobregueces (Relatos), Editorial Ultra Graphics, Miami y En época de lilas (Traducción al castellano de 44 poemas de e. e. Cummings), Editorial Verbum, Madrid. En 2007,Verycuetos (Crónicas), Editorial El Almendro, Miami. En 2009, Veintiún cuentos concisos (Relatos), Medalla de oro en el Florida Book Award 2009, Editorial Silueta, Miami. En 2010, Constantino P. Cavafis. Veintiún poemas (traducidos del inglés), Editorial Ultra Graphics. En 2011, Esas divinas cosas. Tribulaciones y alegrías de un traductor, Editorial Silueta.

Ver artículo "Por amor al arte", en Cubaencuentro

"Adorables mentiras": Una película sobre la condición humana. A 20 años del exitoso filme cubano (1991-2011)

2011-11-17T04:37:00.000-08:00

Transcripción del documental de Carlos Barba realizado en 2006, sobre Adorables mentiras, con Gerardo Chijona, Isabel Santos y Luis Alberto García

Gerardo Chijona (director):

La película se escribió en el 1989, se estrenó en el 1992, y fueron años realmente en que la sociedad cubana cambió mucho. La película era la misma, pero Cuba cambió. Y entramos en los años durísimos del período especial. Y cuando en el 89 escribíamos algo de pronto muriéndonos de risa, cuando salió en el 92 ya se convertía como en diálogos un poco suspicaces y sospechosos. O sea la película no cambió, pero las lecturas cambiaron. Y yo siempre dije, y lo mantengo, puesto que se hicieron muchas lecturas, bien y mal intencionadas, y acertadas y equivocadas, que la película era cualquier cosa menos un panfleto político, que si era eso para mi era un fracaso. Porque después pasado el minuto de escándalo la historia se iba a morir. Y tengo la impresión de que si sigue viva, es porque no era un panfleto político, era lo que decíamos nosotros, una película sobre la condición humana.

Luis Alberto García (actor):

Yo creo que con Adorables mentiras se ha sido injusto. La película cayó en un momento difícil de nosotros los cubanos. Se hizo en el 1988, se estrenó en el 90, todavía no se había caído el muro de Berlín ni había llegado la Perestroika ni mucho menos pero ya existían atisbos de eso en el mundo, y como la película fue especialmente dura, era una película que mostraba el fenómeno más que latente de la doble moral en todo su esplendor, pues no era una película, digamos, agradable para muchas esferas de nuestra sociedad. Y por lo tanto no es una película a la que se le dio mucho calor ni mucha propaganda, ni se le hizo un gran estreno, ni se formó mucha alharaca con ella en la prensa. Yo recuerdo que un funcionario que ya no está se quejaba en aquella época de que las obras de arte cubanas no alertaban sobre los males que se estaban sucediendo de manera agigantada en el país, y yo le dije: bueno mira, aquí tienes una película como ésta, y me dijo: si, si, pero es que esa película es demasiado dura, esa película es muy cínica. Y sin embargo, yo siempre lo dije que para mi no era una película tan dura, más duro era lo que uno veía en la calle.

Gerardo Chijona:

Yo pienso que lo que provocó la polémica y la demora en la exhibición fue el contorno que se enrareció mucho, porque la película era la misma. No olvidar que salió después del escándalo de Alicia en el pueblo de Maravillas, le tocó entrar después, cargar un poco con el estigma, hasta el punto que hubo algunos que decían que Adorables mentiras era peor que Alicia... Y entonces yo nunca me creí todo lo que se decía sobre la película, puesto que todos sabemos que cuando uno termina está demasiado compenetrado con el material, con esos personajes, y yo en la medida en que los comentarios me llegaban, de pronto sentía que se decían cosas que a mi ni a Senel (Paz) nos pasaban remotamente por la cabeza. Por supuesto que la película tiene un punto de ataque cuestionador de problemas de la sociedad nuestra que es la doble moral instaurada a todos los niveles.

Luis Alberto García:

Yo conocía a Chijona del mundo del cine, sabía que Chijona había trabajado muy cerca de Alfredo Guevara, sabía que era un teórico y un estudioso del cine cubano y del cine mundial muy acucioso, y había visto sus documentales: Kid Chocolate, El desayuno más caro del mundo, Una vida para dos, su obra como documentalista sí la conocía, pero en el cine de largos de ficción, él no había hecho nada; entonces Chijona nos llamó a mi y a Isabel Santos, que ya veníamos trabajando como pareja en otros muchos proyectos para enfrentar esta película. Nos dio el guión, a mi me encantó, lo que más me sorprendió a mi de Adorables mentiras, en aquella fecha tan lejana, fue que era un guión duro, duro en el sentido de que alertaba muchas cosas que andaban mal en la sociedad cubana y a mi me maravilló.

Gerardo Chijona:

Yo no tuve la fortuna de ir a ninguna escuela de cine sino que me formé en la industria, fui asistente de edición, asistente de dirección, hice un poco de todo, y bueno, un poco el proceso que había en el ICAIC era que antes de pasar a la ficción había que demostrar que uno era capaz de hacer una serie de documentales que tuvieran más o menos pies y cabeza, eso fue un poco la escuela de todos nosotros. Pero bueno, en las condiciones que hacíamos documentales, yo hacía documentales sobre todo de testimonio que se exhibían en los cines, se filmaba con una cuota muy limitada de película, y yo siempre desde el documental trabajé con guiones, con guiones bastantes cerrados y bastante sólidos en ese sentido, y me preparaba mucho durante el proceso de investigación y durante el rodaje; y lo que hacía, de alguna manera, era dirigir a los no actores, o sea, porque tenía que llevarlos prácticamente a que me dijeran lo que ya me habían dicho pero yo quería que me lo dijeran delante de la cámara. Yo pienso que esa fue mi escuela de dirección de actores, caótica y anárquica, pero esa fue, porque yo nunca hice teatro, ni televisión, antes de llegar a dirigir ficción. Y esa herencia un poco la seguí cuando hice Adorables mentiras.

Isabel Santos (actriz):

Yo creo que Adorables mentiras..., creo no, la hice tres veces. La hice tres veces porque a Chijona le gusta mucho ensayar, y se grabó en su misma casa, dos veces, y después en 35 mm. O sea, él estaba muy seguro de lo que quería porque ya tenía la película grabada dos veces.

Gerardo Chijona:

Nos encerramos en esta misma casa y ensayamos digamos que un buen por ciento de la película, por lo menos las escenas fundamentales, y junto con los actores fuimos descubriendo el diseño de los personajes, por dónde iba cada cual, los objetivos de ellos en toda la película, en cada una de las escenas, y siento que ese fue una especie de laboratorio creativo en la casa.

Isabel Santos:

A mi no me gusta ensayar. Yo creo mucho que el cine es de ese pequeño instante, que es como cuando tú esperas el tren, y si no te montaste, te quedaste, esa magia tiene el cine, que a veces en una toma suceden cosas, en otra toma pasan cosas que por luz, por algo que sucedió, porque el otro actor te dio cosas, no siempre sucede así, pero yo creo en eso y por lo tanto no me gusta ensayar mucho, prefiero ir a tirarlo todo, si lo ensayo sé que no lo estoy dando todo, sé que no estoy dando el cien por ciento.

Luis Alberto García:

Nos mudamos a casa de Chijona, vivíamos casi ahí, y fuimos montando escena por escena Isabel, Chijona y yo, y el Pavo, que era el director de fotografía, y filmamos toda la película en vídeo una vez, entera, la revisamos, veíamos en el monitor que tal había quedado, qué le gustaba a Chijona, qué no le gustaba, qué nos gustaba a nosotros, y filmamos la película por segunda vez en vídeo, le dije a Chijona: ya comienzo a estar un poco harto de esta historia, porque hemos hecho la película dos veces. Y en ese punto Isabel Santos se enfermó con hepatitis y de pronto pensamos que todo el proyecto se iba a la mierda.

Gerardo Chijona:

Y la película se detuvo tres meses. Mis primeras canas y mis primeros cabellos perdidos vienen de esa etapa, o sea, yo quería esperar por Isabel porque valía la pena esperar por ella, pero bueno, siempre los productores piensan de otra manera. Al final pudimos seguir con ella y ahí está el resultado.

Isabel Santos:

Sí le agradezco a Chijona en ese momento que yo me enfermé él supo esperar por mi, él decía que yo era el personaje de esa película, además yo me puse muy contenta cuando Senel Paz me dijo que él escribió el personaje, visualizándome, viéndome todo el tiempo, y eso me dio una alegría tremenda porque no siempre piensan en ti para un personaje desde que nace en el papel.

Gerardo Chijona:

Yo soy un poco vago para seleccionar a los actores y ya me gusta desde el proceso de escritura tener en mente a qué actor voy a usar, cuando se puede, cuando no se puede, no, porque siento que ahí todo el mundo gana, gana el director y gana el actor, cuando uno sabe en boca de quien esos personajes van a estar. En Adorables mentiras yo creo que prácticamente estaban todos definidos menos el personaje protagónico masculino, el de Jorge Luis.

Luis Alberto García:

Sé que Chijona tuvo que defenderme, a Isabel no, pero a mi sí tuvo que defenderme. Qué pasa, ya en esa época, año 1988, mi cara estaba como demasiada quemada, no sé cómo dirán en otros lugares, pero en el argot de los actores es que te has visto demasiado, que has estado demasiado expuesto, y cuando Chijona le planteó a algunos de sus colaboradores que me quería emplear a mi y a Isabel, pero cambiándonos totalmente, o sea, provocando un cambio total en el registro actoral que hasta ese momento habíamos mostrado, pues hubo gente que le comentó que quizás sería bueno no emplearme a mi y buscar otro actor.

Gerardo Chijona:

Nadie veía a Luis Alberto en ese personaje, incluso yo creo que ni él mismo, pero yo sentía que si, que Luis cabía perfectamente en la película cambiándole el look, y eso fue lo que hicimos, externamente, quiero decir. Y tengo que decir, para mi tranquilidad, siento que no me equivoqué, siento que Luis demostró que podía cambiar el cliché en el que lo habían encasillado como un actor que sólo podía hacer personajes populares, marginales, y que no había espacio dentro del rango de personajes que él podía interpretar, como Jorge Luis, que era un poco más refinado, más sofisticado.

Luis Alberto García:

Siempre recordaré que Chijona peleó muy duro para imponer su decisión, que fue trabajar conmigo, y eso a mi también me encantó. Fue como un acicate para que yo deseara más aún hacer la película y cumplir con la expectativa que tenía Chijona. Lo primero que nos planteó fue: Luisito, Isabel, ustedes han hecho muchas cosas como pareja, casi la gente ya está hasta un poquito harta de verlos, pero en este caso yo quiero hacer algo totalmente diferente, quiero que hagan dos personajes que hasta ahora no han hecho, eso incluye cambio físico, Adorables mentiras, es la primera película en la cual yo di un bajón de peso, de 15 kg.

Isabel Santos:

Yo creo que no era el momento para que yo hiciera ese personaje, no era el momento, si yo la volviera a hacer le pondría más salsa a Sissy, más... Ella tenía que tener un erotismo que yo no lo doy en la película, yo creo que no lo doy. Tiene que ser una mujer con un sex appeal y una onda del carajo, y que cuando saliera en la pantalla..., y yo me esforzaba por hacerlo, pero sé que no.

Gerardo Chijona:

El personaje que hace Isabel para mi es el más difícil de la película, puesto que era una actriz que estaba representando tres mujeres en un solo cuerpo, porque era una delante de su marido, era otra delante de su amante y era otra delante de su amiga. Eran tres facetas de una misma mujer e inclusive tengo que decir que el personaje que hace Mirtha (Ibarra) salió de una necesidad dramática de ver a Isabel tal y como era, o sea, sincera. Sentimos que de pronto no había nadie con quien ella pudiera ser ella durante esa vida de mentiras y falsedades que le tocó vivir, que ella no escogió, y por ahí salió ese personaje de Nancy, que era su amiga confesora, con la que ella podía ser totalmente abierta y sincera, cosa que no podía hacer con su marido porque estaba con él por conveniencia y no podía ser con su amante porque no quería que la descubriera tal y como era y no quería perderlo. Siento que esa trilogía que ella logró interpretar,-que le costó un trabajo enorme porque era una tarea enorme para cualquier actriz y más para una actriz trabajando con un director debutante-, pero de alguna manera con la experiencia de ella, y con lo poco que yo sabía, el personaje salió. Y también logramos cambiarle un poco el look que ella tenía de niñita buena, cuando era niñita buena era por necesidades de la historia, pero cuando era niñita diabla, le salía el Diablo también y siento que ahí ella logró un rango interesante en el personaje, siendo una en una escena, y siendo otra en la escena siguiente, y quizás siendo otra en la otra escena, y eso cualquier actor sabe que es un trabajo dificilísimo, y yo realmente estoy muy agradecido y contento con el trabajo que hizo Isabel Santos en la película.

Gerardo Chijona:

Luis es un actor que yo siempre digo quiero tener en una película, pues no solo desempeña muy profesionalmente sus personajes, sino que es el tipo de actor que cuando ya sabe lo que tiene que hacer uno puede dejarlo solo. Él sabe perfectamente por dónde va la cosa, cada día de rodaje, en cada escena de la película, en cada momento de la historia. Además es un actor que crea una atmósfera muy positiva en un rodaje. Y yo sabía que él con Isabel, ya habían hecho Clandestinos, ahí había una química bien interesante que yo podía utilizar y podían ayudarme a mi, pues yo lo que hice fue protegerme en tanto que era mi primera película trabajar con actores profesionales. Yo no tenía un libro de dirección de actores y cada actor después uno descubre que demanda un tipo distinto de dirección, sobre todo cuando los hay más técnicos, más profesionales, los hay más intuitivos, tuve que aprender a lidiar con diferentes tipos de actores. Mirtha Ibarra, por ejemplo, es muy técnica, muy profesional, demanda explicaciones en cada una de las escenas, porqué está ahí, porqué hace lo que hace, porqué cuando va de un lugar a otro, va en esa dirección y no en otra, porqué cuando dice un texto lo dice con esa intención y no con otra, y eso fue para mi realmente un reto, porque Mirtha tenía la escuela de Titón, que es muy profesional, y yo tuve un poco que subirme la parada para poder dirigirla. El personaje que hace Thaís Valdés, que en el guión era pequeño, ella lo enriqueció de una manera increíble, o sea, para mi y para los actores el objetivo de cada uno estaba claro en la película pero había unos que tenían más intensidad que otros, y yo siento que Thaís le dio otra dimensión al personaje que no tenía en el guión, ella lo elevó realmente a nivel de conflicto tan interesante como los demás, todos los problemas de Flora aparentemente eran como de comedia italiana, pero cuando pasaron por el filtro de Thaís Valdés se convirtieron en los problemas de cualquier mujer cubana en un entorno similar y siento que ese personaje también le dio otro aire a la película, le dio el aire de la anormal pero cargada de todos los prejuicios hacia la sexualidad, hacia el machismo, que eso no estaba en el resto de las subtramas de la película. Algo similar sucede con el personaje que hace Jorge Cao, que es el director de cine buscando guionista con talento que lo saque de la mala racha en la que está y aunque muchos compañeros en la industria no están de acuerdo de la manera en que yo reflejé a un director de cine cubano, -prefería decir que el director era yo para que no hubiera problemas y que la película era autobiográfica-, yo siento que el personaje que interpreta Cao, de alguna manera, redondeó el cuadro que teníamos.

Para conformar el staff de la película, yo me viré para las personas que habían trabajado conmigo cuando hacía cine documental, por ejemplo, Julio Valdés, que fue el director de fotografía, hizo todos mis documentales, y la verdad que fue de una ayuda extraordinaria, yo no tenía mucha conciencia de lo que era la planificación de las escenas en un rodaje, lo que era un storyboard, estaba en cero, y ahí si yo confié totalmente en el Pavo porque él sí sabía por dónde iba la cosa y yo solamente tenía el concepto general de la fotografía, de la puesta en escena, del look que pudiera tener eso en pantalla pero bueno, quien tenía que traducirlo en imágenes era él. Con Edesio Alejandro que hizo la música, ya había hecho con él El desayuno más caro del mundo, y habíamos hablado de trabajar juntos en el primer largometraje, y Edesio, que en ese momento no tenía las condiciones de producción que tiene ahora, que tiene su propio estudio, de verdad que rápidamente captó por dónde iba la atmósfera sonora de la película, en cuanto a música, también trabajó un poco en los efectos, que los está haciendo continuamente con las películas mías y con las de Fernando (Pérez) y fue de mucha ayuda pues todos sabemos que cuando uno está filmando a veces no tiene la más mínima idea de qué música va a acompañar a esas escenas, y Edesio cuando vio el primer corte parió la música en tiempo récord.

En cuanto a la edición de la película ahí sí que rompí esquemas, yo había editado mis documentales con otro editor, con una editora, fundamentalmente, pero aquí quería trabajar por primera vez con Jorge Abello, que había editado las películas de todos mis amigos, y sentía que tenía un estilo de editar que venía bien con cómo yo me imaginaba la edición de la película, o sea, quería que tuviera un ritmo muy dinámico, pero había momentos en que la historia tenía que reposar, que los personajes no se explicaran pero que tuvieran un aire, digamos más íntimo en las escenas, que demandaban otro tempo de interpretación, de rodaje y de edición, y Tuti, como le decimos los amigos a Jorge Abello, de verdad que fue muy diestro en poner cada cosa en su lugar, puesto que hacía falta que la historia tuviera una arrancada muy trepidante, muy rápida y después fuera un poco disminuyendo la velocidad, y el último acto de la película, si se fijan bien, va en un ritmo completamente distinto, o sea, las escenas al principio son bastante fragmentadas, y de la hora en adelante hasta la hora y cuarenta que termina, ya se va ralentizando un poquitico. Queríamos que la película tuviera ese diseño de edición sin que se convirtiera en una película aburrida, y que los personajes tuvieran espacio para irse descubriendo ante los demás de una manera pausada, que no fuera solamente el chiste por el chiste, queríamos un tipo de edición en que la comedia funcionara durante un segmento de la película para tener al público del lado nuestro, para después aprovechar y de una manera oblicua, invisible, deslizar algunas cosas que queríamos decir, y yo pienso que ahí la edición sí funcionó.

Luis Alberto García:

Adorables mentiras es una película que yo recuerdo con muchísimo cariño, para mi, una de las películas favoritas, de las que yo he hecho. Hasta que no llegó Fresa y chocolate, algún tiempo después, dos, tres años después, no se abrieron las puertas del cine mundial y de la distribución mundial para las películas cubanas, hasta ese momento nuestro cine se veía en festivales, -quiero decir en el mundo porque en Cuba se veía-, y en ciclos muy cerrados, entiéndase élites de intelectuales, gente de izquierda que tenían cierta simpatía hacia Cuba y la revolución cubana, pero las películas cubanas no tenían exhibición comercial como tal en el mundo hasta que llegó el bombazo de Fresa y chocolate, y Adorables... fue un poco antes de Fresa...; bueno, tanto es así que hay una curiosidad en el cine cubano con el personaje de Nancy que interpretó Mirtha Ibarra: aparece en Adorables mentiras, y ese mismo personaje, escrito por Senel Paz, que también escribió el guión de Fresa y chocolate, reaparece con Mirtha en Fresa..., esta vez como la amiga de Diego. Eso te dice que ambas películas estaban cercanas, también eso pudo haber influido en que el mundo entero no haya conocido nunca qué cosa era Adorables mentiras. Creo recordar, que tuvo además la mala suerte que, al ser una coproducción de Sundance con Televisión Española, en la época que estaba Pilar Miró al frente de TVE, la película se terminó de rodar, empieza la postproducción, terminó el mandato de Pilar Miró y de repente la película quedó como desamparada, yo preguntaba: Chijona, cuándo se estrena, cuándo se estrena..., y se demoró tanto tiempo que recuerdo una secuencia muy simple, en que el personaje de Isabel Santos, Sissy, entra a un mercado, destapa un pomo de mermelada, mete el dedo y lo prueba, lo cierra y lo vuelve a poner en el estante; cuando la película se estrenó ya no existían los pomos de mermelada en los estantes y entonces el público cubano lo que hacía era reírse, y claro se reían porque solo en un año y pico, dos años, la película se puso vieja, tan rápido iban los acontecimientos en Cuba y en el mundo que una película se ponía vieja en seis meses, en ocho meses. Es una película que me gusta mucho, te reitero, pero lamento profundamente que haya tenido un camino tan escabroso para llegar al punto final: ser disfrutada por el público, no sólo cubano, sino el público de otras latitudes también.

Gerardo Chijona:

Las películas son como los hijos, el primero siempre es el primogénito, aunque al final a todas las quieres por igual, pues en cada una descubres cosas que te gustan y que no te gustan. Yo la quiero mucho, pues de alguna manera me preparó para todo lo que vino después, para asumir cualquier tipo de lectura, cualquier tipo de ataque, y se lo agradezco, y también la felicidad que me dio cuando empecé a viajar con la película, pues sentía que se identificaba con los públicos más disímiles y eso sí es algo que no se paga con nada, o sea, no se paga con ninguna crítica de cine, no se paga con ninguna venta lo que tú sientes dentro de un cine viendo que la gente se comunica con lo que tú estás tratando de decir y en ese sentido sí para mi Adorables mentiras ha sido inolvidable. Después hay otras que he querido, pero de esa tengo recuerdos que nunca voy a olvidar. Metió un millón de espectadores aún con una distribución limitada, fue la película más vendida, después de Fresa y chocolate, en los años noventa, o sea, había interés por la película, yo estuve, salvo Venecia y Berlín, en todos los festivales del mundo, más o menos, A, B y C, que humanamente se hacen, internacionalmente; salió por Sundance, estuvimos en Cannes, San Sebastian, y por ahí para abajo, Toronto, Chicago, Montreal la película se exhibió y fue bien recibida.

Ficha técnica del documental:

Doc / Cuba / 36 min

Guión y dirección: Carlos Barba

Edición: Ramón Ramos

Fotografía: Eduardo Corría

Música (para el filme Adorables mentiras): Edesio Alejandro

Productor: Luciano Castillo

Una producción de MAREAFILMES con la colaboración de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños, EICTV.

Sinopsis:

El cineasta Gerardo Chijona y los actores Isabel Santos y Luis Alberto García, nos hablan del filme Adorables mentiras (1991), cómo se desarrolló el proceso de preparación, rodaje y estreno de una de las producciones más importantes del cine cubano.

Invitación a un primer pase del filme "Verde verde"

2011-11-16T07:35:00.000-08:00

AMIGOS:

Queremos invitarles a nuestra proyección ENTRE AMIGOS, del filme "VERDE VERDE", en el cine Chaplin, el próximo dia 12 de Diciembre de este 2011, lunes.

Les esperamos en la puerta

enrique pineda barnet

"Las ciudades que soy", 40 años de vida artística de la actriz cubana Beatriz Valdés

2011-11-12T07:40:00.000-08:00

Dirección general: Miguel Issa
Dirección musical: César Orozco
Producción general: Mariely Briceño

Próximamente "Verde verde", una película de Enrique Pineda Barnet

2011-11-06T22:44:00.000-08:00

El crimen homofóbico contra el amor homosexual

GUION Y DIRECCIÓN

ENRIQUE PINEDA BARNET.

(Guión cinematográfico registrado en el CENDA, SGAE y en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en Washington).

SINOPSIS:

Un hombre huye desesperadamente por un laberinto, buscando una salida que no encontrará. En su fuga tropieza con apariciones que le bloquean el paso: una dama seductora, algunos personajes escapados de un bar singular: una pintora, un barman armado, un stripper, una anciana turista, un estibador acechante. En un bar del puerto, Alfredo, paramédico de navegación mercantil, conoce a Carlos, informático aspirante a aviador. El navegante invita a Carlos a su hangar en el puerto

Atracción, proceso de seducción y rechazo. La vida se vuelve verde VERDE

Con: HECTOR NOAS - CARLOS MIGUEL CABALLERO

FARAH MARÍA

PINTORA - ROCIO GARCIA

GUIÓN Y DIRECCIÓN - ENRIQUE PINEDA BARNET
DIRECTOR ASISTENTE - RAUL GARCIA RIVERON

PRODUCTORES EJECUTIVOS - ISABEL PRENDES-ANTONIO HENS
DIRECTOR DE PRODUCCIÓN - SANTIAGO LLAPUR

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA - RAUL RODRÍGUEZ CABRERA
CAMARÓGRAFO - PABLO MASSIP GINESTÁ.
DISEÑO SONORO Y MEZCLA - OSMANY OLIVARE
MONTAJE - PEDRO SUÁREZ
DIRECCION DE ARTE - NIEVES LAFERTÉ
ESCENOGRAFÍA - ALAIN ORTIZ
AMBIENTACIÓN - JOSÉ AMAT
MAQUILLAJE - MAGALY POMPA
VESTUARIO - GABRIEL HIERREZUELO

COMPOSICIÓN Y DIRECCIÓN MUSICAL - JUAN PIÑERA
COREOGRAFÍA - GUSTAVO HERRERA
DISEÑADOR GRÁFICO - NELSON PONCE
PINTORA - ROCIO GARCIA
ESCULTOR - EVELIO LECOUR

Documental "Día de muertos", de Carlos Barba en la Universidad de Monterrey, UDEM

2011-10-30T22:10:00.000-07:00

Celebración Día de muertos, un recorrido cultural del sur al norte del país. ORGANIZA E INVITA: Departamento de Humanidades, UDEM
Lugar: Auditorio 2
Hora: 6 pm
Fecha: 2 de noviembre de 2011
Estreno del documental "DIA DE MUERTOS" del cineasta cubano Carlos Barba. E intervención especial del investigador Lic. Hernán Palma y Meza Espinoza (CONARTE), sobre los cantos fúnebres de tradición colonial, alabanzas y alabados, y algunas creencias en torno a éstos en la zona norte de país.

Celebración a Enrique Pineda Barnet

2011-10-28T09:30:00.000-07:00

Feliz cumpleaños al querido maestro del cine cubano Enrique Pineda Barnet, que lo celebra como más le agrada, haciendo cine, dando los toques finales a su más reciente filme "Verde verde", avanzando en la mezcla de sonido, que es lo único que falta, y trabajando en otros guiones. ¡Muchas felicidades!
Enrique Pineda Barnet y Carlos Barba durante el rodaje del documental "Canción para Rachel".
Foto: Eduardo Corría

CINEMATECA DE CUBA- EN LOS 70 AÑOS DE HUMBERTO SOLÁS, SUS FILMES FAVORITOS

2011-10-25T10:36:00.000-07:00

CINEMATECA DE CUBA

Calle 23 No. 1155 Vedado, La Habana, Cuba. Tel. (537) 838-2844 Fax (537) 838-1188 e-mail: cinemateca@icaic.cu programador: espec2@icaic.cu

Miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos [FIAF] y de la Coordinadora Latinoamericana de Archivos de Imágenes en Movimiento [CLAIM].
Cine Chaplin, Calle 23 e/ 10 y 12,Vedado. Tlf. 53 7- 831-1101

NOVIEMBRE 24 -28 Y DICIEMBRE 22-28, 2011

PROGRAMA

CINE CHAPLIN

EN LOS 70 AÑOS DE HUMBERTO SOLÁS, SUS FILMES FAVORITOS

NOVIEMBRE

J 24: 5:00 p.m.: ARROZ AMARGO
8:00 p.m.: SENSO (LIVIA)

V 25: 5:00 p.m.: UMBERTO D
8:00 p.m.: OCHO Y MEDIO

S 26: 5:00 p.m.: ROCCO Y SUS HERMANOS
8:00 p.m.: NO HAY FUNCIÓN

D 27: 5:00 p.m.: MUERTE EN VENECIA
8:00 p.m.: LAS AMIGAS

L 28: 5:00 p.m.: LA DAMA DEL PERRITO
8:00 p.m.: INTELIGENCIA ARTIFICIAL

DICIEMBRE

J 22: 5:00 p.m.: FRESAS SILVESTRES
8:00 p.m.: EL SACRIFICIO

V 23: 5:00 p.m.: LA ÚLTIMA CENA
8:00 p.m.: VERTIGO

S 24: 5:00 p.m.: LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ
8:00 p.m.: NO HAY FUNCIÓN

D 25: 5:00 p.m.: SONATA DE OTOÑO
8:00 p.m.: LOS MALDITOS (LA CAÍDA DE LOS DIOSES)

L 26: 5:00 p.m.: CANTANDO EN LA LLUVIA
8:00 p.m.: EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO

Ma 27: 5:00 p.m.: ALEMANIA, AÑO CERO
8:00 p.m.: LOS CABALLEROS LAS PREFIEREN RUBIAS

Mi 28: 5:00 p.m.: CLEO DE 5 A 7
8:00 p.m.: HIROSHIMA MI AMOR

El próximo 4 de diciembre Humberto Solás cumpliría 70 años.

Es una fecha para recordar, pero también para pensar en el modo de estudiar a fondo el pensamiento artístico-político de éste, uno de nuestros más grandes creadores.

Todo artista asimila en la esencia de su quehacer aquellas obras que más le impactaron y que de una forma u otra están presentes en él como experiencia asimilada. Hemos querido sentar la primera piedra para este estudio, rememorando las obras que para Humberto fueron fundamentales en su desarrollo como artista.

Al parecer la primera aproximación al cine la tuvo con la visión de Juana de Arco, la melodramática pieza dirigida por Victor Fleming y actuada por Ingrid Bergman que lo hizo llorar siendo aún un niño. Pero el verdadero acercamiento al arte vendría primero con Arroz Amargo de Giuseppe de Santis, fundamentalmente por Silvana Mangano, su actriz favorita de siempre a la que solía dibujar una y otra vez.

Otro de los filmes que causó fuerte impacto en él fue Umberto D de V. de Sica, del que le gustaba recordar algunos pasajes hasta cuando nos divertíamos. La trilogía de Visconti: Senso, Rocco y Muerte en Venecia, que despertaron su amor por el cine operático; Las Amigas de Antonioni, La Dama del perrito de Iosif Jeifits y sobre todo 8 y Medio de Federico Fellini, cuya música abre año tras año el desfile inaugural de su amado “Festival” tradición que, junto a otras, impusieron el sello personal de Humberto Solás, en la bella Gibara de sus amores.

En lo personal, si tuviera que elegir los tres filmes más importantes en la vida de Humberto, sin dudas escogería Senso, Umberto D y 8 y medio.

MANUEL HERRERA
CINEASTA
DIRECTOR DE LA CINEMATECA DE CUBA

Fichas técnicas:

ARROZ AMARGO / Riso amaro / Giuseppe De Santis (108’) Italia, 1949 / s.t. españoles / Vittorio Gassman, Doris Dowling, Silvana Mangano, Raf Vallone, Checco Rissone, Nico Pepe. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Perseguida por la policía, Francesca, cómplice de un ladrón, se une a un grupo de jornaleras que se dirigen a las plantaciones de arroz del valle del Po. Una vez allí, se reúne con ella su amante, que proyecta apoderarse de la cosecha…Título imprescindible del neorrealismo italiano que, aparte de su indudable interés artístico, resultó extraordinariamente popular por la impresionante carga de erotismo de su protagonista, la exuberante Silvana Mangano. Este filme fue candidato al Oscar al mejor guión, escrito por Carlo Lizzani y el director De Santis. Estreno de este DVD en Cinemateca.

SENSO (LIVIA) / Luchino Visconti (115’) Italia, 1954 / s.t. españoles / Alida Valli, Farley Granger, Massimo Girotti, Rina Morelli, Christian Marqueand. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Año 1866. Livia, una bella dama de una aristocrática familia italiana, vive un intenso romance con el teniente Franz Mahler, un oficial del ejército austriaco, en plena guerra de independencia italiana frente a Austria. Finalista entre las candidatas al León de Oro de Venecia. Cinta de plata del Sindicato Nacional de Periodistas Italianos a la mejor fotografía del año. Estreno de este DVD en Cinemateca.

UMBERTO D / Vittorio De Sica (89’) Italia, 1952 / s.t. españoles / Carlo Battisti, Maria Pia Casilio, Lina Gennari, Ilena Simova, Elena Rea. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Umberto D., anciano jubilado que intenta sobrevivir con su miserable pensión, rechaza la tentación del suicidio para no abandonar a su propio perro…Un filme clave del neorrealismo italiano y su canto de cisne, fruto maduro de la dupla Zavattini - De Sica. «Gran película, la más dura y mejor de su famosa trilogía neorrealista» (Augusto M. Torres). Estreno de este DVD en Cinemateca.

OCHO Y MEDIO / Otto e mezzo / Federico Fellini (130’) Italia-Francia, 1963 / s.t. españoles / Marcello Mastroianni, Anouk Aimée, Sandra Milo, Claudia Cardinale. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Filme de claves autobiográficas, sobre un director a punto de emprender un rodaje que recuerda su pasado y se ve abrumado por dudas y crisis personales. Multipremiada cinta: Oscar al mejor filme extranjero, Premio de Oro en Moscú ‘63, primer lugar entre las más relevantes producciones del mundo entre 1963 y 1987 en la selección de International Film Guide, y cuarto escalón en la encuesta de John Kobal acerca de las 100 mejores películas de la historia del cine. «Un filme fascinante: ciertamente uno de los más intensos relatos personales jamás filmados» (Leonard Maltin). Copia Nueva.

ROCCO Y SUS HERMANOS / Rocco e i suoi fratelli / Luchino Visconti (176’) Italia-Francia, 1960 / s.t. españoles / Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Roger Hanin. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Una mujer y sus cinco hijos abandonan el sur italiano y se dirigen a Milán en busca de trabajo. El ambiente de la ciudad ejerce pronto su influencia y, frente a las corrupciones y tentaciones de ese ambiente, sólo Rocco, uno de los hermanos, ofrecerá resistencia... Este melodrama en torno a las vicisitudes y problemas de esta familia, de gran belleza, es un trabajo clave en la carrera del célebre director Visconti. «Toda obra maestra es la consecuencia de una serie de factores. En Rocco... esos factores están manejados con un virtuosismo excepcional» (Eduardo Manet). «Visconti, entre los primeros directores de su país y del mundo» (José Manuel Valdés-Rodríguez).

MUERTE EN VENECIA / Morte a Venezia / Luchino Visconti (133’) Italia-Francia, 1971 / s.t. españoles / Dirk Bogarde, Romolo Valli, Mark Burns, Silvana Mangano, Björn Andresen. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. El compositor alemán Gustav von Aschenbach llega en el verano de 1911 a Venecia. En la ciudad se encuentra con un angelical adolescente polaco llamado Tadzio hacia el cual se siente poderosamente atraído, viendo en él la materialización de su ideal de belleza. Fascinado, le sigue durante sus paseos por la ciudad, la que pronto se verá asolada por el cólera... Respetando fielmente la novela de Thomas Mann, Visconti transforma el personaje central del escritor en compositor y logra una indiscutible obra maestra. «Uno de los encuentros más logrados del cine y la literatura» (Luis Alberto Álvarez). Premio Especial del 25 aniversario del Festival de Cannes a Visconti por este filme y el conjunto de su obra; cuatro premios BAFTA (Academia Británica). Estreno de este DVD en Cinemateca.

LAS AMIGAS / Le Amiche / Michelangelo Antonioni (99’) Italia, 1955 / s.t. españoles / Eleonora Rossi-Drago, Valentina Cortese, Gabriele Ferzetti, Franco Fabrizi. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. El León de Plata de Venecia ’56 fue otorgado a esta versión de Entre mujeres solas, novela de Cesare Pavese. Observa las vidas vacías de un grupo de muchachas que trabajan como modelos de una tienda femenina de modas en Turín. «Una película de excelencias fundamentales» (Mario Rodríguez Alemán). Estreno de este DVD en Cinemateca.

LA DAMA DEL PERRITO / Dama s Sobachkoy / Iosif Jeifits (81’) URSS, 1960 / s.t. españoles / Ia Savvina, Alexei Batalov. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Adaptación del relato de Anton Chejov. Durante un fin de semana en Yalta, el banquero moscovita Dmitri Gurov conoce a una joven que pasea con su perro. Ella es Anna Sergueievna, una mujer atrapada en un matrimonio sin amor. Dmitri también es infeliz en su casamiento y se inicia un romance, que se interrumpe con el fin de su estancia en Yalta. Dmitri pasa todo el invierno con la idea de volver a ver a Anna, y desesperado va a buscarla…Premio de la mejor participación (ex aequo con La Balada del Soldado) en el Festival de Cannes 1960. Estreno de este DVD en Cinemateca.

INTELIGENCIA ARTIFICIAL / AI Artificial Intelligence / Steven Spielberg (145’) EE.UU., 2001 / s.t. españoles / Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O’Connor, Brendan Gleeson, Sam Robards. DVD, Colores, Sonido Estereofónico. En cierta oportunidad el director Stanley Kubrick llamó a su colega Steven Spielberg y le comentó que llevaba mucho tiempo preparando Inteligencia Artificial, una adaptación del cuento corto Super Toys Last All Summer Long del autor Brian Aldiss. Le mostró los bocetos y añadió: “Deberías dirigir Inteligencia Artificial y yo producirla; está más cerca de tu sensibilidad que de la mía”. Mientras Kubrick, a partir de este momento, se concentraría en su próximo —y último— proyecto, Ojos bien cerrados, Spielberg comenzó a preparar Inteligencia Artificial, rescribiendo el guión original de Kubrick. Este filme de ciencia-ficción se ubica en un momento en el que el calentamiento global ha provocado que grandes ciudades costeras hayan desaparecido. Los embarazos están limitados, y surge una generación de androides, los Mecas. Un experto crea un niño Meca, David, que es capaz de amar y soñar, el cual será adoptado por un matrimonio que tiene a su hijo Martin en coma. Pero Martin se reestablece, regresa a la casa y surgen graves problemas… Estreno de este DVD en Cinemateca.

FRESAS SILVESTRES /Smultronstället / Ingmar Bergman (90´) Suecia, 1957 / s.t. españoles / Victor Sjöstrom, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Bjornstrand. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. «Un anciano profesor se dispone a recibir en la ciudad de Lund el título de honoris causa, y el viaje que emprende hasta la citada ciudad le servirá para pasar repaso a su anterior década, a toda su vida. Un título respetado de la filmografía de Bergman» (Carlos Aguilar). Escogida entre las mejores películas de la Historia del Cine en la encuesta realizada por la Cinemateca Real de Bélgica en 1995 y en la selección promovida por John Kobal en 1988.
(1018, E.2, C.4)

EL SACRIFICIO / Offret / Andrei Tarkovski (145´) Suecia-Francia, 1986 / s.t. españoles / Erland Josephson, Susan Fleetwood, Valerie Mairesse, Allan Edwall. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Filme testamento que cierra la carrera del gran realizador Andrei Tarkovski y resume inquietudes morales y existenciales del director. Filmada en Suecia. Gran Premio Especial del Jurado, Premio FIPRESCI, premio OCIC y premio al fotógrafo Sven Nykvist en el Festival de Cannes de 1986.
(1014, E.2, C.4)

LA ÚLTIMA CENA / Tomás Gutiérrez Alea (120’) Cuba, 1976 / Nelson Villagra, Silvano Rey, Luis Alberto García, José Antonio Rodríguez, Samuel Claxton, Mario Balmaseda, Idelfonso Tamayo, Julio Hernández, Tito Junco, Andrés Cortina, Manuel Puig, Francisco Borroto, Alfredo O’Farril, Mario Acea, Peki Pérez, Mirtha Ibarra, José Díaz, Elio Mesa. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. En Semana Santa, a fines del siglo XVIII, un conde visita su central azucarero e indica a su cruel capataz, Don Manuel, que escoja doce esclavos para sentarlos a su mesa. En la cena el conde instruye a sus invitados sobre la felicidad que les permite su condición de esclavos y les promete que no trabajarán el Viernes Santo, pero ese día se marcha temprano y Don Manuel obliga a los esclavos a cortar caña todo el día… La Última Cena se basa en una anécdota real, descrita por el historiador Manuel Moreno Fraginals en su libro clásico El ingenio, y motivó muchos elogios de la crítica especializada y le valió a su director numerosos reconocimientos y premios como el Premio del Jurado Colón de Oro en el Festival de Huelva, el Primer premio Hugo de Oro en el Festival de Chicago, el Gran Premio en el Festival Internacional de Cine de Figueira da Foz en Portugal y el Primer Gran Premio en el Festival de Biarritz. Además, fue seleccionado entre los filmes más significativos del año por diversas asociaciones de críticos.
(1378, E.3)

VÉRTIGO / Alfred Hitchcock (128') EE. UU., 1958 / s.t. españoles / James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Esta pieza maestra de Hitchcock, basada en la novela D'entre les morts, de Pierre Boileau y Thomas Narcejac, narra la historia de un ex policía aquejado de fobia a las alturas que es contratado por un antiguo amigo para que siga a su esposa. Así se inicia esta cinta que muestra múltiples excelencias de su realización, entre las cuales cabe citar el guión de Alec Coppel y Samuel Taylor, el diseño de créditos de Saul Bass y la impresionante partitura de Bernard Herrmann. Imprescindible. Este filme se tituló en Cuba De entre los muertos.
(1168, E.2)

LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ / Gone With the Wind / Victor Fleming (238’) EE.UU., 1939 / s.t. españoles / Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia de Havilland. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Para muchos, la película más importante de la historia del cine. Paradigma del filme épico/espectacular, melodrama romántico por excelencia, el recuento de su filmación o de las dificultades para conformar su reparto llenarían cientos de páginas. Una de las películas más premiadas del cine norteamericano de todos los tiempos —ocho estatuillas— y un título imprescindible. Basada en la novela homónima de Margaret Mitchell.
(965-966, E.2, C.3)

SONATA DE OTOÑO / Herbstsonate / Ingmar Bergman (92’) R.F.A., 1978 / s.t. españoles / Liv Ullmann, Ingrid Bergman, Lena Nyman, Gunnar Björnstrand, Georg Løkkeberg, Knut Wigert, Erland Josephson. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. Según Bergman, este filme está construido como una sonata: tres movimientos, dos voces principales, madre e hija. Cuando su amante muere, la famosa pianista Charlotte responde, tras siete años de separación, a la invitación hecha por su hija Eva, casada con un ministro religioso. Para su sorpresa encuentra también en la casa a su otra hija, Helena, quien tiene problemas mentales. Charlotte escogió su carrera por encima de su condición de madre, y ahora debe enfrentarse a esta situación. Las tensiones entre ella y Eva van en aumento: todas las cosas que nunca se dijeron y querían decirse serán expresadas, y el espacio sencillo y solemne del hogar será el lugar ideal para un encuentro tan violento y desolado, marcado por el odio y también por el amor. Último filme importante realizado para la pantalla grande por la actriz Ingrid Bergman.
(3213, T.37)

LOS MALDITOS / Gotterdammerung - La caduta degli dei / Luchino Visconti (151’) Italia- Alemania, 1969 / s.t. españoles / Dirk Bogarde, Ingrid Thulin, Helmut Berger, Renaud Verley, Charlotte Rampling, Umberto Orsini. DVD, Sonido Estereofónico. Colores. En su Historia del Cine el teórico Román Gubern califica este filme de «impresionante retablo de una poderosa familia de industriales en la Alemania nazi» y añade: «Esta potente película que funde la tragedia política y el melodrama familiar en un mismo crisol, inauguró el ciclo viscontiano inspirado por la cultura o la historia alemana de los últimos cien años, cultura con la que su decadente y culto barroquismo formal, rayano a veces en lo enfermizo, ofrece no pocas concomitancias, a pesar de los planteamientos críticos, en el plano político o social, del autor». Filme inspirado, además del Macbeth shakesperiano, en Los Buddenbrook, de Mann. Premios Nastro D'Argento al mejor director del mejor filme y al mejor actor no protagonista (Orsini). Esta cinta es conocida en Cuba bajo el título de LA CAÍDA DE LOS DIOSES.
(3437, T.42)

CANTANDO EN LA LLUVIA / Singin’ in the Rain / Gene Kelly y Stanley Donen (103’) EE UU, 1952 / s.t. españoles / Gene Kelly, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Cyd Charisse. DVD, Colores, Sonido Estereofónico. Este inmortal filme, cuya dirección y coreografía compartieron Kelly y Donen, es una de las cintas más significativas de la historia del cine. Contó con argumento y guión de Adolph Green y Betty Comden, sugerido por la canción Singin’ in the Rain, y los temas musicales fueron escritos por Arthur Freed y Nacio Herb Brown. Considerado por muchos críticos el mejor filme musical de todos los tiempos, Cantando en la lluvia reunió a algunos de sus artistas de mayor trascendencia y dejó para la posteridad números antológicos. No tuvo éxito inmediato entre los especialistas, pero el tiempo se encargó de hacerle justicia. La canción tema, interpretada y bailada por Kelly, se ha convertido en todo un símbolo del género musical. Una de las 100 mejores películas de la Historia del Cine, según la encuesta de John Kobal; primer lugar en la encuesta de AFI sobre los 25 mejores musicales de la Historia del Cine.
(120, E.1, C.4)

EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO / Il Vangelo Secondo Matteo / Pier Paolo Pasolini (134’) Italia, 1964 / s.t. españoles / Enrique Irazoqui, Margherite Caruso, Susana Pasolini, Marcello Morante. DVD, Blanco y Negro. Título fundamental en la filmografía del desaparecido realizador Pasolini en el que ofrece una personal visión de los Evangelios como parte de un vasto proyecto de abordar con nueva óptica los mitos, las figuras y los sueños de la cultura occidental. Filmada en Italia, se distingue por la sencillez de su puesta en escena, su sobriedad y naturalismo, y en ella Pasolini desarrolló un nuevo estilo de edición basado en rápidos cortes e inusuales yuxtaposiciones que él llamó “técnica sagrada”.
(283, E.1, C.8)

ALEMANIA, AÑO CERO / Germania Anno Zero / Roberto Rossellini (78’) Italia-Alemania, 1947-48 / s.t. españoles / Edmund Meschke, Ernst Pittschau, Ingetraud Hinze, Franz Krüger, Erich Gühne. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Imágenes de viviendas y tiendas bombardeadas van acompañadas de tomas de la Cancillería del Reich destruida, donde del gramófono surge la voz de Hitler. En el verano de 1947, el director italiano Roberto Rossellini rodó en Berlín una epopeya de posguerra tan carente de sentimentalismo como trastornadora. Filmada tras las películas Roma, ciudad abierta (1945) y Paisa (1946), todos los actores escogidos por él excepto Ernst Pittschau en el rol del padre de Edmund, eran aficionados, lo que no hizo sino incrementar el efecto increíblemente auténtico del filme, cuyo título llegaría a la fama. La trama gira en torno a Edmund, un joven rubio y flacucho, a quien privan de su infancia. Desesperadamente intenta hacer frente a esa vida de perros y mantener a su familia mediante trabajos eventuales, negocios en el mercado negro e incluso hurtos. Pero Hennig, su antiguo maestro, llena la cabeza del joven de pensamientos nacionalsocialistas, y Edmund comienza a aplicar estos preceptos: solo los fuertes han de sobrevivir...
(29, E.1, C.2)

LOS CABALLEROS LAS PREFIEREN RUBIAS / Gentlemen prefer blondes / Howard Hawks (90’) EE.UU., 1953 / s.t. españoles / Jane Russell, Marilyn Monroe, Charles Coburn, Elliott Reid. DVD, Colores, Sonido Estereofónico. Entretenida historia de dos chicas tras la pista de hombres adinerados de dos continentes. Marilyn está en su mejor momento como la cazadora de fortunas Lorelei Lee, y Russell aporta una cómica interpretación como su amiga. Basada en la pieza teatral de Broadway, con memorables canciones al estilo de Diamonds Are a Girl’s Best Friend, reciclada en el musical Moulin Rouge!.
(111, E.1, C.4)

CLEO DE 5 A 7 / Cléo de cinq a sept / Agnes Varda (87’) Francia, 1961 / s.t. españoles / Corinne Marchand, Antoine Boursellier, Dorothée Blank, Michel Legrand. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Una cantante joven y muy hermosa recorre París durante dos horas, mientras espera el resultado de una biopsia. «Una de las creaciones más convincentes y bellas del cine francés contemporáneo. Su aporte: la conjugación maestra que Varda hace del tiempo y el espacio... Es el mejor filme de esta cineasta» (Mario Rodríguez Alemán).
(1020, E.2, C.4)

HIROSHIMA MI AMOR / Hiroshima mon amour / Alain Resnais (90’) Francia, 1959 / s.t. españoles / Emmanuelle Riva, Eiji Okada, Stella Dassas, Pierre Barbaud, Bernard Fresson. DVD, Sonido Estereofónico. Blanco y Negro. Hiroshima, 1958. Una actriz francesa participa en el rodaje de una película. Cuarenta y ocho horas antes de marcharse, la actriz vive su última noche en Hiroshima acompañada por su amante japonés en la habitación de su hotel situada frente al cenotafio que marca el lugar donde cayó la bomba. La pareja vive una intensa noche de amor. Su imaginario mezcla los recuerdos trágicos de la ciudad durante sus juegos amorosos. El hombre, arquitecto de oficio, desea volver a verla. La actriz sale del hotel para asistir al último día de rodaje. El arquitecto se reúne con ella durante el rodaje de la escena de una manifestación pacifista. La actriz está extenuada por la jornada de trabajo y él la conduce a su casa. Él le hace preguntas sobre su juventud en Francia. Ella le cuenta que catorce años antes vivió su primer gran amor… Guión de Marguerite Duras.
(2485, T.21)

Programación y Notas: Antonio Mazón Robau

Cinescape desde el Riviera Maya Underground Film Festival RMUFF 2011 (Tv mexiquense)

2011-10-19T10:36:00.000-07:00

Entrevista a jurados, RMUFF 2011, Playa del Carmen, Quintana Roo, México

2011-10-11T10:42:00.001-07:00

RMUFFTV's Channel

PREMIOS DEL RIVIERA MAYA UNDERGROUND FILM FESTIVAL, RMUFF 2011

2011-10-10T14:00:00.000-07:00

Ganador Categoría Ficción:

"PROTOPARTÍCULAS" de Chema García, de España

Mención Especial "DULCE" de Iván Ruíz Flores, de España

Ganador Categoría Documental:

"PA TODO MAL" de Geovanni Ocampo, de México

Mención Especial "A FLOR DE PIEL" de Christian Nájera de México
Reconocimiento Especial Categoría Documental a "LOS INVISIBLES" de Mark Silver y Gaél García Bernal de México

Ganador Categoría Animación:

"MUTATIO" de León Fernández, de México

Menciones Especiales a "LUMINARIS" de Juan Pablo Zaramella, de Argentina y "CLEAN IS GOOD" de Carlos Matiella de México

Jurados:
Jorge Pucheux
Emilio Portes
Carlos Barba

Riviera Maya Underground Film Festival RMUFF, del 6 al 9 de octubre de 2011, Playa del Carmen, Quintana Roo, México

2011-10-07T07:34:00.000-07:00

Visite la página: www.rmuff.com

Se estrena "Dos veces Ana", nuevo filme del cineasta Sergio Giral

2011-10-03T15:45:00.000-07:00

"A la gente mala la culebra le muerde la cabeza".

2011-09-23T14:20:00.000-07:00

20 aniversario del serial cubano La Botija: Entrevista con su director Danilo Lejardi

Revista literaria y cultural SiC, Editorial Oriente, julio-agosto-septiembre 2011

Por Carlos Barba
cineasta

¿Cómo surge la idea de La Botija?, tú habías sido director asistente en La gran rebelión y Algo más que soñar...

La Botija y yo fuimos como caminos que un buen día se cruzaron. Por un lado, Gerardo Fernández venía trabajando por su propia cuenta en la escritura de una serie para la TV. Y, por otro, yo estaba inmerso en mi preparación para lanzarme a la dirección de proyectos de ficción.
Antes, yo había acumulado una pequeña pero significativa filmografía como director de documentales, algunos de particular relieve como es el caso de Canción de ayer y después, que obtuvo el Grand Prix en el Festival de Cine de Hungría de 1978.
Pero sucede que en esos años era casi un requisito acumular horas de vuelo como asistente de dirección en proyectos de ficción antes de poder asumir el rol de director. De manera que primero me enrolé como director asistente de La gran rebelión, de Jorge Fuentes, proyecto en el que estuve trabajando casi dos años, y el cual considero como mi verdadera escuela dentro de la realización de ficción; luego desempeñé el mismo cargo en Algo más que soñar, de Eduardo Moya.
Fue Ángel Alderete, querido amigo y genial fotógrafo, quien unió los cabos. Él supo del proyecto que venía escribiendo Gerardo, y que ya yo estaba prácticamente listo para dirigir mi primer proyecto de ficción. Entonces, nos puso en contacto a Gerardo y a mi. Y ahí empezó todo.

La Botija que finalmente se vio en pantalla es el resultado de un trabajo muy arduo del guión; éste pasó por diferentes versiones que lo fueron enriqueciendo no sólo en términos de dramaturgia sino en cuanto a la posibilidad de un mayor despliegue de elementos artísticos y estéticos.

¿Qué institución produjo La Botija?

La Botija fue producida por los Estudios Granma, una dependencia de la Dirección Política de las FAR para el cine y la TV que se enfocaba en la producción de materiales audiovisuales de contenido patriótico-militar, series dramáticas para TV, programas de TV como Farvisión; documentales, didácticos, noticieros y otros.

Hablemos de interioridades de la serie, momentos de preparación y filmación; recuerdo el rostro del protagonista Teo niño con mucha plasticidad...

La etapa de preparación, la prefilmación, de La Botija no fue particularmente traumática. Entiendo que esto se debió a que el equipo de dirección tenía muy definidos sus objetivos tanto desde el ángulo de la producción como desde el punto de vista artístico. También porque estos presupuestos fueron compartidos con todos y cada uno de los comprometidos en el proyecto: desde asistentes y jefes de departamento, pasando por los especialistas y técnicos, y hasta los auxiliares de rodaje y miembros del equipo de transportación. Considero que el éxito que después constituyó el serial en términos de producción, y de productividad, en los rodajes se debió precisamente a esto.
Realmente, no pudimos hacer ensayos "en seco" con los actores; apenas dos o tres ensayos de situación previos al rodaje donde se ajustaron algunos aspectos cruciales de la caracterización interior de los personajes, y donde terminamos de ajustar el "look" del proyecto en términos de fotografía, vestuario, maquillaje y otros aspectos de índole estético. Sin embargo, sí logramos hacer efectivos trabajos de mesa con los actores, sobre todo alrededor de aquellas escenas donde se perfilaba mejor sus respectivos desempeños en torno al conflicto fundamental de la obra.
Supimos desde un principio que para garantizar las exigencias del guión debíamos conformar un elenco de actores procedentes de varios medios; también que debíamos combinar técnicas en la dirección de estos actores; teníamos actores de gran experiencia en cine, teatro y TV, otros que comenzaban a dar sus primeros paso en la actuación, y otros que no tenían ninguna experiencia, como es el caso de los niños y, en particular, el protagonista, Teo niño.
Hablando del personaje de Teo niño, me viene a la mente que fue éste quizás el aspecto más complejo del casting; dada su gran permanencia en pantalla, este personaje liderea los 12 primeros capítulos de la serie, debía ser un actor dotado de gran sensibilidad, fuerza, agilidad y resistencia física, así como de una acusada fotogenia. Fue Belkys Vega, nuestra asistente de dirección (que ya era una directora consagrada de cine) quien, después de una intensa búsqueda encontró a Darío Fernández, por ese entonces cursando estudios en Ciudad Libertad. Darío cumplió a cabalidad los requisitos del personaje, y luego fue premiado por la Sección de Artes Escénicas de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) con un Premio Especial por su desempeño en este personaje.

Creo mucho en la capacidad de los actores de trasmitir verdad, y las decisiones que he tomado en el campo de la dirección de actores han partido siempre de esta premisa. Pero los actores no pueden trasmitir verdad en abstracto; necesitan de una base firme y, a la vez, suficientemente flexible que les permita desplegar su arte. Y esa base es el guión. Por eso, para mi la dirección de actores comienza en el guión. Yo atribuiría prácticamente un 70% del éxito en las actuaciones al hecho de haber partido de un buen guión; el 30% restante tiene que ver con aspectos muy concretos del "momento" actoral como son las condiciones del rodaje, y la situación personal (íntima) del actor en medio de éste, entre otros.

Quisiera detenerme precisamente en los tres métodos diferentes que abordaste en el trabajo con los actores.

Bueno, por un lado, estaban los actores profesionales: Isabel Moreno, Luis Alberto Ramírez, Herminia Sánchez, Mario Balmaseda, Raúl Eguren, entre otros. Con ellos, realizamos un buen trabajo de mesa, pero sin ensayos. La idea era que ellos llegaran frescos al rodaje con los aportes creativos respecto de sus personajes. Y, en realidad, salvo pequeñas precisiones, relativas al ajuste del tono de la obra y algunos aspectos técnicos propios del rodaje, esto funcionó de maravillas.
Ahora bien, dentro de este grupo hay dos situaciones que me gustaría destacar.
Ya sabes que un personaje clave en la obra es el de Don Julián, un español ermitaño. Y yo estaba muy preocupado con este personaje, porque exigía una caracterización muy seria; no quería que aquello se convirtiera en la clásica caricatura de "el gallego", a lo teatro bufo. Estábamos barajando dos opciones importantes, una con un actor extranjero, y otra, con un destacado actor cubano. En algún momento, alguien mencionó a Miguel Gutiérrez como una tercera opción y a mi, en verdad, no me sedujo mucho la idea. Independientemente de que conocía su larga y fructífera trayectoria dentro del teatro, la TV y el cine, había algo en su proyección física que no me encajaba con la de Don Julián; con esa aura de eterno galán, se me antojaba demasiado sofisticado como para encarnar un personaje curtido por las duras faenas del campo. De todas maneras, le extendimos una copia de la sinopsis de la serie y lo citamos a una entrevista.
Bueno, pues para la sorpresa de todos los presentes, en medio de la reunión, Miguel se nos caracterizó como Don Julián. Empezando porque llegó hablando con un acento gallego legítimo, sumamente coloquial; luego, a medida que avanzábamos en el diálogo, fue extrayendo de su mochila diversos elementos que apoyaban el "look" del personaje: primero, se colocó una boina; después extrajo una gastada pipa y comenzó a fumar; más adelante, se vistió con un chaleco, y así sucesivamente hasta devolvernos la imagen del personaje que necesitábamos. Hasta cantó unas tonadas en gallego que luego fueron incorporadas a la serie. Lo que sigue, ya es conocido.

Otro caso fue el de Luisa María Jiménez en el papel de la Madre de Teo. Luisa tiene pocas aunque muy significativas escenas dentro de la serie, partiendo de que es su decisión de separarse del niño, su hijo, lo que desencadena toda la historia. Ahora bien, los primeros diez minutos, que están dedicados a exponer porqué ella toma esta decisión, se concibieron como una especie de monólogo del personaje de la Madre con la cámara -que a su vez representa una subjetiva del niño. Esto es sumamente difícil para un actor, ya que debe relacionarse y dialogar, nada menos que con una cosa tan fría e impersonal como la cámara. Aquí acudimos a improvisaciones alrededor de determinadas situaciones pero, en realidad, el peso de este trabajo lo cargó la propia Luisa; su genialidad como actriz hizo posible que algo tan irreal pareciera orgánico, fluido y sobre todo, que trasmitiera verdad.
Hay un segundo grupo de actores que, aunque ya tenían una formación como tal, no poseían suficiente experiencia ante las cámaras. Es el caso de Vladimir Cruz, Jacqueline Arenal, Miguel Ángel Rodríguez, entre otros...; el propio Andrés Cortina (Tafiá). Con muchos de ellos sí hicimos ensayos de situación en la prefilmación con el fin de precisar los perfiles sicológicos de sus personajes; también durante las filmaciones algunas veces recordábamos algunos aspectos de su propia formación como actores, acudiendo a ejercicios de concentración, relajación, memoria emotiva y otros.

Y el tercer grupo es el que comprende a los que no tenían formación actoral ni experiencia previa en los medios, como es el caso de los niños que encarnaron roles protagónicos. Aquí se destaca Darío Fernández, el Teo niño, como ya te comentaba anteriormente. Este fue un trabajo de mucha sensibilidad en el que se vieron involucrados todos los participantes en los rodajes: desde el equipo de dirección hasta los auxiliares de producción. La idea era la de crear, en primer lugar, un clima agradable para los niños; un ambiente donde se sintieran confortables y seguros, donde se les convocaba exclusivamente para recrear algunas situaciones muy específicas. Y digo que se les "convocaba exclusivamente" porque siempre se trató de optimizar el trabajo con los niños, tratando de no someterlos en lo posible a las largas y tediosas jornadas de las grabaciones. Los miembros del equipo se alternaban en el cuidado de ellos entre las pausas del rodaje, generando juegos y distracciones acordes con sus edades.
En lo que se refiere concretamente a sus desempeños frente a las cámaras, opté por realizar improvisaciones sobre situaciones similares a las que narraba la historia, una especie de juego de roles. De hecho, nunca se les dieron los textos para que fueran aprendidos por ellos. Muchos de los resultados que se observan en pantalla no se corresponden con el verdadero contenido dramático de la escena en cuestión; la continuidad en términos dramáticos fue resuelta después con la edición. De todas formas, hay que decir que fue una bendición haber podido contar con Darío Fernández para asumir este rol; su gran sensibilidad e inteligencia, unidos a su peculiar fotogenia, contribuyeron enormemente para que este personaje trasmitiera acertadamente la esencia de la serie y captara la atención del público.

La escena del nacimiento de Teo, tratada de una manera tan original...

En realidad, este plano del nacimiento de Teo forma parte de una gran secuencia inicial donde queríamos mostrar el mundo sórdido y precario en el que le tocó nacer, sin que se viera al personaje en cuestión. Todo debía funcionar como una gran subjetiva del niño, desde su nacimiento hasta bien avanzada su infancia, deteniéndonos en aquellos momentos que más habían herido su sensibilidad, y conformado en cierta medida su compleja personalidad. Es la secuencia que te narré antes donde Luisa María ( la Madre) interactúa todo el tiempo con la cámara. El momento del nacimiento era vital para mostrar que, de alguna forma, no había sido bienvenido. Una vez extraído del vientre de su madre, vemos cómo ésta manifiesta cierto desagrado ante la visión del recién nacido. Aunque no lo parezca, fue un plano sumamente complejo dados los diversos elementos que se debían coordinar. Sobre los detalles técnicos debieras preguntarle a Alderete…

Pues hablemos del director de fotografía Ángel Alderete, un gran colaborador...

Siempre me he referido a Aldo (Ángel Alderete) como una pieza vital dentro de La Botija; su aporte como fotógrafo fue decisivo. Pero su colaboración se extendió a muchas otras áreas: desde las estrategias de la producción hasta el propio diseño artístico original.
De igual forma, entiendo que todos los especialistas de la serie dieron lo mejor de sí. Derubín Jacome en la dirección de arte, Diana Fernández en el diseño de vestuario, Donato Poveda con su inolvidable música, Onelio Larralde en la escenografía y la ambientación, Omar Hechavarría con el diseño de sonido, Arnoldo Salas en la edición, Lizette Vila en la asesoría musical; el productor Rogelio Sandín, los asistentes, los auxiliares. El trabajo con cada uno de ellos, sus respectivos desempeños merecería un espacio mucho mayor. Recuerda que una buena parte de La Botija se filmó en escenarios naturales de la Sierra Maestra; tuvimos que vivir durante muchas semanas en condiciones de campaña, casi tocando las nubes. Nuestros transportadores y asistentes de producción tuvieron que realizar verdaderas hazañas para asegurar el cumplimiento del apretado plan de rodajes.

La música genial de Donato Poveda, la dirección de arte, y diseños de vestuario, por Derubin Jácome y Diana Fernández. Coméntame de estos apartes.

No creo que alcance este espacio para hablar como es debido sobre el trabajo con estos verdaderos magos de la creación. Necesitaría más de una vida para agradecer lo suficiente no sólo todo lo que ellos aportaron a la serie sino lo que me permitieron aprender.
Con Diana Fernández, la diseñadora de vestuario, ya yo había ido desarrollando una amistad debido a que trabajamos juntos en Algo más que soñar. De todas maneras, no podía contar en firme con que fuera a colaborar en La Botija porque por esa época ella ya era muy solicitada, particularmente en el ICAIC. Y ni soñar con que su esposo, Derubín Jacome, constituido también ya en un laureado diseñador de teatro y cine, pudiera siquiera hacernos el favor de ayudarnos en el área de escenografía y ambientación.
Sucede también que por aquellos días ya se estaba comenzando a organizar la realización del filme La Bella del Alhambra del querido Enrique Pineda Barnet, donde ambos, Diana y Derubín, habían sido previamente convocados. Bueno, todavía no sé cómo pero finalmente logramos convenir un estilo de trabajo que les permitió simultanear ambos proyectos sin detrimento, por supuesto, de ninguno de los dos. Derubín se encargaría de la dirección de arte de La Botija, delegando en Onelio Larralde los aspectos prácticos de la escenografía y la ambientación; y Diana asumiría el diseño de vestuario de la serie.
Profundizar en el trabajo de los especialistas equivaldría a develar algunos de los presupuestos artísticos y estéticos de la serie:
Por ejemplo, el tema del color. Si te fijas bien notarás que en La Botija hay ausencia de los colores primarios, al menos de la gama RGB, salvo en los casos en que obligadamente la naturaleza los proporcionaba. Esto se extiende en cierta medida también a los colores secundarios. Por diversos motivos de índole artística y técnica, Aldo (Alderete) y yo llegamos a la conclusión de que debíamos trabajar sobre la base de tonos carmelitas y ocres, y en caso de usar otros colores, éstos debían aparecer siempre desaturados y/o apastelados.
Dentro de esta línea, Diana aportó el uso de la gama del siena como color dominante, que es la línea que finalmente se impuso, así como variantes y mezclas con otros colores para evitar la monotonía tonal. Con Diana logramos otro aspecto vital para la narración y es que el vestuario de alguna forma "pintara" el alma de los personajes. Las ropas oscuras del Teo joven difieren de los tonos claros del mismo personaje cuando es niño, porque en su propio tránsito hacia la adultez el personaje se va nutriendo de aspectos muy negativos. Si te fijas en el vestuario de Elvira (Jacqueline Arenal), verás que generalmente está pintada con tonos claros, por la sencilla razón de que es un personaje "positivo" a lo largo de todo el relato.
Aparte de innumerables aspectos de índole artística, Derubín nos regaló una dirección de arte caracterizada por la sobriedad, el buen gusto, y sobre todo, la eficacia en términos de producción. Gracias a él y a Onelio pudimos dar vida a uno de nuestros principales anhelos que era el de grabar los interiores de La Botija en un estudio. Durante un tiempo, Aldo y yo habíamos examinado diversas variantes en este sentido con el fin de abaratar los costos, ganar en productividad, y tener un mejor control sobre las condiciones de iluminación. Casi a punto de abandonar esta idea, se nos ocurrió la posibilidad de construir un estudio dentro de lo que había sido la Escuela de Circo, parte de las instalaciones de la Escuela Nacional de Arte en Cubanacán. Y lo que parecía imposible, dado el estado de total abandono de este lugar, se convirtió en el escenario para nuestras grabaciones interiores. Se construyeron paneles deslizables, multiusos, que agilizaron tremendamente los rodajes; se habilitaron salas de maquillaje, almacenes para vestuario y luces, baños y comedores. Omar Hechavarría, nuestro diseñador de sonido, logró ajustar la caótica acústica de este lugar y aportó tal calidad en la grabación del sonido directo que incluso otros sonidistas pensaron que se trataba de audio doblado, generado en estudio. Y aquí finalmente transcurrió la mayor parte de las grabaciones. Gracias, repito, al ingenio de Derubín, Onelio y otros cercanos colaboradores.

Con Donato Poveda, el trabajo fue toda una pascua. Lizette Vila, asesora musical, fue quien nos lo recomendó. Y en realidad esta idea me entusiasmó tremendamente porque desde antes ya conocía de su potencial creativo, de su rigor, y de su calidad como persona. Después de una primera entrevista, donde le entregué los guiones y le expuse cuáles eran los presupuestos de la obra en todas las direcciones posibles, quedamos pendientes de no avanzar demasiado hasta conseguir el tema musical principal de la obra; era vital para ambos pisar en terreno firme desde el principio.
Y así fue, transcurrido muy poco tiempo, Donato me convocó para que lo escuchara interpretando el tema principal de La Botija a guitarra. Que es el mismo que hemos escuchado después al principio y al final de cada capitulo de la serie. El resto de la banda sonora, que era básicamente música incidental, se ajustó perfectamente a la obra. ¿Qué más puedo decir?. Que Donato es un bárbaro, un genio de la música y una increíble persona.
Pero hay otros muchos especialistas, quizás de no tanto renombre, que colaboraron grandemente en el éxito artístico de La Botija: Arnoldo Salas por su pulcra edición y su gran disciplina. Gerardo Touza que hizo un trabajo destacado y muy complicado en las luces. Y nuestro laborioso, y más que paciente, productor general, Rogelio Sandín, que demostró ser también un artista de la producción.

¿Cuáles fueron las fechas de estreno de La Botija, las de inicio y fin de rodaje?. ¿Qué día se estrenó en la TV Cubana y cuál fue el horario?

La Botija se estrenó el 18 de julio de 1990, en el horario de las 8 y 30 de la noche, por Cubavisión. Los 21 capítulos fueron exhibidos durante la programación de verano. Las grabaciones comenzaron en los primeros meses de 1989, y duraron alrededor de 6 meses; inicialmente el rodaje estaba concebido para tres meses pero la irrupción de un importante ciclón en las costas del municipio Guamá nos obligó a suspender los rodajes y volver un par de meses después ya que algunas de las locaciones exteriores fueron seriamente afectadas. La mayoría de los exteriores se rodaron en una zona aledaña al Pico Turquino, otros pocos en la ciudad de Santiago de Cuba. Todos los interiores se hicieron en el estudio de la Escuela de Arte de Cubanacán.

¿Por qué nunca se realizó la versión sintética para el cine?, aquí descubriremos algo muy interesante: además del guión original, se confeccionó uno para cine, y se filmaban esas escenas inmediatamente después que se grababan las del serial.

Efectivamente, se hizo un guión para una versión cinematográfica; no era un resumen de la serie, sino que se tomaron algunos momentos de la historia para servir de base a un relato con un superobjetivo diferente; la película se centraba más en el personaje de Teo joven, con flashbacks a su infancia. Y se filmó en su totalidad. La estrategia era la siguiente: se grababan los planos del guión de la serie para la TV, y una vez satisfechos con los resultados, procedíamos a filmar los planos correspondientes a la versión de cine. Por supuesto, la puesta en pantalla para cine difería de la de video, siempre debíamos hacer algunas adecuaciones, sobre todo en el área de cámara y ajustar también el texto y el movimiento de los personajes. Pero como ya todo el mundo estaba "en forma", las filmaciones se desarrollaban sin mayores dificultades.

O sea, las secuencias para cine se filmaron en 35 mm, y las de la serie de TV en vídeo?

Exacto, la versión para cine se filmó en 35 mm, color; la serie de TV se grabó en Betacam, que era el formato de video más profesional en aquel momento.

¿Y qué ocurrió?

Sucede que cuando después fuimos a trabajar en la posproducción de la película, nos encontramos con que el material negativo original estaba en tales condiciones que no permitía hacer trabajos elementales de trucaje como disolvencias, cámaras lentas, sobreimpresiones y demás. O sea, debíamos hacer la narración a base de corte directo entre plano y plano, sin efectos visuales. Esta situación lastimaba tremendamente la concepción del guión original, que partía de la utilización de diversos efectos de luz y color como parte sustancial del relato, así como de recursos de traslación en el tiempo; dicho de otra manera, se empobrecía el producto final.
Ya la serie de TV se había exhibido con una acogida significativa a nivel artístico. No parecía conveniente aparecernos meses después con una versión cinematográfica que, ineludiblemente, hubiera estado muy por debajo de su antecesora en la TV. Y por eso, lamentablemente, desistimos de dar vida a la película La Botija. Con seguridad hoy día, gracias al auxilio de la tecnología digital, podríamos intentarlo nuevamente y estoy seguro de que, esta vez, sí contaríamos con un excelente producto final.

Luego del éxito de público de La Botija vinieron los premios y reconocimientos...

Recuerdo gratamente en aquel año 1990, durante los premios Caracol de la UNEAC, La Botija y La Bella del Alhambra, barrieron prácticamente en las categorías de TV y Cine.

Aquí están los Premios Caracol. Cine, Radio y TV. UNEAC 1990:

Mejor Fotografía Serie TV – Ángel Alderete
Mejor Música – Donato Poveda
Mejor Dirección de Arte - Derubín Jacome
Mejor Diseño de Vestuario – Diana Fernández
Mejor Escenografía y Ambientación – Onelio Larralde
Mejor Edición – Arnoldo Salas
Mejor Sonido – Omar Hechavarría
Mejor Dirección Serie TV - Danilo Lejardi

Premios Artes Escénicas. UNEAC 1990:

Mejor Actuación Masculina TV – Miguel Gutiérrez ( por el personaje de El Gallego)
Mejor Actuación Femenina TV – Luisa María Jiménez ( por el personaje de la Madre de Teo)
Premio Especial – Darío Fernández. ( por el personaje de Teo niño)

También obtuvimos varios Premios Coral en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana 1990:

Mejor Actuación Femenina TV – Isabel Santos (por el personaje Martica Mascavidrio)
Mejor Música – Donato Poveda
Mejor Banda Sonora – Omar Hechavarría / Lizette Vila
Mejor Fotografía – Ángel Alderete
Mejor Dirección de Arte - Derubín Jacome

Tal vez, como tienes muchos años viviendo en Colombia, no sepas que la frase "A la gente mala la culebra le muerde la cabeza" hasta hoy día en Cuba la gente continúa utilizándola en varios contextos...

No tenía idea de que esta expresión se hubiera hecho popular. Me alegra saberlo. Este refrán es dicho varias veces por Tafiá, el haitiano, a lo largo de la serie; es su manera de infundir temor para frenar los instintos negativos de algunos personajes. Fue aportado por Gerardo Fernández desde el argumento inicial y se mantuvo hasta la versión definitiva del guión: "A la gente mala, la culebra le muerde la cabeza".

¿Qué ha sido convivir estos 20 años con La Botija, con el recuerdo de haber realizado una obra tan extraordinaria?.

Mira, Carlos, actualmente dedico buena parte de mi tiempo libre a la realización de arte digital; básicamente son imágenes fijas a manera de ilustraciones sobre diversos temas: el panteón yoruba, palo (las reglas del congo), surrealismo, mitologías y otros. Muchas de estas imágenes se venden y circulan por internet.
Recientemente, una respetada cineasta cubana vio algunas de estas imágenes y las elogió, dejando su comentario en el blog de La Botija que actualmente escribo. Sin embargo, al final, dejaba una pregunta en suspenso: "¿pero qué se habrá hecho del realizador?". Imagino que (se) preguntaba porqué no había seguido ejerciendo la realización respecto de los medios audiovisuales; imagino además que lo haya hecho con la mejor de las intenciones.
Por un lado, yo me mantengo activo en los medios, escribiendo y dirigiendo productos audiovisuales de carácter básicamente comercial; y con el fin de tener un mayor control sobre el resultado artístico final, he logrado dominar la edición digital, la animación de efectos visuales, variados programas de modelado en 3D y otros aspectos, incluida la creación de música original.
También sucede que llevo 15 años ejerciendo la docencia, siempre en áreas vitales para los medios como guión y realización, lo cual me ha obligado a mantenerme actualizado respecto a los avances y tendencias dentro de estos campos.
De todos maneras, para mi, lo anterior no contesta la pregunta de mi colega.
Tendría que comenzar a extenderme sobre temas que ya traté en detalle en el blog. Por ejemplo, que llegué a la realización como una alternativa para crear arte. O sea, no puedo decir que "me moría por ser director de cine ", o que "desde muy joven soñaba con dirigir para la televisión ...". No, nada de eso. Abracé los "medios" como hubiera podido abrazar también un violín, una escultura, o una pieza de orfebrería.
Por supuesto, los que me conocen bien pueden dar fe de que me apasiono hasta el absurdo con aquello que me proponga. No puedo hacer nada en lo que realmente no crea. Y pienso que La Botija también se inscribe dentro de todas aquellas cosas que hice, y hago, con toda la pasión y la inteligencia que están a mi alcance.
También soy de los que se desgasta y se consume con la propia obra; de manera que una vez concluida, sencillamente, a seguir con otra cosa. Valoro mucho la experiencia que tuve; me maravillo de haber podido contar con tanto talento, y sobre todo con tanta calidad humana. Pero ya.
Lo primero que hice después de La Botija en Cuba fue tomar nuevos rumbos; caminos que siempre había querido explorar. El teatro, los comerciales, video clips musicales…, partiendo desde cero, con equipos de 2 personas, aprendiendo. En parte también porque soy de los que entiendo que hay que saber cuando llega el momento de dejar la butaca disponible para los demás. Siempre fui muy critico con aquella política de las plantillas de creadores vitalicios; no iba a caer precisamente en la misma trampa. Todos necesitamos nuestro "momento". Y por aquella época en Cuba, la gente joven del cine y la TV tenía muchas posibilidades y espacios, pero pocas oportunidades concretas de demostrar su talento. Ojalá esto haya cambiado.
¿Realizador? Bueno, yo me realizo tomándome una cerveza, preparando un buen picadillo, jugando con mi nieta, asesorando a mis alumnos, haciendo mis imágenes sobre los orishas...; a todo eso, y a otras muchas cosas, les pongo el mismo amor y la misma dedicación, igual que si se tratara encarar la dirección de un filme o de una serie para la TV. ¿O es que acaso no es lo mismo?

Nota: Fotos cortesía de Danilo Lejardi.

Visite el blog dedicado al 20 aniversario de la recordada serie cubana: http://lejardi2010.wordpress.com/

"El hombre del siglo", un documental de Carlos Barba

2011-09-18T16:59:00.000-07:00

El hombre del siglo

Documental / Cuba / Mini-DV / 2006 / 35’
Productora. Mareafilmes con la colaboración de la EICTV

Dirección: Carlos Barba
Producción: Luciano Castillo
Guión. Carlos Barba
Fotografía: Carlos Rafael Solís
Edición: Ramón Ramos
Sonido: Ramón Ramos
Diseño afiche: Emilio Yero

Sinopsis. Al cumplirse 15 años del estreno del filme El Siglo de las Luces (1992), su director, Humberto Solás, nos narra cómo enfrentó ese ambicioso proyecto en medio de circunstancias adversas, pero siempre fiel a su deseo de llevar a la pantalla la magnífica novela de Alejo Carpentier.

TV Cubana rinde homenaje al cineasta Humberto Solás a tres años de su desaparición física

2011-09-16T12:47:00.000-07:00

El programa De cierta manera, que conduce y dirige el importante crítico e investigador Luciano Castillo, también director de la Mediateca de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, rendirá tributo al emblemático cineasta cubano Humberto Solás fallecido hace tres años, el 17 de septiembre de 2008. En esta ocasión se transmitirá Un hombre de éxito (1986), la primera cinta cubana en obtener una candidatura para los premios Oscar, y multipremiada en varios festivales internacionales, protagonizada por César Évora y con las actuaciones de Raquel Revuelta, Daisy Granados, Mabel Roch, Jorge Trinchet y Carlos Cruz entre otros. Igualmente se estrenará en televisión el documental realizado por Carlos Barba, veinte años después, Un hombre CON éxito (2006), donde Solás expone interesantes testimonios acerca de esta producción del ICAIC realizada con pocos recursos y que también obtuvo el primer premio Coral en el VIII Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. El excelente programa De cierta manera, que cada vez suma más televidentes y adeptos, saldrá al aire el próximo domingo 18 de septiembre de 2011, a las 9 de la noche por el Canal Educativo 2.
Mabel Roch y César Évora en el filme Un hombre de éxito, de Humberto Solás. (Foto ICAIC)

FICHAS TÉCNICAS:

Un hombre de éxito

Productora ICAIC / 1986 / Ficción/ 35mm
Guión: Juan Iglesias y Humberto Solás
Dirección: Humberto Solás
Dirección de Fotografía: Livio Delgado
Edición: Nelson Rodríguez
Música Original: Luigi Nono
Sonido: Carlos Fernández
Producción General: Humberto Hernández
Con: César Évora (Javier Argüelles), Raquel Revuelta (Raquel), Daisy Granados (Rita), Jorge Trinchet (Darío Argüelles), Mabel Roch (Ileana Ponce), Rubens de Falco (Iriarte), Carlos Cruz (Puig), Miguel Navarro (Lucilo)

Sinopsis: La Habana, años treinta. Un joven ambicioso inicia su carrera de ascenso social valiéndose de su capacidad de seducción y sobre todo, de su carencia de escrúpulos. Después de la caída de la dictadura de Gerardo Machado en 1933, se propone insertarse definitivamente en las esferas sociales más poderosas. A partir de ese momento su carrera política se desarrollará exitosamente década tras década. Paralelamente a ello se van desmoronando sus vínculos familiares y afectivos, sacrificados por el oportunismo y la traición.

Un hombre CON éxito

Productora: MAREAFILMES con la colaboración de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños (EICTV), 2006 / documental / DVCam
Guión y dirección: Carlos Barba
Edición: Ramón Ramos
Director de fotografía: Carlos Rafael Solís, (a.c.f.)
Música (para el filme Un hombre de éxito): Luigi Nono
Producción: Luciano Castillo
Con: Humberto Solás

Sinopsis: Dos décadas después de su realización, el cineasta Humberto Solás evoca las circunstancias de la realización y otros elementos de interés sobre su filme Un hombre de éxito (1986). Primera cinta cubana en obtener una candidatura al Oscar.

Px.2011

Isabel viendo llover en lo más hondo

2011-09-15T20:00:00.000-07:00

sobre el documental Mujer que espera, de Carlos Barba

Por Ileana Rosabal / revista SiC No. 27, julio-agosto-septiembre 2005, Editorial Oriente

"La soledad es no poder decirla", Alexandra Pizarnik

Ella camina por la guardarraya, mira hacia atrás y sonríe, sonríe a la cámara. La vemos alejarse bajo el sol tibio, que cae sobre su piel cubierta de pecas diminutas.
Corte. Ha llegado al portal de una humilde casita del batey, se acomoda en el suelo, prende el cigarrillo y rememora los inicios de la actriz crecida cerca de un ingenio azucarero en Camaguey.
Close up al rostro de la niña que fue Isabel Santos. Gran primer plano a sus ojillos encandilados por el proyector, alegre como los otros niños que también descubren el cinematógrafo contra la pared de un almacén de abono.
Corte. Con el movimiento nervioso de las manos envueltas en el humo del cigarro, rememora el campo sin electricidad y con pocas diversiones, la idea del cine a través del inefable rostro de Adela Legrá haciendo de Manuela, la luz del candil sobre los libros clásicos que traía su madre para sofocarle el tedio de los cañaverales.
Nos cuenta que ella misma, la tímida guajirita, soñaba distinto a las muchachas del lugar; nos dice del apego a los animales, los miedos, la guía materna, los retos, la mala ortografía, las inhibiciones, los primeros personajes, el reconocimiento del público, los viajes al extranjero, la humildad y la memoria de cada uno de sus filmes desde el pretendido sitio del rodaje.

Se permuta

La historia de un short resume la filosofía del cuerpo opuesta a la timidez. Una cubanita sin la voluptuosidad requerida debe meterse dentro de un short, seducir a Mario Balmaseda y encarnar el erotismo. Ella reconoce que nunca pensó en recibir el papel porque en el casting había rivales deslumbrantes. Sin embargo, tan bien supo meterse dentro de la ingenuidad y el arrojo del personaje, que a los pocos meses, después de las innumerables mudanzas y de los enredos de su madre Rosa Fornés, fue a dar a un hotel de Río de Janeiro, atolondrada entre celebridades como Dennis Hopper o Berlanga, para recibir el premio de actuación femenina.

Algo más que soñar

La televisión siempre ha tenido un alcance inusitado. Y aunque había tenido otras breves apariciones, con esta serie Isabel llegó a los hogares, a las públicas de las montañas, a la pubertad de los reclutas. La imagen fresca de una muchacha que encarnó el amor juvenil, la allegada Penélope que ama a un nuevo Ulises combatido en Angola, se hizo extensiva para un público apasionado con Susana Pérez, Verónica Lynn o Raquel Revuelta.

Lejanía

La voz de Omara percute silenciosa como un lamento del alma, como un agudo loncomeo. La gente se va, pero permanece demasiado cerca en nuestras vidas, en la separación, en la soledad, en el mar, en los papalotes. Cuando Jesús Díaz pidió a la actriz que entendiera el sentido de la lejanía, ella no podía saberlo. Hizo lo que pudo; asumió por instinto un desarraigo ajeno, la voluntad de irse y volver al cabo de diez años cuando ya nada tiene el tamaño del recuerdo. Isabel nunca había salido de la isla y menos sabía de la desazón que carcome si has dejado a alguien que te recuerda. Su experiencia hasta ese momento se limitaba a los confines del país; no tenía la dimensión de lo que es vivir en lontananza. Esta película se conoce menos de lo que se debe, parece decirnos Isabel. Hay que revisar la memoria del desarraigo para sentir que el ser cubano es el ser humano, hay que volver al tema para comprender lo que ya sabemos del árbol, que las raíces están debajo, hace tiempo, creciendo.

Clandestinos

"Lo mismo de siempre" decía la gente al escuchar el tema de la película. Isabel se ríe. No, nos reímos nosotros. Parecía que Fernando Pérez iba a decirnos lo mismo de siempre, pero nadie quería una secuencia falsa del clandestinaje, ellos querían incorporar la realidad del amor y la justicia como un cantar auténtico, para que al cabo se entendiera la noción de rebeldía. Resultado: imágenes que han quedado como un dato en el genoma, de modo que ya no hay otra imagen de la clandestinidad que no sea la que el filme sembró en la sensibilidad colectiva. El merecido Coral de actuación femenina para Isabel y el premio a la mejor opera prima, es, obviamente, bien recibido por ella; pero una razón de sangre le impide disfrutar la euforia del IX FINCL: su hijo pequeño está enfermo y no hay otra verdad. No es ficción la necesidad de acompañar de las madres; no hay corales para ellas, pero se sabe que los hay. Ella (Nereyda) había cumplido su deber al personificar el amor y la verguenza, la audacia y la amistad en el contexto de la tiranía; ella (Isabel Santos), al lado del cuerpo acribillado de su hombre, determinó callar para decirnos más acerca de lo que estaba sintiendo.

Adorables mentiras

Cada quien tiene su método, cada quien logra imprimir como puede un espíritu al cuerpo que le prestan. Cada mujer asume el erotismo desde una posición y ella no es la carnalidad misma, ella configura el sentimiento desde su propia ética. El trabajo con Gerardo Chijona confirmó que el cine es instante, que no va a entregarse en los ensayos, que la intimidad de su hogar para fumar, oír música y pensar el personaje es lo que prefiere. De volver a representar la Sissy que Senel Paz concibió especialmente para ella, daría más soltura al fascinante histrionismo que ya le conocemos, y con mayor dominio acogería el sex appeal tragicómico de una mujer abrumada por el tedio, una romántica infiel que miente al marido y al amante. De volver a repetir el instante "le pondría más salsa".

La vida es silbar

El oficio de actriz se le vuelve un constante desafío. Si antes le pidieron expresar un sentimiento de identificación a partir de la nostalgia que implicaba el desarraigo sin tener la menor idea, ahora debe representar a una extranjera, revelando una otredad que no le pertenece. Debe distorsionar su propia lengua, caminar desnuda, desafiarse a sí misma y a los que no comprenden que su cuerpo es el cuerpo de un personaje; ir, en la vida real, a despedirse de su hijo, porque nunca había estado tan alto, nunca había tenido que subirse a un globo para ver La Habana y la muerte desde arriba.

Miel para Oshún

Humberto Solás no sólo le dio la oportunidad de estrenar el cine digital, sino que le ofreció el asidero para salvarse, la ocasión de conocer mejor a Cuba, de llorar, reír y otra vez llorar en una secuencia inolvidable. El maestro Solás planifica un abrazo que sería dado al final de un largo viaje y ella lo tomó, lo aceptó como señal de reconciliación. Al final del camino, esperaban Adela Legrá, aquel rostro puro de sus recuerdos contra el almacén de abono, y el reencuentro con la Isabel que venía siendo.

Barrio Cuba (antes Gente de pueblo)

Ella es una gente de pueblo que precisa de la fe para realizar su anhelo. Ella sabe del valor de la Virgen para los desesperados. Ella cree en el amor, en el perdón, en los santuarios del hombre.

Dí buen día a papá

Repensar al Che fuera de Cuba dentro de un filme desde Bolivia, debe haber sido una experiencia única en términos humanos. Tal vez la importancia de la experiencia no estuvo en trabajar con "otro equipo", el equipo boliviano dirigido por Fernando Vargas, sino en descubrir que estaba dispuesta a no dejarse matar al héroe que ha amado. Tal vez estuvo todo el tiempo diciéndose: "hay gentes que no te la pueden matar, o a ti no te da la gana de que te la maten".

Mujer que espera

Ella camina por la guardarraya, Carlos Barba la guía tras la cámara y porque quiere dinamizar, nos monta sobre rieles hacia un bateycito en Camaguey, hacia la raíz misma del mito, hacia el hipotético set de los filmes de Isabel. Apuesto a que muchos cubanos la desconocían. Yo misma, recuerdo desde mis lunetas una Isabel distinta, no esta que espera, que padece soledad y se revela como un personaje superior detrás de tantos rostros. En la historia de Isabel ella no permuta nada, no ha perdido al amado Ulises en tierras africanas, ni está de vuelta luego de diez años para reencontrar su país, no enmudece al final de una secuencia en la que los amantes se afrentan al oprobio de la dictadura, no asume ser otra mujer para salirse de una existencia mediocre, no grita a Elpidio desde un globo que tenga esperanza en el amanecer, no está haciendo una road movie acompañada del primo que regresa de Miami buscando a su madre en Baracoa, tampoco ha ido a invocar al Santuario del Cobre para tener un hijo, ni protege la imagen adorada del Che convertido en santo. En la ficción de Barba no sólo vemos la luz, también el aturdimiento de la joven estrella; no únicamente el perfil de Cuba alzarse por las tierras del mundo para recoger los lauros, sino el peso real de la fama cuando por primera vez se posa. Isabel se desnuda ante nosotros, fuma desconsoladamente, camina de un lado a otro en una salita repleta de lienzos; muestra su método, su nostalgia más profunda, aquella que no había podido articular en toda su filmografía; urde una queja, pero luego reanuda la gracia, la risa, la vuelta al personaje que es ella misma, sin el pudor de que algunos piensen que tras la acrobacia se oculta la pavura. En esta historia Isabel está viendo cómo se alejan los seres amados, cómo su país endurece, cómo duele el altruismo enfrentado al desarraigo. Aquí reafirma el precio de la paz al vivir en su tierra frente a la supuesta libertad en casa ajena. La vemos renegar de las fronteras, de las leyes que impiden volar, sufrir los afectos que faltan aun cuando es una mujer rodeada de una hermosa familia y verdaderos amigos. En la amorosa acogida que tuvo el documental el 18 de junio de 2005 en el cine Rialto de Santiago de Cuba, Isabel ya no fue la niña temerosa atravesando el cañaveral, la inexperta nudista que a golpe de profesionalidad aceptó su humanidad ante la cámara, la actriz laureada. Allí (ahora, en el presente universal de esta película) seguía acompañándola un relicario, mientras esperaba cumplir sus sueños, mientras llegaban los abrazos que debe dar, mientras añoraba "ser feliz, una mujer muy feliz"

Homenaje a Humberto Solás en el 3er aniversario de su desaparición física.

2011-09-01T17:33:00.000-07:00

Jornadas El siglo de las luces en colaboración con la familia Solás y el ICAIC. /

Programación Cultural Casa Víctor Hugo / Septiembre-2011

Calle O’Reilly Nº 311 e/ Habana y Aguiar, La Habana Vieja, Cuba
Teléfono: 53-866 75 90

Viernes 2 de septiembre, 2:00 p.m.
Conferencia de Emmanuel Vincenot, Profesor, investigador y autor francés, Maestro de conferencias, sobre la versión cinematográfica de El Siglo de las Luces.

Miércoles 14 de septiembre, 2:00 p.m.
Inauguración de la exposición de fotos del rodaje de El Siglo de las Luces.
2:30 pm
Presentación y proyección de El Siglo de las Luces, versión cinematográfica / Cuba-Francia / 1992 / Director: Humberto Solás / 120’/ Con: François Dunoyer, Rustam Urazaev, Jacqueline Arenal, Frédéric Pierrot. DVD Colores.

Jueves 15 de septiembre, 2:00 p.m.
Conferencia Arquitectura en el cine de Humberto Solás, por la Lic. Mayra Pastrana, Investigadora y crítica de arte.
Presentación de El Siglo de las Luces, capítulo I de la serie en francés para TV, Los fuegos de la Revolución / 82’/ DVD Colores.

Viernes 16 de septiembre, 10:00 a.m.
La Habana Vieja de Humberto. Recorrido desde su casa natal hasta la Casa de la Obrapía, lugar donde se filmó El Siglo de las Luces.
2:00 p.m.
Presentación de El Siglo de las Luces, capítulo II, La sangre de los pueblos / 80’/ DVD Colores.
Sábado 17 de septiembre
3er aniversario de la desaparición física de Humberto Solás.
11:00 a.m.
Presentación de El Siglo de las Luces, capítulo III, Explosión en la Catedral / 80’ / DVD Colores.
2:00 p.m.
Proyección de los documentales El hombre del siglo, Cuba, 2006, realizado por Carlos Barba / 37’ / DVD Colores, y Memorias de fin de siglo, Cuba, 1998. Guión y dirección: Kiki Álvarez / 24’ / DVD Colores.
Panel teórico El Siglo de las Luces, la mirada de Humberto. Panelistas: Reynaldo
González, Luciano Castillo, Livio Delgado, Kiki Álvarez, Tomás Piard. Invitados: integrantes del equipo artístico y técnico.

TV Cubana celebrará el cumpleaños de Isabel Santos con el estreno del documental "Mujer que espera", de Carlos Barba

2011-08-29T15:37:00.001-07:00

La cita es el próximo domingo 4 de septiembre de 2011, por el Canal Educativo 2

Mujer que espera (2005), el documental escrito y dirigido por el cineasta Carlos Barba, dedicado a la emblemática actriz Isabel Santos, saldrá al aire por la Televisión Cubana seis años después de haberse estrenado. Esta obra de Barba se presentó por primera vez en el Festival Internacional del Cine Pobre de Gibara y en varias salas cinematográficas de la Isla, para luego aparecer en un programa de Cubavisión Internacional dedicado al cine y sus figuras, pero será el próximo domingo 4 de septiembre cuando todos los cubanos la disfrutarán a plenitud a través del Canal Educativo 2, a las 9:00 de la noche, en el programa De cierta manera, celebrando así el cumpleaños de la protagonista de Se permuta, Clandestinos y Barrio Cuba. Mujer..., producido por MAREAFILMES con la colaboración del ICAIC, cuenta la historia de Isabel Santos, quien, desde los lugares donde filmó sus más famosas películas, habla de momentos especiales de su vida y profesión, con honestidad y desinhibición. La cinta cuenta con fotografía de Carlos Rafael Solís, edición de Ramón Ramos y la música original de Liuba María Hevia, con el tema interpretado por la misma cantautora titulado Ciudad desierto. El espacio televisivo, que conduce y dirige el destacado crítico e investigador Luciano Castillo, también ofrecerá esa noche otros interesantes materiales como el filme Un día en el solar (1965), de Eduardo Manet, primer largometraje a colores realizado por el ICAIC y la coproducción cubano-mexicana Mulata (1953), del director Gilberto Martínez Solares, el cual tiene como figuras centrales a Ninón Sevilla y Pedro Armendáriz.

Ficha técnica Mujer que espera:

Documental / Cuba / 63 min / color / 2005

guión y dirección: Carlos Barba
edición: Ramón Ramos
director de fotografía: Carlos Rafael Solís (a.c.f.)
música original: Liuba María Hevia
sonido directo: Guillermo de la Rosa
productor: Carlos Barba
dirección de producción: Ernesto Barba
productor asistente: Ponciano Barba
asistente de dirección: Virginia Palacios
Productora: MAREAFILMES con la colaboración del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos, ICAIC

Sinopsis:

La actriz cubana Isabel Santos, desde los lugares donde filmó sus más famosas películas, nos habla de momentos especiales de su vida y profesión, con honestidad y desinhibición.

Px.2011

CONTINÚA RODAJE DEL FILM "LEJOS DE LA HABANA", UNA PRODUCCIÓN DE La Cocina FilmS.

2011-08-16T07:40:00.000-07:00

Después de casi un mes continúa el rodaje, en varias locaciones de Santiago de Compostela, del film Lejos de La Habana dirigido por el cubano Maikel G. Ortiz y que cuenta con las actuaciones de sus compatriotas Yansamill Nuñez, Ricardo Becerra y el propio director Maikel G. en los roles protagónicos, participan además la combinación internacional de actores Helly Picon, Paulo Alexandre Gouveia, Úrsula Dozo y Vladimir Cossio (Colombia, Angola, Galicia y Cuba respectivamente), así como la colaboración especial del actor gallego Nani Matos, quien trabajara con La Cocina FilmS, productora a cargo de esta película, en El Final un cortometraje que dirigió el cineasta Pepe Ronda, en el año 2009. Lejos de La Habana pretende ser un filme cargado de sentimiento con la intención de que cada cubano, de dentro o fuera de la Isla de Cuba, se sienta identificado con la historia. Sus realizadores han expresado: "nuestro propósito es que este film llegue a todos los rincones del planeta y que toque la puerta de cada cubano que se encuentre lejos de su familia, de su barrio, de su tierra y le haga disfrutar como lo estamos haciendo mientras la rodamos". Lejos... es una película donde la música también tiene gran peso en la historia narrativa, pues ha trascendido que en la postproducción realizarán una cuidadosa selección de varios temas cubanos de todos los tiempos y de diferentes autores e interpretes emblemáticos de la isla caribeña, para que en cada momento el espectador se sienta parte de la trama. Igualmente se integran al staff creativo de esta cinta, la cantante Gretell Becerra, acompañada al piano por Alejandro Vargas quien interpretará dos canciones que serán dobladas por la actriz Yansamill Núñez en un momento de la trama.

En la foto, el actor Ricardo Becerra, en el papel de William

Isabel Santos y el documental Mujer que espera

2011-08-05T18:01:00.000-07:00

Se filmaba Gente de Pueblo, (La Habana, Cuba), salón rosado de La Tropical.
Detrás del escenario, en una vieja escalerita nos sentamos Carlos Barba y yo, para dejar correr el tiempo, mientras pasaban por nuestro lado actores, extras, periodistas, gente colada, amigos de otros amigos, cajitas de cartón con la comida de la noche, alguien con una piedra de hielo, de esas que solo se hacen en La Habana..., derritiéndose por el calor de la noche; casi no se escuchaba lo que hablábamos pues, encima de nuestras cabezas, estaban los Van Van, repetían una y otra vez,,, ahí viene el tren...
En esa época, Carlos y yo competíamos sin saberlo, quien fumaba más Hollywood verde, cada bocanada se ligaba con el secreto, las confesiones..., y le dije: el día que cuente mi vida tú la vas a dirigir.
Como dos niños armamos un papalote, que ni yo misma estaba segura si levantaría el vuelo,"mujer que espera" abrió la ventana de mi alma,

gracias director
isa

La Habana, julio 2011

El banquete infinito, de Alberto Pedro, dirección: Miriam Lezcano

2011-07-27T16:37:00.000-07:00

“ ... hasta ahora he tenido la suerte de que lo que escribo, interesa. Y parece que los temas que selecciono mueven al debate de ideas en la gente, que es lo que me interesa. El teatro es eso, “disturbio autorizado”. Creo en el teatro como movilizador, algo que nos sirve para pensar, además de conmovernos. He tenido esa suerte. De todas maneras yo, aunque no tuviera éxito, seguiría escribiendo.” Alberto Pedro. Entrevista de Ileana Azor. “El teatro, disturbio autorizado” .

La Escena Latinoamericana no. 1. febrero de 1993: 64-65. Alberto Pedro Torriente.

Estreno Mundial en Miami de "El banquete infinito", de Alberto Pedro Torriente.

Dirección
Miriam Lezcano Brito

Productor General
Carlos Rodríguez

Producción
Alba Borrego y Mario García Joya

Elenco:

Carlos Alberto Pérez
Yvonne López Arenal
Micheline Calvert
Leandro Peraza Viso
Tomás Doval
Alain Casalla

Ficha técnica:

Asitente de dirección: Joan Vega
Diseño de luces: Mario García Joya
Diseño y realización de utilería y vestuario: Alba Borrego
Notas al programa: Rosa Ileana Boudet
Técnicos de luces: Rolando G. Santini y Elena Montes de Oca
Diseños materiales publicitarios: Ignacio Granados
Fotos: Iván Cañas y Mario García Joya
Grabaciónes Coros: Rogelio López Marín (Gory)
Carteles: Carlos Pitella e Ismael G. Peralta

en

Akuara Teatro – Sala Avellaneda.
Bird Road Art District – Miami.

4599 SW 75 Ave.
Miami. Fl 33155.

786 853 1283
Akuarateatro1@gmail.com

Todos los Viernes y Sábados. 8: 30 Pm del 5 de agosto al 16 de Septiembre de 2011.

Funciones especiales de matiné: Domingos. 5: 00 Pm (llamar para confirmación)

Boletos: $ 20.00
Descuento para seniors y estudiantes (mostrando ID)
Estacionamiento gratis.

Akuara Teatro estrena “El banquete infinito”, de Alberto Pedro.

Una farsa negra para siete personajes es uno de los textos nunca representados del autor de Weekend en Bahía y Manteca

Quince años después de escrita, El banquete infinito, de Alberto Pedro Torriente, tendrá su estreno mundial el 5 de agosto próximo en la ciudad de Miami, por Akuara Teatro, bajo la dirección de Miriam Lezcano Brito, compañera de Pedro de muchos años y cofundadora del habanero Teatro Mío en 1987, que llevó a la escena éxitos suyos como Desamparado, Manteca y Delirio habanero, entre otras.

Obra agresiva, seductora, humana y llena de verdad, trata un tema político pero no de forma árida sino atrevida, a la manera de este excelente autor, que concibió el teatro como un “disturbio autorizado”, que sirve para conmover y movilizar. Aunque es trágica, posee mucha comicidad e ironía. Alberto Pedro retoma uno de sus temas esenciales: la relación del hombre con el poder a través de tres sucesivos golpes de estado, el que destrona al Jerarca, instala a Paradigma y a su vez lo expulsa de su cargo en veinticuatro horas, narrado en su estilo inconfundible, con amplios recursos estilísticos —tomados de muchas fuentes— y medios teatrales, entre ellos, abundante música.

Desde mucho antes de fundar Akuara, su directora, Yvonne López Arenal, estuvo en conversaciones con Pedro para hacer un texto suyo hasta que se decidió por esta “farsa vertiginosa en una jornada con un prólogo y un epílogo”, escrita para siete personajes. “Es un homenaje a Alberto Pedro, un gran texto” manifiesta la actriz, que interpreta Averrara.

Desafortunadamente el dramaturgo no podrá ver su estreno como tampoco disfrutó de la publicación de su libro Teatro Mío. Alberto Pedro (Letras Cubanas, 2009). Cuando muere a los cincuenta años, en 2005, es uno de los autores más incisivos y brillantes al mismo tiempo que uno de los más representados. Cádiz, San Juan, Maracaibo, Los Ángeles, Bogotá, París y Río de Janeiro conocieron textos suyos. En los Estados Unidos, Max Ferrá, en Washington y Alberto Sarraín en Miami, lo han representado y una traducción de Manteca se ha publicado en inglés en The Drama Review.

Lezcano, graduada en el Instituto Teatral de Moscú y experimentada directora no solo de las obras de su esposo sino de autores clásicos y otros contemporáneos, con una larga trayectoria en la escena, la docencia y el análisis dramático, ha acometido la puesta —asistida por Joan Vega— con fidelidad al texto y al mismo tiempo, imaginería de acuerdo a su formación en el legado brechtiano.

Irene Sadowska-Guillon, crítico francesa que la publicó en París —traducida por André Delmas— escribió que “El banquete infinito recicla el ritual del sacrificio y lo traspasa: se trata de la inmolación del jefe cuyo puerco en Manteca era ya una suerte de prefiguración simbólica. El ciclo anual de renovación de las pequeñas utopías utilitarias del pueblo se traslada a las utopías de los proyectos políticos, cuyo ciclo es tomado en veinticuatro horas. una farsa política negra que podría tener por parientes lejanos a Ionesco, Brecht y Jarry.” Rosa Ileana Boudet, de acuerdo al leitmotiv de la comida en el teatro cubano de los bufos a Piñera y Triana, cree que “El banquete… es festín para los sentidos, alude al placer y el gozo de los sabores y los olores, pero como en tantas obras del dramaturgo, experiencia aplazada e incierta, ya que en esta obra sobre las necesidades insatisfechas de una colectividad, el sabor es un lujo”.

El elenco, mezcla de jóvenes y experimentados, está integrado además de López Arenal, por Carlos Alberto Pérez (Jerarca-Paradigma) que el autor concibe representado por un solo actor; la conocida Micheline Calvert, actriz de Teatro Estudio por muchos años, en el personaje de Perogrullo, el artista, que siempre aparece en la dramaturgia de Alberto; así como Tomás Doval, Leandro Peraza Viso y Alain Casalla, en las tres Viriles, que el autor aclara deben representarse sin tomar en cuenta el sexo. La producción general es de Carlos Rodríguez y la ejecutiva de Alba Borrego y Mario García Joya.

Akuara Teatro – Sala Avellaneda
Bird Road Art District – Miami
4599 SW 75 Ave.
Miami, Fl. 33155
Teléfono: 786 853 1283
Akuarateatro1@gmail.com

Foto blanco y negro: Mario García Joya
Foto póster Iván Cañas con diseño de Mario García Joya

Filmes cubanos a DVD

2011-07-22T12:34:00.000-07:00

El hombre de Maisinicú, dir. Manuel Pérez Paredes, y San Ernesto nace en la Higuera, dir. Isabel Santos y Rafael Solís

"Barrio Cuba", película de Humberto Solás

2011-06-21T13:43:00.000-07:00

Ficha técnica:

Ficción / DVCAM-PRO, 35 mm/ ICAIC (Cuba), FINE Productions (España) / color / 106 min / 2005

Director: Humberto Solás
Director de producción: Aldo Benvenuto
Productor asistente: Francisco Álvarez
Director asistente: Sergio Benvenuto
Asistentes de dirección: Michel Trébol, Carlos Barba
Guión: Humberto Solás con la colaboración de Elia Solás y Sergio Benvenuto
Director de fotografía: Carlos Rafael Solís
Edición: Nino Martínez Sosa
Música: Esteban Puebla
Sonido directo: Raúl Amargot
Mezclas: Alberto Herena
Escenografía: Rafael Souchay
Maquillaje: Aymara Cisneros
Vestuario: Norma San Juan
Iluminación: Emilio Hernández

Productores asociados: Isabel Prendes, Leonardo Gómez Blanco, Lucía Janto
Productores ejecutivos: Camilo Vives, Jorge Gómez Calviño, Santi Camuñas

Intérpretes: Jorge Perugorría, Isabel Santos, Adela Legrá, Mario Limonta, Luisa María Jiménez, Rafael Lahera, Broselianda Hernández, Vando Martinelli, Coralia Veloz, Manuel Porto, Bárbaro Marín, Rubén Araújo, Enrique Molina, Elvira Cervera, Miriam Learra, Ángel Toraño, Ana Domínguez, Dania Morell, Luis Jorge Mujía, Sheila Roche, Colette Aguilar, Denis Díaz, Yeandro Tamayo, Vania Borges, Dianelis Brito, Nieves Riovalle, Javier Fidel Caballero, Alexander Legró, Daniel Antonio Quintans, Roland Somarriba, Roiland Somarriba, Hernan Xor, José Luis Navarro, Ismael Isaac Álvarez, René Salvador González, Rubén David González.

Sinopsis: Vivian quiere denodadamente concebir un hijo, a la vez que Santo refuta su deber paternal abandonando a su hijo al cuidado de la tía Amparo. El viejo Ignacio, en cambio, ansía en su declive el amor, mientras que Magali, joven y bella, fracasa en ello una y otra vez. La historia va de un barrio al otro, mostrando la separación de las familias, la intolerancia, la tristeza, el desamor, pero los personajes luchan, se rebelan contra un destino incierto, recuperan el amor y se empeñan en encontrar una salida o al menos lo intentan.

Fecha de estreno: 10 de diciembre de 2005, cine Chaplin, La Habana, Cuba.

A Eslinda Núñez, Premio Nacional de Cine 2011

2011-06-13T15:51:00.000-07:00

Por Carlos Barba

Cuando filmaba "Memorias de Lucía", luego de entrevistar a Humberto una tarde en Miramar, él mismo llamó por teléfono a Eslinda Núñez y con mucho cariño le pidió apartara un espacio dentro de la película que en ese momento ella rodaba con un director venezolano, para que formara parte de mi documental; inmediatamente Solás me dijo: "¿mañana puede ser?". Al otro día la conocí en el Hotel Nacional de Cuba, lugar de la cita, llegó con su esposo Manolo Herrera, y nos dirigimos todos, incluido el pequeño staff, a una de las salas para iniciar el rodaje. No lo podía creer, a mi lado, como si nos conociéramos de toda la vida, caminaba la segunda Lucía entusiasmada pues, 35 años después, se realizaba, al fin, un documental sobre el gran filme de Solás. El resultado ya se sabe, todos conocemos muy bien cómo llegó Eslinda a interpretar a aquella muchacha de grandes ojos que despide su cuento llena de incertidumbre y observando fijo a cámara. Por aquel tiempo quise realizar un documental sobre "Un día de noviembre", pero no llegó a concretarse. Hace poco tuve la alegría de volver a tenerla enfrente, en la etapa habanera de otro documental, esta vez en tributo al querido Humberto Solás. Volviendo al Hotel Nacional, y a ese día, pretendía lograr unos planos donde estuviera la actriz sentada en el jardín y le dije esa frase típica cubana: "estás igualita", me miró fijamente, y respondió: "el tiempo pasa..." Hoy no me queda duda de que pasa, es cierto, pero en Eslinda el tiempo ha pasado y se ha detenido a la vez: pues además de ser una gran actriz, legó para siempre, con su sola presencia en los largometrajes en que participó, nuestra imagen femenina más refinada y moderna, aportando así su enorme grano de arena a esa variedad de rostros del cine cubano. ¡Muchas felicidades!

-. Eslinda Núñez y Carlos Barba durante el rodaje del documental "Humberto". Foto: Georgina Aguiar

La actriz cubana Eslinda Núñez, Premio Nacional de Cine 2011

2011-06-02T11:11:00.000-07:00

La Habana, 27 may (PL) La actriz Eslinda Nuñez, uno de los pilares indiscutibles de la cinematografía cubana, fue distinguida aquí con el Premio Nacional de Cine 2011, en reconocimiento a su destacada trayectoria de casi medio siglo.

El jurado, presidido por el editor Nelson Rodríguez, ganador del lauro en 2007, la eligió entre otros 17 candidatos nominados por diversas instituciones, también con notables méritos en esta esfera, confirmaron a Prensa Latina fuentes oficiales.

Surgida en los albores del cine que se abrió paso en la isla en 1959, Núñez tuvo un debut consagratorio, de la mano de Humberto Solás, en una de las tres historias de Lucía, cinta surgida al calor del naciente Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (Icaic). Una obra paradigmática junto a Memorias del subdesarrollo, de Tomás Gutiérrez Alea. Desde entonces fue uno de los rostros imprescindibles de la filmografía que surgía en busca de un lenguaje e imagen innovadores.

Actriz de cine y televisión, en su dilatada carrera figuran películas fundamentales como Amada, Memorias del subdesarrollo, Cecilia y Viva Cuba.

Integraron el jurado la decana de la Facultd de Cine, Radio y Televisión del Instituto Superior de Arte, Marta Díaz; Mario Piedra, master en Comunicación y profesor de cine de la Universidad de La Habana; el escritor Víctor Casaus, director del Centro Pablo de la Torriente Brau; José Galiño, director de Música del Icaic y el realizador Lester Hamlet

Otorgado por primera vez en 2003 para reverenciar la obra de la vida, ese año lo mereció Alfredo Guevara. En 2004, Julio García Espinosa; Humberto Solás (2005); Enrique Pineda Barnet (2006); Fernando Pérez, Daysi Granados y Nelson Rodríguez (2007); Juan Padrón (2008); Leo Brouwer (2009) y Raúl Pérez Ureta (2010).

Tomado de Prensa Latina, del 26 de mayo de 2011

En la foto: Eslinda Núñez e Imanol Arias, en el filme "Cecilia" (1981), de Humberto Solás.

20 años de la serie cubana de tv "La Botija", de Danilo Lejardi

2011-05-15T21:46:00.000-07:00

Desde el año pasado, el director y guionista de "La Botija" inició un blog a propósito del XX aniversario de la recordada serie cubana, estrenada en 1990.

Visite el blog La Botija

Muy pronto una entrevista a su director Danilo Lejardi

Documental Día de Muertos, de Carlos Barba, se estrenará en Francia

2011-04-17T14:37:00.000-07:00

Enrique Bouvier
París

El documental Día de muertos ha sido seleccionado para el festival Nuits document’A.L 4, Colores Latinoamericanos 2011 que se celebra cada año en la localidad de Lille, Francia.

El cineasta cubano Carlos Barba quien rodó este documental en el sur de México, con profundo respeto y artisticidad nos muestra una tradición impactante heredada de la civilización Maya, donde los habitantes de un pequeño pueblo al lado de un camino, se congregan en el único, colorido y estrecho cementerio, cada 2 de noviembre,-día de los Fieles Difuntos-,para limpiar pieza por pieza los huesos de sus seres queridos. Luego, la celebración / veneración continúa en las casas, donde se montan altares con disímiles platillos regionales y presididos por la fotografia de los fallecidos.

El crítico de cine cubano Rafael Grillo ha dicho sobre el documental: "Carlos Barba evita la pose sensacionalista, la escatología y el horror, para envolvernos, por el contrario, en un registro fílmico reposado, sencillo y naturalista".

El cineasta Barba, acostumbrado a realizar una obra que revive lo mejor del cine de su Isla y seguidor del legendario director, también cubano, Humberto Solás, con el presente documental nos muestra un sensible relato de muertos y vivos, que ya ha sido exhibido en varios festivales internacionales entre los que destacan el Cine Pobre de Gibara, Riviera Maya Underground Film Festival o el Festival Cine En Aguas.

En el final del documental, mezcla de lirismo y contención, y apoyado por la espléndida música del grupo local UK Ayil K, vemos el recorrido de un personaje que constantemente aparece a lo largo del metraje y que nos recuerda una suerte de "ánima sola", (encarnado por la actriz mexicana Ivonne Carrillo), quien concluye su deambular por el cementerio de Pomuch, ya de noche y poblado de velas diminutas, para luego esfumarse ¿con miedo?, y a la vez ternura, quién sabe hasta un próximo día de muertos.

El Festival Nuits document’A.L 4, que iniciará en la cuarta ciudad más importante de Francia el 5 de mayo próximo y que cerrará puertas y apagará proyectores el 15, tiene la voluntad de continuar este evento anual sobre Latinoamérica, que reúne a los diferentes actores en la región y así conocer la realidad plural contemporánea de los diferentes países que la componen.

Tres notas de la TV Cubana: Carlos Barba rueda el documental "Humberto"

2011-04-12T10:43:00.000-07:00

Por Luciano Castillo, programa de televisión cubana "De cierta manera"

Trailer documental "Un hombre CON éxito", de Carlos Barba

2011-04-02T19:19:00.000-07:00

Este documental formará parte del homenaje a Humberto Solás en la 9na Muestra del Festival Internacional del Cine Pobre, a celebrarse del 5 al 10 de abril de 2011, en la Villa de Regla y comunidades habaneras.

AKUARA TEATRO, ESTRENA SALA Y CELEBRA EL DÍA INTERNACIONAL DEL TEATRO

2011-03-25T23:01:00.000-07:00

INVITACIÓN

Akuara Teatro celebra con júbilo este 27 de marzo, el Día Internacional del Teatro. Participa con nosotros de una amena y sencilla velada que hemos preparado a propósito de la fecha. Porque es momento de compartir, de estrechar lazos y abrazos, tiempo de comunicar la alegría de nuestros logros y la esperanza de nuevos proyectos. Por eso aprovechamos este día tan especial, para abrir a todos nuestros colegas los espacios de una nueva y cálida sala: la Avellaneda. Desde ya están todos cordialmente invitados. La noche tendrá su tiempo de música, poesía y risas. Habrá premios al mejor vestuario teatral de la noche (no olvide su traje en casa). Además, tendremos rifas, venta de libros, vinos y una paella cocida deliciosamente ante sus ojos. Vive la fiesta internacional del teatro. Ven a la Avellaneda.

Akuara Teatro y Artefactus Teatro anunciarán esa noche la Producción teatral con que comenzará la temporada del 2011 en La sala Avellaneda.

En el Bird Road Art District.

Dirección: 4599 SW 75 Ave,
Miami, Flo
Hora: 7:00 PM
Parqueo gratis. Free parking.
Tickets: $ 20.00
Contact: akuarateatro1@gmail.com

Tomado de la página de Akuara Teatro

INTERIORA se va a Cuba. La artista de la plástica y diseñadora Adriana Alicia Rocha expondrá en la Isla. Organiza Fundación Casa Vieja del Río

2011-03-17T22:45:00.000-07:00

Nacida en la Cd. de México DF cursó la Carrera de Diseño Gráfico en la Ciudad de Campeche, Campeche México. Con dirección multidisciplinaria en el campo de las artes, su desenvolvimiento como ilustradora ha recibido una fuerte influencia del teatro, la pintura, el diseño y la fotografía. Con carácter erótico, cuerpos en forma y emoción, colores que contrastan entre la pasión y la soledad, miradas que seducen al autorretrato y utopías que suelen ser el paisaje que da fuerza a su obra, es así como Interiora invita a un mundo de expresión estética, dando cuerpo a fragmentos poco exhibidos de la condición humana a través del trazo digital. El contenido hechiza, el dibujo se deja llevar, la propuesta es inquieta e invita a mirar pensando. Adriana Alicia Rocha Méndez se provoca a crear, no crea para provocar; en ella podemos encontrar nuestras propias miradas y la fuerza muchas veces intolerante al prototipo estético del arte actual.
La propuesta visual marcada como muy personal, le ha permitido abrirse las puertas en otros países como Estados Unidos, República Checa, España, Argentina y ahora Cuba, en el mes de abril.

EXPOSICIONES:

-”Mujeres” (organizada por el DIF estatal)
Diciembre 2010 Campeche
Exposición Ilustración Digital. Colectiva
-”Zonas erógenas, genes y algún escalofrío”
Septiembre 2010 Festival Cine Pobre en Campeche
Exposición Ilustración Digital. Individual.
-”Sincronize”
Marzo 2006 Campeche
Exposición Plástica. Individual.
-”Wonderland”
Fiesta cultural. Junio 2006. Campeche
Exposición Plástica. Individual.
-”Carne Aval visual Fest”
Febrero 2006 Campeche
Exposición Fotográfica Colectiva
-”Andanzas”
Agosto 2005. Palizada Campeche, Campeche, Mérida Yucatán
Exposición Fotográfica Colectiva
-”Mar Oxido”
Mayo 2005. Campeche
Exposición Fotográfica Colectiva
-”Puntos de Vista”
Marzo 2005. Campeche
Exposición Pictórica Colectiva
-”Expresiones”
Diciembre 2004. Campeche
Exposición Pictórica Individual
-”Pecados Capitales”
Octubre 2003
Exposición Pictórica Colectiva.

En Monterrey: Ciclo de cine Homenaje a Gabriel García Márquez, realismo mágico en el séptimo arte.

2011-02-19T22:17:00.000-08:00

Desde el 9 de febrero, el cineclub de la Capilla Alfonsina Biblioteca Universitaria está ofreciendo a la comunidad universitaria y al público en general de Monterrey el ciclo de cine Homenaje a Gabriel García Márquez: Realismo mágico en el séptimo arte. El legado de este escritor colombiano ha sido fuente de inspiración para filmes de cineastas de fama internacional, que han llevado al celuloide historias como Crónica de una muerte anunciada, Un señor muy viejo con unas alas enormes, Milagro en Roma, Fábula de la bella palomera, Cartas del parque, El coronel no tiene quien le escriba, Los niños invisibles, El amor en los tiempos del cólera, Del amor y otros demonios, Memoria de mis putas tristes y El otoño del patriarca.

El ciclo está compuesto por una selección de diez filmes a través de la cual se rinde homenaje a la trayectoria de García Márquez como guionista, adaptador y argumentista de obra propia y de otros autores. Inició con la proyección de El gallo de oro, dirigida por Roberto Gavaldón. Los filmes se exhibirán desde el 9 de febrero y hasta el 13 de abril de 2011, a las 11:00 y a las 18:00 horas, en la Sala de Usos Múltiples II de la Capilla Alfonsina en Monterrey. Invita la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL). La entrada es gratuita.

Programación de filmes:

9 de febrero, El gallo de oro, Dir. Roberto Gavaldón

16 de febrero, Tiempo de morir, Dir. Arturo Ripstein

23 de febrero, Cartas del parque, Dir. Tomás Gutiérrez Alea

2 de marzo, El verano de la señora Forbes, Dir. Jaime Humberto Hermosillo

9 de marzo, Fábula de la bella palomera, Dir. Ruy Guerra

16 de marzo, Milagro en Roma, Dir. Lisandro Duque

23 de marzo, Un domingo feliz, Dir. Olegario Barrera

30 de marzo, Yo soy el que tú buscas, Dir. Jaime Chavarri

6 de abril, El coronel no tiene quien le escriba, Dir. Arturo Ripstein

13 de abril, El amor en los tiempos del cólera, Dir. Mike Newell

Foto: Víctor Laplace e Yvonne López Arenal, fotograma de la cinta Cartas del parque, de Tomás Gutiérrez Alea

Cuba país invitado al primer Festival Internacional de Cine de la Ciudad de México FICCMEXICO 2011

2011-02-01T08:45:00.000-08:00

Selección Cubana al FICCMEXICO 2011:

Largometraje de ficción en competencia internacional:

Los dioses rotos, dir. Ernesto Daranas

Largometrajes de ficción:

Lucia (Humberto Solás)

La primera carga al machete (Manuel Octavio Gómez)

El hombre de Maisinicú (Manuel Pérez)

La última cena (Tomás Gutiérrez Alea)

La vida es silbar (Fernando Pérez)

Memorias del subdesarrollo (Tomás Gutiérrez Alea)

Fresa y chocolate (Tomás Gutiérrez Alea)

La muerte de un burócrata (Tomás Gutiérrez Alea)

Retrato de Teresa (Pastor Vega)

La Bella del Alhambra (Enrique Pineda Barnet)

Documentales:

Muerte al invasor (Tomás Gutiérrez Alea)

Ciclón (Santiago Álvarez)

David (Enrique Pineda Barnet)

Now (Santiago Álvarez)

L.B.J. (Santiago Álvarez)

Muerte y vida en el Morrillo (Oscar Valdés)

Nosotros la música (Rogelio París)

Kid Chocolate (Gerardo Chijona)

Suite Habana (Fernando Pérez)

Canción para Rachel (Carlos Barba)

Cortometrajes de ficción:

El acoso (Humberto Solás)

Manuela (Humberto Solás)

La soledad de la jefa de despacho (Rigoberto López)

Madagascar (Fernando Pérez)

Al día siguiente (Enrique Álvarez)

Animación:

El agradecimiento del Jíbaro (Alexander Rodríguez González)

El negrito cimarrón y la rifa de los pigmeos (Tulio Raggi)

20 años (Bárbaro Joel Ortiz)

Aventuras en la isla del coco-La Espada mayor (Jorge Oliver Medina)

Elpidio Valdés (1979) (Juan Padrón) Largometraje

ALISTAN EL PRIMER FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE EN LA CIUDAD DE MÉXICO, FICCMÉXICO 2011

***Es una iniciativa de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal, con el apoyo del Conaculta Cine, a través del Instituto Mexicano de Cinemtaografía (Imcine)
***Se llevará a cabo del 4 al 13 de febrero de 2011 y proyectará más de 130 películas de 45 países de América, Asia, Europa y Oceanía
***El 85 por ciento de la programación se ofrecerá de manera gratuita en espacios públicos y escuelas. Cuba será el país invitado.

La primera edición del Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México, FICCMÉXICO 2011, a realizarse del 4 al 13 de febrero, ofrecerá un banquete de más de 130 películas de 45 países de América, Asia, Europa y Oceanía; una semana de cine mexicano, competencias nacional e internacional, estrenos y una retrospectiva de Cuba, País Invitado para este festival que proyectará el 85 por ciento de su programación de manera gratuita en espacios públicos y escuelas.
El FICCMÉXICO es organizado por la Secretaría de Cultura del Distrito Federal, con el apoyo de Conaculta Cine, a través del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), y las secretarías de Turismo y Educación capitalinas.
Los detalles de este nuevo festival fueron anunciados este martes en las instalaciones del Museo del Estanquillo, con la participación de Elena Cepeda, secretaria de Cultura del Distrito Federal; Marina Stavenhagen, directora del Imcine; y Alejandra Moreno Toscano, titular de la Autoridad de Centro Histórico de la Ciudad de México.
También acudieron Mónica Lozano, presidenta de la Asociación Mexicana de Productores Independientes; Víctor Ugalde, presidente de la Asociación Mexicana de Directores-Realizadores de Obras Audiovisuales; Mario Delgado y Alejandro Rojas Díaz Durán, secretarios de Educación y Turismo del gobierno del Distrito Federal, respectivamente; así como Patricia Blasio, directora del festival.
Elena Cepeda consideró que este festival convertirá a la Ciudad de México en la capital del cine internacional durante 10 días. Asimismo, anunció la instauración del Premio Alas de la Ciudad, con el que se entregará una escultura de Jorge Marín. “Esperamos que se convierta en el premio más importante de Iberoamérica. Tiene como finalidad reconocer la excelencia en la producción, la actuación, la dirección, la fotografía y el mejor comercial. Vamos a entregar 16 estatuillas, entre ellas dos a las mejores películas nacional e internacional; el ganador del filme internacional recibirá 100 mil pesos, mientras que el del nacional, 200 mil pesos, como parte de los estímulos a la calidad cinematográfica”.
Marina Stavenhagen, directora del Imcine, celebró la existencia de este nuevo escaparate para el cine. “Es un espacio que tiene que ver con la formación de audiencias, con ir a al encuentro con los públicos que generalmente no son privilegiados por las grandes cadenas de exhibición y por eso es de celebrar la vocación de este festival de ocupar esos espacios y de poder llevar el cine a la población de esta gran Ciudad de México”.
Durante su intervención, Víctor Ugalde, presidente de la Asociación Mexicana de Directores-Realizadores de Obras Audiovisuales, aseguró que el FICCMÉXICO es relevante porque logra acercar las películas a los consumidores de la ciudad de manera gratuita, algo que va a crear públicos a futuro y que permitirá la retroalimentación de las propuestas audiovisuales para crear nuevas ideas.
“También habrá una serie de mesas en las que los integrantes de la industria cultural cinematográfica mexicana vamos a discutir qué tipo de políticas se necesitan para que la Ciudad de México siga siendo la punta de lanza en la República y posiblemente en América Latina, para tomar nuevas medidas a favor del cine. En estas pláticas vamos a analizar qué se ha hecho bien y qué se puede hacer mejor”, precisó Ugalde.
La inauguración del FICCMÉXICO 2011 se llevará a cabo el 4 de febrero en el Teatro de la Ciudad, con la proyección de El cisne negro, de Darren Aronofsky, por la cual Natalie Portman recibió hace unos días el Globo de Oro a Mejor Actriz.
El programa está integrado por más de 130 películas de 45 países de América, Asia, Europa y Oceanía, gran parte de ellas premiadas en los más importantes festivales internacionales. El Festival estará dividido en las siguientes secciones: Competencia internacional, Competencia mexicana, Semana de cine mexicano (Galas mexicanas: estrenos en la Capital y Presentaciones especiales), País invitado: Cuba, Cine contemporáneo del mundo, Directores consagrados, Panorama latinoamericano, Galas y Presentaciones especiales.
Se exhibirán los más recientes trabajos de cineastas como Tom Tykwer, Carlos Carrera, Álex de la Iglesia, Francisco Athié, Takeshi Kitano, Rafael Corkidi, Suzana Amaral, Alfredo Gurrola, Christoffer Boe, Gustavo Loza, György Pálfi, Lu Chuan e Ignacio Ortiz.
En todas las sedes del Festival, a excepción de las salas de Cinemark (Reforma 222, Polanco, Centro Nacional de las Artes y Lindavista), las funciones serán gratuitas. Dichas sedes son: el Zócalo, el Parque México, el Jardín Hidalgo (Coyoacán), las explanadas de las delegaciones Xochimilco, Azcapotzalco e Iztapalapa; la Red de Faros (Oriente, Indios Verdes, Tláhuac y Milpa Alta), el Centro Cultural José Martí y el Teatro Venustiano Carranza.
En el Museo Nacional de Arte se exhibirá la retrospectiva cubana más completa que se haya visto en nuestro país, con 30 largometrajes y cortometrajes de ficción, animación y documentales, producidos entre 1961 y 2009. Se incluyen clásicos como Lucía, de Humberto Solás; La muerte de un burócrata, de Tomás Gutiérrez Alea; y Elpidio Valdés, de Juan Padrón.
En el Zócalo, las funciones se llevarán a cabo del 1 al 13 de febrero. Habrá cuatro proyecciones especiales:Abel, de Diego Luna (martes 1); Chicogrande, de Felipe Cazals (miércoles 2); el estreno en Latinoamérica deDudamel: Let the Children Play, de Alberto Arvelo (jueves 10), y la clausura del Festival con Seguir siendo: Café Tacuva, de Ernesto Contreras y José Manuel Craviotto (domingo 13).
Cabe destacar que el director de orquesta Gustavo Dudamel estará presente en la proyección del documental de Alberto Arvelo, el cual narra el trabajo de fomento musical que ha realizado uno de los más grandes talentos surgidos del programa del maestro venezolano José Antonio Abreu: Gustavo Dudamel, quien actualmente dirige la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y trabaja con agrupaciones infantiles en distintos sitios del mundo.
Asimismo, el reconocido cineasta polaco Jerzy Skolimowski, director del clásico Deep End y premiado por películas como La partida (Oso de Oro en el Festival de Berlín 1967), visitará por primera vez la Ciudad de México para presentar su película Essential Killing. También estarán en el Festival Elena Hill, coproductora deTogether (de Pavel Kostomarov, Rusia-Suiza) y Manuel Alberto Claro, cinefotógrafo de Everything Will be Fine(de Christoffer Boe, Dinamarca).
En el marco del FICCMÉXICO se llevará cabo un homenaje a los proyectos que se han materializado gracias al programa de óperas primas del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) y una proyección especial con lo mejor del Short Shorts Film Festival México, ocasión en la que también se lanzará la convocatoria para participar en la edición 2011 de uno de los festivales esenciales de cortometrajes en nuestro país.
En el marco del Festival, la Secretaría de Cultura, el FICCMÉXICO y Panasonic México convocaron al Reto Panasonic, en el que cuatro equipos seleccionados de un total de 40 propuestas, deberán realizar un cortometraje en 48 horas, del 8 al 10 de febrero en diversas locaciones de la Ciudad de México.
El 10 y el 11 de febrero, en el Hotel Meliá Reforma, se llevará a cabo la Expo Loccine y Televisión, donde anualmente se ofrecen a los involucrados en la industria audiovisual diversos servicios de producción, las principales tecnologías y las locaciones con las que cuenta nuestro país.
La programación completa del Primer FICCMÉXICO puede ser consultada en el sitio de Internet www.ficcmexico.com

En la foto: Daisy Granados en "Retrato de Teresa", un filme de Pastor Vega

10 años del filme "Miel para Oshún" (2001-2011), de Humberto Solás

2011-01-29T12:31:00.000-08:00

MIEL PARA OSHUN QUIERE AYUDAR A RESTAÑAR LAS HERIDAS

|Por HUMBERTO SOLÁS

Miel para Oshún no tiene la vocación de un filme explícitamente político. Tanto el texto de mi hermana Elia Solás con las modificaciones que realicé, sobre todo durante la puesta en escena, parten del objetivo de hacer un testimonio humanístico, conciliador, dirigido a todos los cubanos que hayan escogido el camino de la eticidad y el amor al país, donde quiera que estén.
El film no se propone avivar el fuego de la polémica del cisma, sino, por el contrario, reflexionar en las consecuencias del mismo y ayudar a restañar las inevitables heridas. Ello no quiere decir que la obra tenga un carácter de imparcialidad, pero sí es respetuosa en su celebración del reencuentro.
La lectura de Miel para Oshún es directa y franca. No hay espacio a maliciosas conjeturas a propósito de ella. Es así como concibo el cine de la contemporaneidad en Cuba.
Sobre lo que significó el vídeo digital en su filme: estoy convencido de que la tecnología digital es la única posibilidad, por el momento, de incrementar la producción del cine en Cuba y en cualquier país del Tercer Mundo.
Actualmente ya se pueden obtener resultados casi óptimos con esta tecnología, que reduce cuantiosamente los recursos necesarios para hacer un filme.
De manera que de tres películas en Cuba podríamos llegar a seis o siete si aplicamos la técnica digital. Algunos cineastas se resisten y no comprendo esa reticencia, dado que los guiones que se presentan son perfectamente ajustables a esta técnica. Si pudiéramos hacer hoy filmes de alto presupuesto y de reconstrucción histórica, no habría que pensar en el sistema digital, pero esta no es nuestra realidad cinematográfica.

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EN ESTA PELICULA SOLAS HA IDO A LAS ESENCIAS

Por JORGE PERUGORRIA

Me siento feliz por mi papel en Miel para Oshún. Hacía tiempo que no hacía una película que despertara tanta pasión en la gente. Es un cine imperfecto a propósito, que marca un nuevo hito dentro del cine cubano. El hecho de que él mismo (Solás) haya renunciado prácticamente a todo este estatus cinematográfico de que gozaba, yendo a la esencia —como cuando empezó— de la historia de los personajes, de las circunstancias, haciendo un cine casi como de infantería... Por eso estoy muy feliz de trabajar con Humberto, un hombre tan encantador, una especie de gurú tropical, muy sabio, muy culto, que no trasluce vanidad por todo ese mundo interior que le acompaña y cuya intención es estar cada vez más cerca de la gente, en la esquina de la calle, donde están ocurriendo las cosas, donde la gente se encuentra, lo cual es lo más bonito en este proceso de Humberto de retornar a sus inicios, en un renacer que lo ubica en el mismo tono de los movimientos europeos de cine joven. Que él, uno de nuestros maestros, empiece a hacer lo que están haciendo los jóvenes en otros lugares del mundo, me parece una lección para la gente que quiere hacer cine. Humberto nos da esa lección y yo tuve la suerte de estar cerca de él, más aún con mi confesado anhelo de querer dirigir, con el antecedente de haber trabajado con Titón. Ha resultado muy enriquecedor, ha sido como pasar una escuela dentro del cine que quiero hacer, que es cine cubano. Acompañar a Humberto es un lujo que me hace feliz, por el hecho de que la gente del pueblo, profesionales, obreros, de cualquier lugar, me transmitan que les gusta la película. Estoy más feliz por Humberto que por mí, porque sé que la hizo para esas gentes más que para cualquier análisis crítico que venga a conceptuar una obra y hacer una artículo empelando términos por los que uno pueda decir: ¡qué inteligente es!

HUMBERTO SOLÁS: PARA MI EL CINE HA DEJADO DE SER VANIDAD.

Por MAGDA RESIK

El cine cubano lo exhibe como un imprescindible. Sus películas suscitan enconadas polémicas, criterios extremos de devoción o inconformidad. Pero nadie pone en dudas su cultivado talento, la originalidad de sus propuestas y sobre todo, ese regodeo estilístico y temático en lo raigalmente cubano. A sus sesenta años parece dominado por la urgencia de ganarle tiempo a la vida. Trasciende su propia cinematografía y tuerce rumbo hacia nuevos horizontes creativos, en un afán por dialogar como nunca antes con sus coterráneos.

Nadie hubiera imaginado, dos décadas atrás, que el director de Lucía y El siglo de las luces, renunciaría a las grandes producciones de acento épico para apostar por un cine enraizado en la realidad contemporánea de esta Isla.

Ese giro a estribor descubre a un inusitado Humberto Solás, que sigue reconociéndose patriota, se descubre amante del diálogo con un público anónimo y nada recatado para expresarse libremente frente a la pantalla grande, capaz de adaptarse a cualquier circunstancia creativa con el único fin de legarnos su cine, del cual nos apropiamos agradecidos.

El formato digital que ha utilizado en su más reciente entrega: Miel para Oshún, ¿no desluce la obra de un director habituado a la factura impecable del celuloide?

—La tecnología digital es por el momento la única posibilidad para incrementar la producción del cine en Cuba y en cualquier país del llamado Tercer Mundo. Con resultados casi óptimos, reduce cuantiosamente los recursos necesarios para dar feliz término a una película, y el espectador no avisado, e incluso el avisado, se olvida en el cine de cuál ha sido el soporte de realización.

“De tres películas al año podríamos llegar a producir seis o siete en Cuba si aplicáramos la tecnología digital, que no se traduce para nada en deterioro o menoscabo de la ambición artística de un director.

“Con Miel para Oshún he querido regresar un poco al cine que solía hacer en la década del sesenta, cuyos dos títulos más emblemáticos son Manuela y Lucía. Dos películas que realicé prácticamente cámara en mano, utilizando el guión como una pauta que después se consolida desde el punto de vista literario y conceptual durante la puesta en escena.

“Se ha divulgado mucho que soy un cineasta perfeccionista en la reconstrucción epocal, que sobrestimo el valor de los encuadres y doy énfasis a la dirección artística de un proyecto. Este caso es bien diferente en el sentido conceptual y pretende, sencillamente, dar fe de los últimos años de nuestra vida nacional.”

Entonces, ¿fue más que premeditada esa suerte de renunciamiento a un cine donde priman lo épico y lo histórico?

—Cuando realizas un filme histórico tienes generalmente cien años de distancia de los acontecimientos que lo inspiran y a la vez careces de experiencia sobre la cotidianidad de aquel momento. Miel para Oshún contiene muchas preguntas que forman parte de la vida del propio autor. Por tanto, la necesidad de reconstrucción epocal no existe. Solo esa aparente mímesis de la realidad.

¿Cómo fundamenta el reducido número de actores en Miel para Oshún y la incorporación a su película de imágenes vivas, tomadas de la realidad cubana contemporánea?

—A pesar de ser tres los protagonistas que permanecen casi todo el tiempo en pantalla, es esta una de mis películas más corales. En su carácter alegórico, ellos están simbolizando a grandes sectores de la población: sobre todo el chofer que encarna Mario Limonta. El emigrado, Jorge Perugorría, también se erige en representante de aquellos que permanecen fuera del país, ya sea por su propia voluntad, o como en el caso de este personaje, por haber sido extrapolado violentamente de sus raíces.

“Isabel Santos es la muchacha que reúne los valores de una determinada cultura urbana —mis películas no pueden escapar a una trama urbanística— y habanera. La Habana es una ciudad multivalente y cada sector tiene su específica connotación espiritual y cultural. Ella responde en su concepción de la vida, con ese romanticismo tardío que le impregna a su existencia, a ciertos valores citadinos entronizados, y más que una intelectual es una artista, más que pensante es intuitiva.

“La participación de no actores en la película es una vieja tradición en mi cine que retomo con mucha fuerza ahora. En determinadas escenas fueron seleccionados al momento de filmar, como la mujer que al final de la película es la vecina de la mamá del protagonista. Ella vive al lado de la casa elegida en la ciudad de Baracoa. No tenía la menor idea de que podía existir y además actuar como lo hace en la película.

“Algo parecido sucedió con las imágenes del aeropuerto al momento de arribar al país el personaje que encarna Perugorría. El noventa por ciento son escenas documentales que filmé durante un vuelo real de los emigrados cubanos hacia La Habana. Pienso que se ensamblaron sin problemas realidad y ficción, para lograr el espíritu de esa secuencia.”

¿Coincide con quienes colocan a su más reciente película —Miel para Oshún— en la lista de las tragicomedias?

—Desde el texto escrito por mi hermana y que yo remodelé un poco en la filmación, está propuesta esa cualidad. Se alternan como reproducción muy fehaciente de aspectos de la idiosincrasia nacional esos lados trágico y cómico que caracterizan la actitud cotidiana del cubano. Esa voluntad de perseverar en sus objetivos y de no declinar ante las dificultades, la risa devenida móvil y motor de acción. Nunca me ha gustado ubicar mi obra en un género, pero a Miel para Oshún la definiría, sin dudas, como una tragicomedia.

¿Está consciente de cuánto de esperanzador propone a los pobladores de esta Isla el filme?

—La película lleva implícito un canto a todos los cubanos y cubanas estoicos, que hemos perseverado en un proyecto social a pesar de las enormes dificultades a las cuales nos ha enfrentado en determinados períodos. Para mí es un homenaje, y si el espectador siente ese respiro, es porque nos propusimos la gratificación. Somos parte de esta sociedad, y de esa tragicomedia que significa la vida cotidiana en nuestro país y quizás en otros países pobres como el nuestro.

Sin embargo, algunos esperaron cierta marca de resentimiento en su obra tras un largo período sin filmar, dadas las escaseces que marcaron al cine cubano de la última década...

—No soy persona de rencores. Creo que esa cualidad responde a la naturaleza propia del cubano. Soy optimista, lucho, y siempre la esperanza es vocablo que anima mis actos. En estos diez años en que no pude filmar, aprendí mucho, pues tuve que ejercitarme como pedagogo en realización cinematográfica. He profundizado en los objetivos si es que no estaban demasiado claros para mí, con respecto al por qué soy cineasta.

“Por otro lado, el sufrimiento propio del período especial, que nos obligó a padecer innumerables dificultades, constituyó para mí una fuente de aprendizaje —y no es mi deseo que esa sea la fórmula de aprendizaje para nadie— una suerte de interiorización, de búsqueda de quiénes éramos y cómo íbamos a actuar dentro de los cánones o el ámbito de una verdad que todos debemos defender.”

¿Persistirá entonces en el soporte digital y en los asuntos relacionados con la cotidianidad del cubano?

—Mi próxima película se llamará Gente de pueblo* y será una crónica del cubano contemporáneo. La defiendo dentro del sistema digital porque creo que es la única posibilidad que tenemos de sobrevivir como cineastas. Si no hubiera ofrecido la solución de Miel para Oshún en cine digital, creo que nunca se hubiera podido hacer. Cuando planteé el proyecto y se descubrió que obligaba a un gran equipo de realización a recorrer toda la Isla, se hizo absolutamente inoperante. Al final fuimos veintidós personas y para mí ha sido muy gratificante. De manera que quiero predicar con el ejemplo.

A estas alturas, ¿qué explicación le da al cine?

—Tengo que expresar lo que supongo sea lo mejor de mí y convertirlo en conceptos, diálogos y situaciones para establecer una comunicación productiva, fértil y hermosa con el espectador. El hecho de que Miel para Oshún haya superado las siete semanas en seis cines, es un récord en mi propia obra. Ni con Lucía —que tuvo gran aceptación de público— se produjo ese fenómeno.

“Para mí el cine ha dejado de ser vanidad. Miel para Oshún es una película confesadamente humilde. No realizo cine en este momento, como me sentí tentado anteriormente, movilizado por los premios en los festivales o la aceptación de la crítica. He comprendido los móviles que a veces están detrás de las opiniones y los galardones. Es un aspecto de mi carrera que no puede tener peso en absoluto en este momento, a pesar de que los festivales son de las pocas ventanas que tiene la cinematografía cubana para ser vista en el mundo.

“Ya tengo 60 años y este debe ser un acto de madurez. Lo único que me moviliza y entusiasma hoy, es establecer esa dinámica y viva relación con el público cubano.”

* Hoy Barrio Cuba.
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LA MIEL SE RIEGA EN ASPERSIÓN

POR JOEL DEL RIO

Con las manos y la cabeza llena de proyectos, algunos de ellos perfectamente realizables por más utópicos que suenen, Humberto Solás ha vuelto a ser noticia a propósito de la continuación de dos de sus más queridas y recientes obras: el Festival de Cine Pobre, en Gibara, y la todavía exitosa Miel para Oshún.

Mientras se anuncia que Miel para Oshún (2001) acaba de ser incluida como título de compra (luego podrá ser alquilado) por la prestigiosa firma comercializadora de videoBlockbuster, que distribuye títulos de notable calidad o popularidad en Estados Unidos y Canadá, Humberto Solás anuncia que volverá a reunir al elenco de esa famosa película en su próximo largometraje Gente de pueblo, en la cual se incluirán también Jorge Perugorría, Isabel Santos, Mario Limonta y Adela Legrá.
A diferencia de la itenerancia tragicómica de Miel para Oshún, Solás concibe Gente de pueblo como un drama concentrado en el único emplazamiento que constituiría un barrio periférico de la capital cubana. Pero son muchas más las afinidades que las diferencias. No sólo el reparto, también el espíritu y la historia que cuenta la nueva cinta del maestro cubano tendrá que ver con Miel para Oshún, pues deberá costar menos de doscientos mil dólares, igualmente discursa sobre la dignidad humana en circunstancias cotidianas muy difíciles, es casi seguro que se realice en digital y el guión lo firman también el propio Humberto junto con Elia Solás y Sergio Benvenuto, todos estrechamente vinculados con aquel hermoso filme de carreteras que tantas satisfacciones y premios le proveyó al cine cubano más reciente. (Recordar que Miel... fue nominada al Goya, participó en los festivales de Montreal y Toronto, le ganó al autor un premio especial en La Habana y fue adquirida para su exhibición por el exclusivo Sundance Channel, entre muchos otros reconocimientos).
Gente de pueblo deberá encontrar pronto financiación en el extranjero, para poder rodar en los primeros seis meses de 2004, periodo en el cual también tendrá lugar la segunda edición del Festival de Cine Pobre, en Gibara (junio), que este año se consagrará a seminarios profesionales paralelos a un encuentro de productores y distribuidores de Europa y América Latina, que se desarrollará entre la propia Gibara y la cercana playa de Guardalavaca. En 2005 se asistirá nuevamente a una edición del Festival más parecida a la primera que tanto bueno diera que hablar, y para 2006 Solás aspira a que los seminarios se conviertan en un taller que durante un mes sirva para rodar un largometraje en vídeo digital y de bajo presupuesto, e iniciar allí mismo su postproducción.
En diciembre del pasado año, Solás también fue jurado del festival cinematográfico internacional de Kerala, en India, y desde tan remota locación alcanzaron buena parte del mundo sus declaraciones y razonamientos acerca de que el único modo de democratizar el cine consiste en producir filmes de bajo presupuesto apoyándose en las nuevas tecnologías digitales, todo lo cual favorecería el acceso de los jóvenes a la industria, como está ocurriendo en Cuba y en otros países.
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EROTISMO Y NACIÓN, (fragmentos)

Por RUFO CABALLERO

(...) Me gustaría citar dos últimos ejemplos: redondear mis consideraciones sobre la operación de Cecilia, y presentar a la que veo como la película de mayor refinamiento a la hora de tratar dramatúrgicamente la expresión del erotismo: Miel para Oshún.

Sabemos que uno de los mayores riegos que enfrentó, durante mucho tiempo, el cine de Solás, se relacionó con la densidad de la interpretación marxista que el realizador «diegetizaba» en la historia misma, en el momento mismo del acontecer histórico. Varios de los personajes de Cecilia, Amada y otros filmes de Solás, se atreven a interpretar de manera marxista y distanciada en el tiempo, esos mismos acontecimientos que sus ojos (sus ojos de personajes involucrados en la trama) ven en el minuto de producirse. Fue ese un riesgo que complejizó sensiblemente el trabajo de Solás, y al menos quien esto escribe no tiene la última palabra al respecto: en tal operación hay elementos valiosos (un dimensionamiento mucho más rico y múltiple de las fuerzas que arman la Historia), como elementos criticables (una retórica de exposición que le restó carne y vigor dramático a algunos personajes). No son otros los trances de la creación; nunca como en los senderos impresumibles de la creación se aplica el aserto de que en la vida uno tiene que tomar decisiones, y luego limitarse a ser consecuente con ellas. Pobres y limitados son los que no aceptan el desafío de la creación.

Con todo, la maniobra de Cecilia fue la más peligrosa, el verdadero salto mortal en el cine de Solás. Cuando se condenó la libertad de interpretación del director en relación con el mito literario, relativo a la nacionalidad, se adujeron sobre todo las escenas referidas a lo incestuoso y otras adiciones solasianas a las psicologías de los personajes. Ya hemos visto, sin embargo, los aportes conceptuales de ese proceder. No estaba ahí, creo yo, el mayor abismo de la película. El filme se lanza al vacío –como hacia el final, su protagonista del campanario– cuando cambia las motivaciones y el sentido de los personajes con vista a politizar más claramente la dimensión de la tragedia.19 En Cecilia, Solás desplaza la problematización del erotismo mismo y su raíz social (la soberbia de Cecilia por el fracaso del ascenso en sociedad que le proporcionaría, además, su añorado Leonardo) hacia una problematización declaradamente política: para la percepción de los personajes implicados en la conspiración libertaria –cofradía que incluye ya a la propia Cecilia–, Leonardo ha traicionado. Se produce así una sobresaturación de la causa social y política de la tragedia, y probablemente, fue eso lo que molestó a tantos polemizantes, aunque no lo expresaran con diafanidad. Cuando, como parte del juego de chantajes, ambiciones y desmanes en que se convierte la trama, Cecilia pide, casi exige, a Leonardo, que encubra en su casa al prófugo Jesús María, está sellando el curso de la acción en favor del ajusticiamiento posterior, más político que hormonal (el ethos por encima de lo subjetivo o lo más personal). Los guionistas de Cecilia, para proseguir con su plan, hacen que Rosa, temerosa de la debacle familiar y del fin terrible del propio Leonardo, delate el caso a las mayores autoridades coloniales, y los personajes dados al proyecto de emancipación suponen entonces que ha sido Leonardo. El Día de Reyes hay que asesinar al traidor, al delator, al vendido, al deshonesto, al incapaz. Como casi siempre, Solás se las jugó todas. Semejante forcejeo con la Historia volvía demasiado explícito el diálogo erotismo-nación. La polémica y la incomprensión fueron el resultado evidente. Pero el saldo más importante, el profundo, tuvo que ver con algo que un artista agradece cada minuto de su vida: el aprendizaje. Todo este trayecto de un cine interesado en recortar las emociones de un plano asentado a las claras en el mundo de la política y la sociedad cubanas, fue redundando, de a poco, en una visión mucho más compleja y plena de la vida. Solás ganó sutileza, destiló su cine, aprendió y creció como intelectual a la hora de recrear la vida del cubano.

En Miel para Oshún, erotismo y vida son lo mismo y nada, son ya una esencia, un aroma imperceptible, un matiz fino que recorre la historia. La relación de los primos Roberto y Pilar es, también, una relación erótica, de amor, que no desconoce la sexualidad, si bien no parte exactamente de ella. El erotismo en Miel para Oshún se da como un descubrimiento progresivo de la naturaleza del amor que surge de un sentimiento, de un gesto, de una identificación, del fundirse ante el reto de una experiencia de vida intensa y desasosegante, como fruto de la cual brota el deseo.

Miel para Oshún cumple el programa del mejor road movie: el viaje físico es el pretexto para el viaje interior, para la revelación interna de los personajes. En el devenir de la historia, existen tres momentos clave para pautar un «amor erótico» que avanza y se expresa sin subrayados cacofónicos, sin evidencias torpes: la primera conversación, serena, de los personajes, ya en la casa de Pilar; el baño en el río, camino a Baracoa; y el final. Son tres momentos privilegiados para comprender el crecimiento sutil de un universo emocional tan consistente como apenas sugerido: en el primero de ellos, los personajes comienzan a acercarse cuando hurgan en sus pasados, en el mundo de la pintura, en los fantasmas que habitaron una historia trunca por la forzosa partida de Roberto. El tono de los actores en la escena, como musitando las palabras, deja ver, u oír, una primera complicidad que marca la naturaleza posterior de la historia.20 Luego, cuando mucho más avanzado el relato, Roberto besa abrupta e intempestivamente a Pilar, en medio de la cascada, como parte del cansancio de un viaje que parece no terminar nunca (viaje en la búsqueda de la madre y el reencuentro con la patria, como se sabe), comprendemos que el autor ha aprendido a decir más con menos, a emplazar el desenfundamiento de la acción en el momento justo. No hacen falta palabras, la acumulación emocional de las secuencias anteriores hace perfectamente orgánico el brote del beso, en medio de la cascada, torrente físico que alcanza a propiciar el torrente afectivo. Esta es una escena que se diría idónea, perfecta, para cuanto necesita apresar y expresar.

Y después, en la conclusión, me parece extraordinario que, luego del encuentro de Roberto y su madre, no se nos diga qué sucederá con los posibles amantes. No es importante. Cada espectador construye en su mente el destino posible de Pilar y Roberto. La película, el viaje, apenas nos han dicho que ellos ya se han amado y aproximado lo suficiente: lo demás es la complejidad de la vida, y la dramaturgia no se permite reducir ese haz de opciones conclusivas con ninguna proposición concreta. La suspensión del erotismo hacia el final levanta el amor de Roberto y Pilar por sobre la contingencia y el mundo físico.21 Vemos así cómo la película más profundamente erótica de Humberto Solás apenas muestra el recinto de la sexualidad: el erotismo de los personajes de Miel para Oshún existe en sus mentes, en sus sentimientos, en sus deseos menos obvios, los que no por ello excluyen lo físico.

El gran autor ha viajado también: transitó del plausible poder de la evidencia, al recomendable territorio de la sutileza. Y su cine alcanza una dimensión poética que no se contenta ya con el panfleto ni la operación lineal. La construcción dramática del erotismo y la metáfora dramatúrgica acerca de la construcción del proyecto de nación son dos procesos que se articulan en el cine de Solás como un camino único: Eros, en tanto dotador de vida y facilitador de la realización y el placer («la alegría de vivir») ha de ser el universo dador para el destino de todo un proyecto de nación y de cultura. Esa es probablemente la mayor metáfora que se urde en la filmografía solasiana, y en virtud de ella, sucumbe la tragedia: el principio vitalista de la obra emplea la tragedia en el viaje dramático, pero ofrece asideros para comprender la riqueza y el vigor del sistema de valores que informa al proyecto de nación en sus diferentes estadios (esto es, la vitalidad del transcurrir erótico, que funda, que fecunda, que emprende).

Tal vez el propio realizador no haya pensado demasiado en esto. Quizá él mismo opine que su cine no es demasiado erótico. Demasiado no: lo justo. Yo lo entendería: no son pocas las confusiones del erotismo esencial con sus atributos, sus predicados, sus pronombres de encubrimiento. Si leemos en Solás la cualidad erótica relacionada con los tules y las gasas que el viento bate, las frutas que los amantes muerden, las flores que los circundan, o el grito desesperado de «Una gardenia, mamá; una gardenia», andamos, francamente, por las ramas. Si, en cambio, leemos lo erótico como un motor dramático que activa decenas de connotaciones para el entendimiento de la construcción ideológica del drama, la riqueza y la profundidad de la poética del maestro se nos aparecen diáfanas, prontas.

Tratando de comprender el proceso histórico de la nación y la cultura cubanas, Humberto Solás ha levantado un templo de sabiduría desde el poder iluminador de la intuición artística. Su solidez como intelectual le ha permitido estructurar y defender una obra que es patrimonio primero de cuanto ha sido y será Cuba. Todavía lo vemos, de vez en vez, por algún pasillo del ICAIC, en algún concierto, involucrado en su Festival de Cine Pobre (otra tenacidad de película: los pobres tienen su festival, y de qué manera: con esa economía mayor que reporta la cultura), y Humberto camina con la modestia que no pierde un segundo el artista verdadero, pues el poder de observación sobre los gestos, sobre la vida de la gente no es cosa que se sacie nunca.

Este hombre canoso, mesurado, con la temperancia que da la vida cuando se conoce que se ha vivido con intensidad y con gracia cada minuto, este hombre que camina sin conciencia del peso de sus pasos, ha aportado a la historia de la cultura cubana una obra que alcanza a explicar toda su complejidad en el tiempo. ¿Irregularidades estéticas? Claro: he dicho que estoy hablando de un hombre, de un sujeto perdido en la suerte de los suyos; no de un dios. Sin embargo, cuando se aprecia una por una cada película de Solás, la dimensión cultural de la obra se nos viene encima. Él, junto a Gutiérrez Alea, imaginó y rodó el testimonio vivo de una historia múltiple, en crecimiento.

Como prefiere algún personaje de García Márquez, habría que tocar a Humberto para saber que es verdad, que es cierto, que está ahí; que todo eso lo pudo un hombre, con sus aciertos y sus retrocesos, con sus crisis y sus partos continuados para la cultura cubana. Su obra es el registro visual, la enciclopedia razonada, de lo que ha sido Cuba hasta hoy. Como Roberto, su entrañable personaje, él busca insistentemente esa sustancia profunda, ese sustrato que lo conecte con el nervio de Cuba. Sin apartarse nunca, sin huir. Con el tesón de pensar a Cuba desde la humildad poderosa de sus imágenes, recomenzando siempre, como si cada empeño fuera la primera vez.

MIEL PARA OSHÚN, primera película cubana realizada con tecnología digital.

LARGOMETRAJE DE FICCIÓN. 2001. Formato: 35 mm.
Productora Cinematográfica ICAIC, El Paso Producciones con la colaboración de Canal + y RTVE.

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Ficha Técnica
Guión: Elia Solás, con la colaboración Humberto Solás y Sergio Benvenuto
Dirección: Humberto Solás
Director de producción: Luis Lago
Dirección de Fotografía: Porfirio Enríquez, Tote Trenas
Edición: Nelson Rodríguez
Música Original: Carlos Alfonso, X Alfonso, Esteban Puebla, Grupo Síntesis
Primer Asistente: Sergio Benvenuto Solás
Maquillaje: Magaly Pompa
Vestuario: Violeta Cooper
Dirección de Arte: Erick Grass
Sonido: Marcos Madrigal

INTÉRPRETES
Jorge Perugorría
Isabel Santos
Mario Limonta
Actuaciones Especiales:
Adela Legrá
Saturnino García
Elvira Cervera
José Antonio Espinosa
Paula Alí
María Esther Monteluz
Jean Michael Fernández
Claudia Rojas
Susana Alonso

Sinopsis:

Roberto, joven cubano americano, quien fuera llevado de Cuba ilegalmente por su padre cuando tenía siete años, regresa por primera vez a su país de origen.
Su propósito fundamental es el reencuentro y confrontación con su madre, quien él cree que lo abandonó a su destino. Su prima Pilar le revelará una verdad muy diferente.
Este viaje se convertirá también en un decisivo encuentro con su país y su verdadera identidad.

Premios:

Selección Oficial del Festival de las Américas. Montreal, Canadá, 2001.
Selección Oficial de la Muestra de Toronto. Toronto, Canadá, 2001.
Premio Paoa al Mejor Actor de Reparto otorgado a Mario Limonta. Décimotercer Festival de Cine de Viña del Mar, Chile. Competencia Internacional, 2001.
Premio del Público. Festival de Cine de Sevilla, España, 2001.
Candidata (entre 8 filmes) al Premio Goya a la Mejor Película de Habla Hispana de 2002. Academia de Cinematografía Española, nov. 2001.
Mención Especial del Jurado de Ficción. 23 Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano. La Habana, dic. 2001.
Nominación (4 finalistas) al XVI Premio Goya a la Mejor Película Extranjera de Habla Hispana de 2001. Academia de Cinematografía Española, 19 dic. 2001.
Muestra Internacional World Cinema. Sundance Film Festival, 10-20 ene. 2002, Park City, Utah, USA.
Gran Premio del jurado en la categoría de ficción, como mejor película del Cine Latinoamericano. III Festival de Cine Independiente de Washington D.C., 28 feb. - 7 mar. 2002.
Proyección en la Gala de Clausura del Festival Latino de Chicago, 2002.
Entrega del Premio La Gloria a Humberto Solás por toda su carrera cinematográfica.Inauguración del Havana Film Festival de New York, abril de 2002.
Nominada al Premio Ariel en la categoría de Mejor Película Iberoamericana. Ciudad de México, mayo de 2002.
Premio Ariel en la categoría de Mejor Película Iberoamericana. XLIV Entrega del Ariel. Ciudad de México, 27 de mayo de 2002.
Gran Premio del Público de Los Ángeles Latino Film Festival, julio-agosto de 2002.
Mención de Honor como mejor actriz principal para Isabel Santos. Festival de Cine de Lima, agosto de 2002.

Premio Sunshine Award 2010

2010-12-16T23:26:00.000-08:00

Tomado del blog del Instituto Cultural René Ariza

Felicitaciones y muchas gracias a mi querida Yvonne L. Arenal por seleccionar este blog entre sus 12 favoritos. Aquí el texto:

Hoy 17 de Diciembre encontré el email de Rita Martin extendiéndonos este premio. Gracias Rita y felicidades a todos los que lo han recibido.

Un saludo afectuoso y muchas gracias en nombre de todos los miembros del Instituto Cultural René Ariza.

Los dejo con los blogs elegidos y aclaro que no están todos los que quisiera, pero quizás en otro momento tenga una segunda oportunidad:

http://grafoscopio.blogspot.com/

http://rosaile.blogspot.com/

http://artedfactus.wordpress.com/

http://laperegrinamag.blogspot.com/

http://laotraesquinadelaspalabras.blogspot.com/

http://dirticity.blogspot.com/

http://laalcanciadelartesano.blogspot.com/

http://laimagenrota.blogspot.com/

http://lenguaindomita.blogspot.com/

http://lapuertadelasombro.blogspot.com/

http://carlosbarbaab.blogspot.com/

http://projectzu.blogspot.com/

Texto de GRAFOSCOPIO

El 13 de noviembre se nos concedió el Premio Sunshine Award, de las manos del incesante bloguero Josan Caballero, administrador y creador de la bitácora Josancaballero’s Blog que, con mucho éxito, se proyecta en la ciudad de Miami, Florida, Estados Unidos. Luego de agradecer con orgullo y reciprocidad este galardón, y aprovechando la oportunidad de que Grafoscopio cumple 6 meses, hoy 16 de diciembre del 2010, damos a conocer nuestro listado de bitácoras, sitios webs o personalidades premiadas, a través de un artículo que incluye el siguiente procedimiento:

1. Guarda la imagen y postéala en tu blog.

2. Pasa este premio a otros 12 bloggers, o a los que consideres dignos de obtenerlo, según tu criterio.

3. Pon un link a los nominados.

4. Haz saber a los nominados que han recibido este premio, comentando en sus blogs.

5. Comparte tu aprecio y pon un link al blog de la persona de la que recibiste este premio.

Cumplido el primer paso, y agradeciendo nuevamente este Premio Sunshine Award, esperando llevarlo con creatividad y sentido de integración, del mismo modo que ya lo estamos proyectando, paso a informar los blogs seleccionados, considerando que estos poseen unos contenidos y trayectorias dignos de mencionar. Me gustaría añadir que el premio es limitado (razón por la que no puedo otorgarlo a todos aquellos que me gustaría) y que a algunos autores a los que yo tendría en cuenta, ya les han concedido el premio. Los doce beneficiarios son:

La Otra Esquina de las Palabras http://laotraesquinadelaspalabras.blogspot.com/ blog del poeta cubano Joaquín Galvez, dedicado a impulsar la cultura hispana en Miami.

Crítica poética y contrapoética http://criticadepoesia.blogspot.com/ blog a cargo del colectivo Addison de Witt que mantiene un impulso de crítica y contracrítica de poesía y poetas en español.

Nada que perder http://jjambrina.blogspot.com/ blog del profesor universitario, periodista y poeta Jesús Jambrina por su excelente actualización de la noticia en el mundo en español en los Estados Unidos.

Instituto Cultural Rene Ariza http://icrariza.blogspot.com/ entre cuyos miembros destacan que impulsan el trabajo teatral hispano en Estados Unidos destacan: Yvonne López Arenal, Luis de la Paz, Julio Matas, Mario García Joya, Orlando Rossardi, Carlos Rodríguez, Marcos Miranda, Juan Roca, José Abreu Felippe, Yara González Montes, Matías Montes Huidobro y Luis González Cruz.

Estudios espiritistas y afines http://wwwestudiosespiritistasyafines.blogspot.com/ conducido por el poeta y narrador René Deyre Abella, este es el blog oficial del Centro Virtual de Estudios Espiritistas y Afines "Manuel S. Porteiro", que conduce Rene Deyre Abella, dedicado a promover temas y tópicos de estudios en nuestro Centro, así como difundir noticias y eventos de carácter espírita extraídos de los medios de prensa reconocidos como afines a nuestra línea de pensamiento, que es la misma que sustenta la Confederación Espírita Panamericana.

El ojo que avizora http://alejandro-elojoqueavizora.blogspot.com/ del pintor de la palabra Alejandro Lorenzo que se encarga de traer siempre otra manera de ser y de pensar.

Dirty City http://dirticity.blogspot.com/ del poeta y critico Ignacio Granados, siempre con urgentes producciones de videos.

Palabra abierta http://palabraabierta.com/ sitio web del suplemento cultural hispano que conducen en California Gabriel Lerner como director y Manuel Gayol Mecías como. editor.

Pepeforte.com http://pepeforte.com/index.html sitio web del fotógrafo de los carros y conductor del programa radial AutoManía que transmite la emisora WQBA 1140 AM que informa con precision sobre el Mercado automovilístico a la comunidad hispana.

Bojeo a la isla http://bojeoalaisla.blogspot.com, blog del bibliólogo y crítico literario Kevin Sedeño Guillén, radicado en Bogota, Colombia.

Un Premio Especial de Creación Literaria a la editorial La Torre de Papel fundada y dirigida por el poeta y narrador cubano Carlos Diaz.

Un Premio Especial de la Crítica Literaria a los Drs Justo Ulloa y Leonor Ulloa, http://miflc.org/ por sus aportaciones académicas, por el apoyo que durante años han dado a la Conferencia Mountain Interstate Foreign Language que se celebra anualmente en universidades huéspedes de los estados de Alabama, Georgia, Kentucky, North Carolina, South Carolina, Tennessee, Virginia, or West Virginia, así como por el trabajo de edición de ambos para la Revista MIFLC.

Enhorabuena. Los saluda cordialmente, Rita Martín.

La mirada inconforme: diálogo sobre la aventura cinematográfica cubana de nuestros días

2010-12-05T21:44:00.000-08:00

OSCAR FERIA (Holguín, Cuba, 1954)

Graduado de la Licenciatura en Fotografía de la Facultad de Arte de los medios de Comunicación Audiovisuales, Radio, Cine y Televisión. Miembro de la UNEAC. Ha sido operador de cámara de la Televisión Cubana desde el año 1978 y director de fotografía desde el año 1990. Director de Televisión. Profesor de Dirección de Fotografía del Instituto Superior de Arte de Cuba (Holguín) desde el año 1993 y profesor de Mérito de esa casa de estudios. Es también profesor en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños en el Taller de Jimmy Jib, así como asesor de fotografía de ejercicios documentales en la misma institución. En su filmografía como realizador sobresalen los títulos: "Cativo", "Otro en camino", y los documentales "Con mi gente estoy aquí", "Luchar, luchar luchar" e "Y fue un despertar", todos con premios en varios eventos nacionales e internacionales.
Funda en el 2003 su productora "Nosotros mismos", con la que colaboró en los filmes del ICAIC
"Madrigal" y "José Martí: el ojo del canario" (Fernando Pérez), "La noche de los inocentes" (Arturo Sotto), "Camino al Eden" (Daniel Díaz Torres), "Kangamba" (Rogelio Paris), "Los dioses rotos" (Ernesto Daranas).

ABEL ALVAREZ (La Habana, Cuba, 1975)

Graduado como Locutor de Radio y TV. Premio de la Popularidad de la Televisión y Radio en Cuba. Ha sido conductor de programas como “De mañana” y “Solo música” ambos de Radio Taíno, “Buenas días ciudad”, en Radio Ciudad de La Habana e “Impacto”, de la COCO, así como “Verano en TV”, “De la gran escena”, “Cuerda Viva”, “Va por la casa”, "Mediodía en TV", entre otros, todos de la televisión cubana. Guionista del programa "Contar bailando". Ha animado las galas del Cubadisco (2005-2008), los festivales nacionales de Telecentros y festivales de Televisión. Incursiona en el cine cubano, con participaciones como locutor en los largometrajes documentales: "Van van empezó la fiesta", de Liliana Mazure y Aaron Vega, "Why", de Rolando Almirante, "Bretón es un bebé", de Arturo Sotto, para quien también hace el spot promocional y en el filme de ficción "Viva Cuba", de Juan Carlos Cremata. En México, conduce el programa “Dónde está el piloto”, de Telesur-Campeche, además de conductor, guionista y productor del programa matutino ¿Qué tal!.
Trabajó en la producción de los documentales "Día de muertos" y "Humberto", este último dedicado al cineasta cubano Humberto Solás.

CARLOS BARBA, (Guantánamo, Cuba, 1978)

Licenciado en Letras por la Universidad de Oriente, en Santiago de Cuba. Miembro de la UNEAC. Ha cursado talleres en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños. Su tesis de grado sobre cine y literatura, abordó específicamente el filme "El siglo de las luces", del emblemático director Humberto Solás. Ha seguido de cerca la trayectoria de este cineasta con sus documentales "Ecos de un final", "Memorias de Lucía", "El hombre del siglo" y "Gibara, ciudad abierta". Trabajó como asistente de dirección en las películas "Barrio Cuba", "Santiago y la Virgen", "El misterio de las aguas" y "Ciudad en rojo", de Humberto Solás, Jorge Perugorría-Ángel Alderete, Arturo Sotto y Rebeca Chávez, respectivamente. Autor de los documentales "Mujer que espera", acerca de la actriz Isabel Santos, "Canción para Rachel", sobre el filme "La Bella del Alhambra", y "Día de muertos", rodado en el sur de México.
Autor, junto al cineasta Enrique Pineda Barnet, del libro "20 años de La Bella del Alhambra”, editado por el ICAIC 2009. Ha llevado sus documentales a festivales y eventos nacionales e internacionales, así como premios por sus obras en varios de estos certámenes. Prepara un documental-tributo a su maestro Humberto Solás.

Diseño del cartel: Mario Nieves, a partir de un fotograma del filme cubano "José Martí: el ojo del canario".

SOLÁS Y LAM: UNIVERSOS CERCANOS

2010-12-04T08:05:00.000-08:00

Homenaje a Wifredo Lam y Humberto Solás por el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam

SE EXPONDRÁN TRABAJOS MANUALES INÉDITOS DE HUMBERTO SOLÁS EN EL ANIVERSARIO 69 DE SU NATALICIO Y SE PROYECTARÁ SU DOCUMENTAL WIFREDO LAM, EN EL ANIVERSARIO 108 DEL NACIMIENTO DEL AFAMADO PINTOR.

El 4 de diciembre de 2010 Humberto Solás llegaría a los 69 años de edad. Cuatro días más tarde, el 8 de diciembre, se conmemora el aniversario 108 del natalicio de Wifredo Lam. Es por ello que entre el 4 y el 8 de diciembre el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam y la Oficina del Cine Pobre Humberto Solás rinden homenaje a estas figuras cimeras del arte cubano y universal.

El programa contempla la exhibición, entre el 4 y el 8 de diciembre, por vez primera en La Habana , de un conjunto de obras plásticas creadas por Humberto Solás. Las piezas, que el cineasta llamó "trabajos manuales", serán expuestas en el patio central de este espacio cultural. La exposición estará integrada por una serie de obras, tres de ellas elaboradas en los años ochenta y el resto entre los años 2006 y 2007, e incluirá trabajos totalmente inéditos y fotografías. Diariamente se exhibirá el documental Wifredo Lam, dirigido por Solás.

De manera paralela, en Madrid, la Asociación Yemayá , presente en las últimas ediciones del Festival Internacional del Cine Pobre Humberto Solás, homenajeará al cineasta cubano con la proyección en su sede del filme Un hombre de éxito, a la que asiste Aldo Benvenuto Solás, productor del proyecto Cine Pobre y quien estará acompañado por amigos y colaboradores de Humberto Solás.

La Oficina del Cine Pobre Humberto Solás del ICAIC aprovecha para comunicar que las actividades en homenaje al realizador se extenderán durante un año exacto. En ese período acontecerán múltiples foros y homenajes a Humberto Solás en diversos espacios de Cuba y el extranjero, que culminarán con la celebración del aniversario 70 de su natalicio el 4 de diciembre de 2011.

El proyecto Cine Pobre Humberto Solás anhela incentivar la divulgación de la obra del cineasta cubano, así como incidir de manera especial en la profundización teórica del quehacer de uno de los grandes intelectuales de Cuba y el mundo.

INAUGURACIÓN
Sábado, 4 de diciembre de 2010
Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam
5:30pm.

-Inauguración de la exposición plástica Trabajos Manuales de Humberto Solás
6:15pm.

Presentación Especial del documental:
WIFREDO LAM
Doc. / 35 mm / 1979 / 45’
Dir. Humberto Solás .

Sinopsis. Aspectos destacados de la vida y obra del pintor cubano Wifredo Lam, una de las figuras cimeras de la plástica universal contemporánea. Testimonios y reflexiones del artista.
Premios: 1982. Seleccionado entre los filmes más significativos del año. Selección Anual de la Crítica. La Habana, Cuba / Premio Colón de Oro al mejor cortometraje. Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España.

Fuente: Oficina del Cine Pobre Humberto Solás
Sergio Benvenuto Solás / Director

El cubano que vino a México para ser el malo de las novelas

2010-11-17T16:17:00.000-08:00

Notimex-Jueves 04 de noviembre de 2010

El actor cubano César Évora, quien ha desarrollado parte importante de su carrera en México, donde es muy conocido por sus papeles en telenovelas, festejará su cumpleaños número 51 en medio de las grabaciones de "Triunfo del amor", basada en "El privilegio de amar".
Producido por Salvador Mejía, el melodrama es protagonizado por Maite Perroni, William Levy, Victoria Ruffo, Daniela Romo y Osvaldo Ríos, y se transmite por “El Canal de las Estrellas” desde el pasado 25 de octubre.

Por otra parte, a fines del mes pasado Évora fue el maestro de ceremonia del homenaje que se le rindió en la capital del país a “El Flaco de Oro”, Agustín Lara, con el concierto “Solamente una vez, de Cuba a Lara”, en el que participaron músicos cubanos como Maruchi, Kelvis Ochoa, Francisco Céspedes y La Orquesta Aragón.

César Évora Díaz, quien criticó la actuación del polémico futbolista Cuauhtémoc Blanco en la novela "Triunfo del amor", nació el 4 de noviembre de 1959 en La Habana, Cuba.

De niño siempre fue elegido para participar en los festivales declamando poesía por tener esa voz peculiar que siempre lo ha caracterizado.
El interés por los minerales y la búsqueda de petróleo en su tierra natal lo llevó a estudiar Geofísica, carrera que a una semana de haber iniciado estuvo a punto de dejar, lo cual no ocurrió, pues si no estudiaba tenía que participar en el ejército por dos años.

Creció al lado de su madre y de su abuelo, de quien, ha dicho, tiene gratos recuerdos, ya que su papá siempre se encontraba de viaje y sólo lo llamaba o enviaba una carta cada seis meses, lo cual ocurrió durante 20 años.

Según ha comentado en entrevistas, le costó mucho trabajo elegir a qué se iba a dedicar profesionalmente; sin embargo, el haber asistido a la filmación de una película y estar detrás de cámaras, fue lo que lo hizo decidirse por la actuación. Cuando esto ocurrió, ese día recibió la noticia de que su abuelo había muerto.

Évora tuvo que picar piedra y para obtener su primer papel realizó un casting, en el que participaron más de 500 personas. No obstante, a los 18 años ya tenía un objetivo bien definido: llegar a ser un actor de cine.

En 1980 buscó trabajar en la película "Cecilia Valdés", y este proyecto lo ayudó a entrar al Instituto de Cine Estatal (ICAIC), donde realizó "Un hombre de éxito" y "Capablanca", producciones que lo dieron a conocer fuera de Cuba.

Después arribó a México en busca de oportunidades de trabajo. Llegó a Televisa donde consiguió contrato por seis años, el cual se renovó posteriormente bajo el término de exclusividad. En 1999 obtuvo la nacionalidad mexicana.

"Gente bien" (1997), "El privilegio de amar" (1998), "Laberintos de pasión" (1999), "Abrázame muy fuerte" (2000), "El manantial" (2001) y "Entre el amor y el odio" (2002) son otras de las telenovelas en las que ha destacado en ese ámbito en México.

En 2003 encarnó al villano Atilio Montenegro en "Mariana de la noche"; en 2005 formó parte de "La madrastra" y "La esposa virgen".

Aunque la televisión ha sido el medio en el que ha figurado, también ha realizado varias películas como "Cecilia" (1982), "Amada" (1983), "Habanera" (1984), "Una novia para David" (1985) y "Barrio negro" (1989), entre otras.

En México conoció a Vivian, su actual esposa. El actor tiene tres hijos: Rafael, Mariana y Carla.

En 2006 participó en "Mundo de fieras", donde personificó a unos gemelos, uno bueno y amoroso, y otro resentido que busca hacer daño a quien se cruce en su camino, al lado de actrices como Helena Rojo, Edith González y Carmen Salinas, entre otros. Évora se ha mantenido presente en la televisión mexicana, ya que en 2007, se retransmitieron "La madrastra" (2005), "Abrázame muy fuerte" (2000) y "El privilegio de amar" (1998).

En ese mismo año el actor participó en "Amor sin maquillaje" y en 2008 informó que pretendía intervenir en el cine mexicano y en las telenovelas, tras finalizar su trabajo en "Al diablo con los guapos", de la productora Angelli Nesma.

En 2009 participó en un documental dedicado a la memoria del también cubano Humberto Solás, quien falleció el 17 de septiembre de 2008, el cual tuvo locaciones en la Ciudad de México y La Habana, bajo la dirección de Carlos Barba.

Évora ya había trabajado en los años 80 bajo las órdenes de Solás, en sus filmes "Cecilia", "Amada" y "Un hombre de éxito", tres títulos significativos en la carrera del realizador.

El documental, que fue escrito y dirigido por Carlos Barba, uno de los colaboradores más destacados de Humberto Solás en la última etapa de su carrera, y que tiene como título de producción "Humberto", intentó abarcar tanto la vida como la trayectoria de uno de los más grandes exponentes del cine iberoamericano.

Ese mismo año Évora renunció a colaborar en la nueva versión de la telenovela Corazón salvaje, por motivos de salud, y su papel le fue otorgado al actor Enrique Rocha.

Aquí la noticia.